THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (12/25): CYNTIA

Pues otra chica yeyé rara, pero rara de verdad. No puedo decir nada de ella. Buen domingo!!!

Buck Satan And The 666 Shooters - Bikers Welcome Ladies Drink Free (2011) (Country-Core/Heavy Western)

Otro de estos discos descubiertos gracias a la suerte y a la curiosidad, y es que en mi otro blog realicé una serie titulada "The Byrds, Roots & Seeds", donde buscaba las canciones originales que versioneó la banda, así como las versiones que de los temas propios hicieron otras bandas, y al llegar al tema "Drug Store Truck Drivin' Man", me quedé impresionado por la trepidante versión que hacían unos perfectos desconocidos para mi, que eran "Buck Satan And The 666 Shooters".

Así que rápidamente puse en marcha el motor de mi curiosidad y empecé a buscar infprmación sobre esta banda. Y lo primero que encontré, ya me dejó aturdido y apabullado, pues el lider de la banda era un tal "Al Jourgensen", si, el mismísimo líder de una de mis bandas favoritas de todos los tiempos "Ministry", banda que creo todos conocéis aunque sea de oídas. Banda pionera en los sonidos industriales y referencia mundial de los sonidos mas radicales.

Lo siguiente, evidentemente conseguir el disco, y nueva sorpresa, un disco totalmente trepidante de principio a fín, sin un segundo de tregua, el estilo, para mi indefinible, menos mal que "Jourgensen" me echó un cable y lo definió con la curiosa, pero efectiva etiqueta de "Country-Core/Heavy Western", ¡echale güevos!. 

La banda es un cuarteto, compuesto por su lider "Buck Satan (Al Jourgensen)", que el tío se dedica a cantar, tocar la guitarra acustica, la mandoloina, el banjo, banjo, la harmonica, el steel guitar, los teclados, aparte de naturalmente componer, mezclar y producir. El otro lider de la banda es un tal "Mike Scaccia", que le pega a todo tipo de guitarras y al banjo.

Tambien forman la bada "Rick Nielsen", en las guitarras y "Tony Campos" tocando el bajp. Aunque para la grabación se apoyan en otros músicos que tocan viloline y cellos o se dedican a la batería programada.

El resultado no puede ser mas espectacular 12 canciones a cual mejor, mas un tema extra que apareció en la edición digital. La mayoría escritas por "Jourgensen" y muchas coescritas con "Mike Scaccia", aunque también hay dos versiones, la anteriormente citada de los "Byrds" y una versión de un tema de "Grateful Dead" (bastante mejor que la original) aunque ya sabéis que soy poco Gratefuldeaddero.

Nada mas, os dejo ya con el track-list

01 - Quicker Than Liquor

02 - What's Wrong With Me

03 - Medication Nation

04 - Drug Store Truck Drivin' Man (The Byrds Cover)

05 - The Only Time I'm Sober Is When You're Gone

06 - Cheap Wine, Cheap Women

07 - Down The Drain

08 - Sleepless Nights And Bar Room Fights

09 - Friend Of The Devil (Grateful Dead Cover)

10 - Ten Long Years In Texas

11 - I Hate Every Bone In Your Body Except Mine

12 - Take Me Away

13 - Dignity

Un par de canciones de degustación, y esta vez me ha costado un montón decidirme, pues creo que el nivel general es muy parejo, y las he cambiado un montón de veces, pero bueno, aquí están, la versión de los "Byrds" por los que les conocí y otra cualquiera, que por cierto... ¿No os recuerda al "Cortez the Killer" de Neil Young?.

Drug Store Truck Drivin'

Ten Long Years In Texas

Pues nada, si estas dos os gustan a por el disco entero, sino, dejarlo correr, que las demás canciones son del estilo.

Hasta pronto.

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (11/25): MILA

 

Metida por repertorio y época en el cajón de sastre de las chicas ye yé, Mila supuso un intento de casar el españolismo vocal con toda su carga racial y los ritmos rompedores que proliferaban en los primeros 60. Quiso diseñarse a imagen y semejanza de las divas de la canción italiana de voz fuerte y presencia rotunda; sin embargo, ese proyecto fue adaptándose a las modas de cada momento y pronto quedó desdibujado. Dario Vico la define acertadamente como «moderna para todo«.

Elena Pallarés nació en Madrid en 1945 y desde los doce años ya andaba estudiando baile y canto en distintas academias capitalinas. Según va creciendo y actuando se hace con un nombre entre las aspirantes a estrellas, destacando por su buena voz, su simpatía en escena y por ese impenitente lunar en su mejilla izquierda. Es acompañada habitualmente por los mejores grupos madrileños, especialmente por Los Sonor con los que más tarde haría sus primeras grabaciones.

Ficha para Philips antes de cumplir los diecinueve años y es rebautizada ipso facto como Mila. Parece ser que ese nombre quería imitar de algún modo a la italiana Mina, la cantante brava que triunfaba en toda en Europa. “Papel Borrador / Qué Lindo Es / Hully Gully / Cuadrángulo de Amor” (Philips, 1964) es su primer EP. Un sonido vibrante al que contribuye no poco el acompañamiento de Los Sonor. Mila muestra una voz fresca y sin complejos que se acopla perfectamente a un acompañamiento típico de rock con la guitarra solista de Toni Martínez -después en Los Bravos– conduciendo las canciones con solvencia. En su momento fue considerado un tanto atrevido para una chica, que se metía a las primeras de cambio en el peligroso mundo de los conjuntos modernos, un mundillo casi exclusivo de los chicos.

Mila y Los Sonor pronto hacen su segundo redondo: “Decí Porque No Querés” (Philips, 1964). Aquí empiezan las concesiones a los temas de moda con una canción del emergente argentino Palito Ortega y el más famoso twist italiano, el siempre agradecido «Guarda come dándolo» de Edoardo Vianello.  Las cuatro canciones siguen guardando la alegría desinhibida, aunque esta vez algo más forzada que en su disco de debut.

Los dos primeros discos se habían escuchado bastante por la radio, aunque las ventas no eran nada espectaculares. Philips decide prescindir de Los Sonor y normalizar las grabaciones. Es decir, ponerle detrás una orquesta ligera que es lo que se hacía habitualmente en este tipo de cantantes. Un tercer disco aparecerá con otro tema de Palito Ortega en la pista principal, “¡Qué Suerte!” (Philips, 1964), y supondría un cierto frenazo a su imagen de chica moderna. La cantante madrileña tiene el suficiente chorro de voz para competir en el mercado melódico, pero cabe preguntarse si era eso lo que convenía a su carrera. Desde entonces sería Frank Granada y su Orquesta los encargados de poner los instrumentos.

En 1965 triunfa un ritmo autóctono, el quando, popularizado por Los Quando’s. Philips tira de su chica para todo y le hace grabar cuatro temas de este sosote baile: “Mila Canta el Quando” (Philips, 1965). El resultado es una charranada oportunista de escaso recorrido y que intentó basar sus ventas en la novedad, pues la calidad brillaba por su ausencia. Una mezcolanza de matices mejicanos con trompeta de mariachi, nuevo ritmo y algún toque coplero de difícil conjunción e imposible salvación.

El quinto EP de la chica del lunar es una mezcla de versiones de diferentes procedencias. En “El Cacharrito” (Philips, 1965) conviven un tema infantil norteamericano, una canción bromista de Luis Aguilé, una canción de Gianni Morandi que servía para presentar un nuevo baile, el shake y uno de los más conocidos números de “Mary Poppins” (Robert Stevenson, 1964). (La Fonoteca).

Para el siguiente disco, Mila intentaría regresar a sus inicios y se atreve a versionar en la pista principal un tema estrella de Los Brincos: “Mejor” (Philips, 1966). Este sería su disco más conocido y el más regalado -que no el más vendido-, gracias a su edición en la colección Disco Sorpresa del Brandy Fundador.

Pero, con copas o sin copas, la carrera de Mila estaba en las últimas y era una pena, pues su voz, su cuerpo y sus ganas hubieran merecido un puesto muy superior en el invisible escalafón de las voces femeninas de los 60. “Estréchame” (Philips, 1967) supondría su despedida del mundo discográfico y prácticamente de la música.

Mila fue un juguete roto prematuramente en manos de un sello que se ocupó poco o nada de su carrera y que no supo ver en ella el potencial de cantante pop que atesoraba y el tirón que pudo haber tenido entre los jóvenes más modernos de su época. Tras dos discos ciertamente prometedores con un gran conjunto detrás, se fue diluyendo en discos de serie B con acompañamientos anodinos.

V.A. Rock Na Costa Da Morte (1993) Galicia Pop-Rock

Pues nada, como buen Diógenes musical que soy, y que lo guarda todo, hace poco en mi colección de vinilos encontré este disco "Rock Na Costa Da Morte", que hace la tira de tiempo que lo tengo y no tengo ni puta idea de donde lo conseguí, pero creo que es una buena muestra de la música hecha en Galicia a principio de la década de los noventa.

Así que me dispuse a digitalizarlo, ya que el vinilo, estaba en bastante buen estado y para rematar Rick, le dió un poco mas de brillantez al sonido.

Y es que la música gallega es totalmente desconocida en el resto del país, si exceptuamos a "Siniestro Total", "Os Resentidos", Los "Suaves" o "Golpes Bajos" en la movida poprokera, o los grupos de folk, como "Milladoiro" o el gran "Emilio Cao". Por lo que lo mas seguro es que ninguno de los grupos de hoy os suene de nada.

La Crema

Así que tirando de mi ya legendario morro, engañe a "Rick" (presa fácil) para que me hiciese la presentación, al ser nativo de esas tierras del norte, aunque me comentó que tampoco conocía a estos grupos, pero yo confiaba en su gran capacidad de encontrar información de debajo de las piedras, así que esto es lo que me ha enviado:

Tras el éxito que alcanzó la llamada “Movida madrileña”, un entorno con vida propia cuyo momento más brillante tuvo lugar a principios de los años 80, en muchos lugares de España hubo músicos que intentaron crear un ambiente y un carácter distintivo. Esto sucedió, en mayor o menor medida, en algunas comunidades autónomas como Valencia o Andalucía; pero especialmente en las llamadas “nacionalidades históricas”, es decir, Cataluña, Pais Vasco y Galicia. Por ejemplo, en Cataluña hubo ya en los años 60/70 la famosa “Nova Cançó” y luego la “onda layetana”, mientras que el Rock Radical Vasco comienza a mediados de los años 80. 

Desertores Do Arado

En Galicia no hay una burguesía industrial nacionalista que fomente ese tipo de corrientes, y salvo la época de las llamadas “Voces Ceibes” (últimos años 60 – primeros 70), un movimiento básicamente universitario centrado en la canción protesta, hubo que esperar hasta principios de los años 80 para que, al rebufo de lo que pasaba en Madrid, surgiese la llamada “movida viguesa”, que como su nombre indica tuvo lugar exclusivamente en aquella ciudad. Poco después, y en vista del éxito de Siniestro Total o los Resentidos, comienzan a surgir pequeños “núcleos activos” en los lugares más insospechados de la comunidad gallega. Uno de esos lugares es la Costa Da Morte, que parte de A Coruña hacia el sur y termina en el cabo de Fisterra. En esa zona hubo en los años 80/90 una pequeña ebullición de grupos que no llegaron a ser conocidos a escala nacional pero que crearon un ambientillo muy animado. Y este disco, publicado en 1993, es una recopilación de esos grupos.    

Impresentables

En realidad hay que reconocer que, al igual que pasó con el Rock Catalá de esa misma época, la única diferencia con respecto a lo que ofrecían los músicos de otras zonas del país es el idioma, y no siempre. Así que, sin buscarle tres pies al gato, lo ideal es simplemente escucharlos y olvidarse de dónde son. Hay seis grupos, cada uno con dos canciones: la apertura y el cierre corren a cargo de La Crema, que para mí posiblemente sean los mejores aunque también los que más se parecen a un grupo de pop rock estándar tanto en su primera cancíón, cantada en español, como en la otra, en inglés. No sé qué sería de ellos, pero suenan muy “internacionales”, por decirlo así. Tal vez los más “gallegos” -y no solo por el idioma- sean los Desertores Do Arado, especialmente en “Por qué me tuvo que pasar”, su primera canción, con ese tonillo medio de coña que protagoniza un rock and roll muy trotón. En cambio la otra podría acabar recordando a un grupo andaluz, tanto por la voz -en español y manifiestamente mejorable- como por el estilo, cercano al progresivo sureño de los años 70.

Malavida

Los Impresentables son los terceros en aparecer. y aquí también hay una coña muy gallega en su primera canción; luego, como los Desertores, cambian de estilo y se pasan al español para cantar un pop contemporáneo y propio de lugares más sureños. Malavida, los siguientes, siguen la misma estrategia: primera canción en gallego y con mucha sorna, segunda en castellano cambiando completamente el estilo y acercándose a una melodía de medio tiempo con tonalidades casi jazzísticas, muy de la época también. Los últimos son Troleblues. que cantan ambas piezas en español y sorprenden con una primera pieza pop muy arreglada, casi nostálgica, que podría recordar a un cruce entre Nacha Pop y los Secretos; la segunda, siendo más vigorosa, podría recordar también a las bandas madrileñas post-Movida, más serias y con gusto por los buenos arreglos. 

Zëndar

En fin, creo que que como muestrario de una época y un lugar este recopilatorio es bastante decente. Y tiene un gran valor nostálgico, ya que pronto desapareció de la circulación, al igual que la mayoría de estos grupos: ni siquiera ha llegado a reeeditarse en cedé, así que lo que tenemos aquí es un nuevo trabajo de rescate que el señor Kortozirkuito ha llevado a cabo pasándolo del vinilo original a este formato. Así que les recomiendo que lo disfruten como lo que es: un documento sonoro muy difícil de encontrar hoy en día. 

Rick.

Troleblues

LP. Rock Na Costa Da Morte (Xiada – XRCM-01) 1993

A1 - La Crema - Oscura Es La Vida

A2 - Desertores Do Arado - ¿Por Qué Me Tuvo Que Pasar?

A3 - Impresentables - Maruxa

A4 - Malavida - Cando Algo Funciona Mal

A5 - Troleblues - Por La Senda Del Sol

A6 - Zënzar - O Home Bala

B1 - Zënzar - No Teu Rostro

B2 - Troleblues - En Cuarentena

B3 - Malavida - Un 9 De Agosto

B4 - Impresentables - Enséñame A Hacer El Amor

B5 - Desertores Do Arado - Hombres Solitarios

B6 - La Crema - Dark Lights

Y para terminar un par de canciones de degustación, una en la lengua del imperio y otra en la lengua de los celtas del noroeste. Destacacar como ya lo ha hecho Rick a "La Creema", que también creo son los mejores, Las dos de este grupo son bien buenas y en diferente onda, la que cierra el Lp es un tema espectacular, sobre todo para los amantes de los sonidos mas hardrokeros. 

La otra canción, de "Zëndar", en gallego, y en una onda bastante cañera:

La Crema - Oscura Es La Vida

Zënzar - No Teu Rostro

Nada mas, aquí os dejo este disco que creo que es algo mas que decente, y aparte de su valor histórico, creo está repleto de muy buenas canciones, que a buen seguro os hará pasar unos agradables momentos.

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (10/25): MALENI CASTRO

Maleni Castro, nacida en 1952, sevillana y conocida por participar antes en varias películas ("Bello recuerdo" de 1961, "Chico o chica" de 1962 y "Las gemelas" de 1963). Era una niña cuando cantó en "Chico o Chica" una canción en Dos Hermanas (Sevilla), por orden del director Antonio del Amo, que vió en ella la oportunidad de suceder a Joselito (al que dirigió en ocho ocasiones, y ya se hacía mayor). Pero no contaba con Marisol.

MÁQUINA: "WHY?" (1970)

 

"¡Atended ahora!, justo ahora cuando las brumas comienzan a diluirse y remonto el vuelo del dron hacia un espacio libre y diáfano, el más necesario para dar inicio a este relato" 

Ya me cuesta, pero prefiero ignorar el origen y significado de esas palabras y ceñirme tan solo a la letra pequeña del contrato que me liga como piloto del dron matrícula ATPC53Z, un artefacto de titánica y última generación, provisto de suficiente autonomía para sobrevolar cualquier geografía, cualquier nivel mental.

(El piloto que dirige esta entrada declara que tuvo un desafortunado desliz en una conocida tienda de discos, sonaba "I Believe" y confundió ese tema de Máquina con algún otro de Soft Machine. El piloto agachó su cabeza e imploró perdón, perdón, ¡cullons!..., hace demasiado tiempo que no escuchaba a la banda catalana.. El amigo Guille sonrió comprensivamente mientras se atusaba el bigotillo estilo Willy DeVille.).

De esta manera improvisada identificaremos al dron ATPC53Z sobrevolando la Estación de Francia de Barcelona mientras el piloto observa un objeto no identificado, algo extraño, inusual, parece el cuerpo de una persona, medio tirado en una de las puertas auxiliares de la salida de la Estación.

Jordi M. es el propietario humano del bulto desconocido y lleva 3 noches de farra, fuera de casa, en sus escasos momentos de lucidez sigue empeñado en anticipar la babosa sonrisa de Keith Richards en aquellas sesiones de grabación del "Sticky Fingers" En el suelo revolotean las hojas de un arrugado periódico deportivo, Asensi ha marcado no se cuantos goles.

Era muy de mañana aquel domingo 18 de octubre de 1970. Agua de Regaliz y Màquina! estaban anunciados para la segunda sesión inaugural del Primer Festival Permanente de Música Progresiva en el Salón Iris de la calle Valencia, entre Aribau y Muntaner. 

Harto ya de esperar, el Joan B. se dispone a realizar un último intento. Pasará por los lugares donde habitualmente suele verse al Jordi M para ver si puede localizarle. El dron ATPC53Z nos muestra la Bultaco Lobito de Joan B. dirigiéndose por la Via Layetana hasta el Zeleste de la calle Plateria, primer intento en vano, por allí no hay rastro suyo. En el siguiente plano aéreo del dron, Joan B. reanuda su itinerario. En esta ocasión se dirige al Magic en el Passeig Picasso, allí conoce a la Montse, cajera del club. Se cuela por la parte baja de la puerta enrollable, aun medio abierta: Has vist el Jordi? Montse observa con cara cansada al Joan B., el cabrón, em va deixar tirada ahir.

El piloto del dron, servidor de Vds., escucha en sus cascos inalámbricos Tune 720BT el primer disco de Màquina, "Why?" (versión reeditada por WahWah Rcds, 2003) Suena el primer tema, ese increíble "I Believe" que confundió en la tienda de discos. La Bultaco Lobito de Joan B. se desplaza por las calles de Barcelona sin tocar el asfalto. No hay semáforos, ni cruces, ni señales de tráfico que valgan. Joan B. maneja un ala delta que apenas rasga el aire, la cornisa del cielo se encuentra cada vez más alta y Joan B. estira uno de sus brazos para intentar alcanzarla. A la derecha de los cascos, la guitarra de Luigi Cabanach, a la izquierda, la guitarra fuzz de J.M. París, "el Sueco", en el centro, el órgano de Enric Herrera. Voz y bajo, Jordi Batiste. Cuando concluyen los más de 11 minutos de la primera parte de "Why?", Joan B. está aterrizando cerca ya de la Estación de Francia. Se guía tan solo por el eco de la batería de J.M. Vilaseca, "Tapioles", sus redobles de tambor le conducen hasta la esquina opuesta de la Estación de Francia.

ATPC53Z pierde la referencia de Joan B. mientras este se dirige a la cafetería de la Estación. Allí le atiende Manuel, testigo de Jehová y también andaluz de Jaén. Da fe de su buena disposición cristiana y le pide una absenta bien cargada, como a él le gusta, igual a las que sirven en El Carabela de la Barceloneta. Mientras coloca un azucarillo sobre la cuchara observa cómo se va deslizando el líquido verde hasta que el terrón se deshace. Siente un agradable mareo instantáneo. L´ideal per anar una mica posat. Paga y deja propina.

En mi informe de vuelo no incluiré las hazañas motociclistas de Joan B. en su trayecto desde la Estación de Francia hasta el Salón Iris. Puedo entender que el tiempo apremiara, que el primer pase de Màquina! tuviera lugar hacia las 12:00 del mediodía, vale.., pero, cullons!, saltarse dos semáforos en rojo, no respetar los pasos de cebra, arramplar por una esquina peatonal en Aragó a punto de atropellar a un doberman lleno de collares, amic Durruti, endavant!!, eso no. Ahora que lo pienso, puede que la única razón radique en el efecto telepático que el "Why? (part 2")  tuviera en su mente. Es curioso cómo mientras el dron sobrevolaba las cúpulas interminables de la Sagrada Familia de Gaudí, los teclados del órgano de Enric Herrera parecían entonar una oración llena de humo, no precisamente de incienso. "Let Me Be Born" pilló a Joan B. encadenando su moto al pie de una farola sola y dolida.

Jordi M. reapareció pocos días después en un pase nocturno de Tete Montoliu en La Cova del Drac de la calle Tuset. Nadie le preguntó sobre su ausencia. Tan solo alcanzábamos a entender frases como ... era primevera als seus llavis, ... amb el meus petons feria les plantes dels teus peus... cosas así, débilmente, en el bosque de Collserola. Cuc sonat, calló Joan B.

A Guille de Bajo el Volcán.

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (9/25): NURI

Los hermanos y las hermanas mayores han marcado a menudo el devenir de los menores de cada familia. Nuria Santamaría Salvat tuvo la suerte de estar precedida por su hermana Magda, que desde 1960 se dedicaba a abrirse paso en el mundo de la canción. La pequeña Nuria la acompañaba allí donde iba y acabará por contagiarse de la afición de su hermana. Magda fue una de las pioneras de la canción ligera en catalán, junto a intérpretes como Tony Vilaplana, pero con la particularidad de hacer todo su repertorio en esta lengua. En 1963 grabará sus primeros discos para Edigsa, marca emblemática de la música catalana, sufriendo el azote de la censura en alguna de sus grabaciones debido a cuestiones idiomáticas. Nuri, apenas una adolescente, comienza a actuar acompañándose con su guitarra. Su estilo es más rítmico que el de su hermana, dedicándose al rock y al beat y siendo rápidamente encuadrada en la primera oleada ye yé. Su imagen juvenil en la línea de Rita Pavone con su pelo cortado a lo garçon, una voz infantil llena de fuerza y sus versiones de los temas americanos del momento no pasan desapercibidos y es fichada rápidamente por el sello Vergara, que la va a desviar a uno de sus subsellos. Ahí sale su primer EP. Un disco cantado en castellano: “Eres mi Bombón / Busca una Excusa / No Puedes Comprarme / Chócala” (Alma, 1964). La canción principal es el cover de “My boy lollipop”, que en la década anterior había supuesto para The Cadillacs su único éxito y que mucho, mucho más tarde sería grabada, entre otras, por las Spice Girls. También se incluye un tema de Lennon y McCartney, a los que Nuri dedicaba una especial atención, a la vista de las grabaciones que nos dejó. Radio Barcelona organiza uno de los muchos concursos destinados a jóvenes valores de la canción con la particularidad de ser un evento en catalán para intérpretes de rock y derivados. Tras una serie de actuaciones y eliminatorias radiofónicas, la espontaneidad de Nuri encandila a los oyentes, haciéndose con el triunfo. El plato fuerte del premio era la grabación de un disco. Así va a aparecer: “Primer Premi Show Ye Yé” (Concentric, 1965). Precisamente este disco va a ser una de las primeras referencias de este sello genuinamente catalán, fundado por Francesc Burrull como una escisión de Edigsa. Un sello que poco después iba a poner en vinilo a muchos representantes de la nova canço. Nuri participa ese año en varias sesiones dominicales en el Palacio de los Deportes de la Ciudad Condal, al lado de grupos punteros, como Los Sirex, Los Mustang, Los Cheyenes y toda la crema del pop rock catalán. Abandonaría en 1967 los quehaceres musicales cuando aún no ha cumplido los veinte años, dejando tras de sí dos discos muy estimables y con una altísima cotización en el mercado del coleccionismo. Los buenos aficionados no la habían olvidado y recordaban sus actuaciones en directo, casi siempre en catalán. En 1977 va a volver fugazmente a la actividad para participar en la grabación del LP “Ara va de Rock” (Apolo, 1977), destinado a homenajear a los pioneros del pop rock catalán. En él, Nuri se marcará una estupenda versión de “Rock and roll music”, acompañada nada menos que por Iceberg y manteniendo su voz cañera y aniñada. Nuria Santamaría nos dejó en 2002, dejando un dulce sabor ye yé en su escasa discografía. Su hermana Magda había fallecido el año anterior.

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (8/25): LEA ZAFRANI

 

A los trece años inicia una carrera que duraría toda la vida, aunque apenas haya tenido repercusión fonográfica. Sus primeras apariciones sobre un escenario fueron haciendo papelitos teatrales, pero enseguida la canción sería su ocupación.

Había nacido a principios de los 40 en el humilde barrio de Alcaravaneras, en Las Palmas de Gran Canaria y sus primeros pasos los dio bajo el nombre de Lidia Guillén. Su primer destino profesional serio lo encontraría como vocalista en la Orquesta Mejías, donde se curtiría como cantante, bailarina y showoman. Después actuaría con asiduidad en Marruecos y Argelia.

Antes de cumplir los veinte se casaría con el futbolista de la Unión Deportiva Las Palmas, Jaco Zafrani (su verdadero nombre es Jacob Azafrani). Su marido era un judío francés de Larache, religión que ella abrazaría a la par de su apellido, que ya formaría parte de su nombre artístico. Sigue a su marido en el peregrinaje por diferentes ciudades españolas y francesas para establecerse temporalmente más tarde en Madrid.

Le surge la posibilidad de participar en el Festival de la Canción de Mallorca y grabar su primer EP, “Las Chicas de Formentor / Sin un Adiós / Marionetas en la Cuerda / Mi Amor Es Azul” (Marfer, 1967). Aquellas “Chicas de Formentor” ocuparían uno de los primeros puestos del evento y sería su canción más conocida, propiciándole una cierta fama a nivel nacional. Siempre en la misma onda aparecería el single “Festivales 1968” (Marfer, 1968), que incluía una versión del eurovisivo “La, la, la”.  Publica un nuevo EP de contenido variado: “Congratulations / Balada de un Sueño de Amor / La Historia de Tu Amor / Mis Ojos Puestos en Ti” (Marfer, 1968). Un disco curioso en el que conviven Eurovisión, la primera versión española de la después archiconocida “Can’t take my eyes off you”  y hasta una ensoñación clásica basada en el “Sueño de amor” de Liszt. En la portada de este disco tomaría ya su imagen de pelo corto, tintado en rubio platino y pegado a las sienes, que la definiría durante muchísimos años.

Vivía su año de mayor producción y en verano pasa por la casi obligada cita de Benidorm con un tema de Mario Sellés que daría lugar a su cuarto disco: “Yo Amo / El Amor a la Tierra” (Marfer, 1968). En la cara B, aparece una de las varias y distintas versiones que se han hecho adaptando una letra a la célebre página para guitarra clásica: “Romance anónimo”.

Aún haría alguna grabación más que solo se distribuyó con carácter promocional por emisoras de radio, avalada por Mario Sellés, un compositor con el que trabajó aquellos años con asiduidad.

La maternidad la apartó de unos escenarios en los que se desenvolvía con gran soltura. Regresó a Las Palmas, donde en 1969 dio un recital en solitario en el Teatro Pérez Galdós de dos horas de duración a modo de despedida. Desde allí en la década de los 70, al mundo entero. Su primer paso fue un breve contrato en Puerto Rico, que se extendería a Méjico y duraría casi dos años. Se afincó un tiempo después en Extremo Oriente, actuando en night clubs y teatros de variedades de Japón, Singapur, Tailandia y Filipinas. Su repertorio era ahora el clásico de music hall con especial atención a la música sudamericana: tangos, boleros, rancheras, etc. (La Fonoteca).

Os dejo con su discografía, tres Ep's. Buen domingo.

“Aniseed allsorts” (sampler Track Records 1973)

El sello Track fue una aventura que emprendieron Kit Lambert y Chis Stamp, los managers de los Who, a finales de 1966 junto al productor estadounidense Pete Kameron. Sus comienzos fueron muy prometedores, ya que junto al catálogo de la banda de Peter Townshend consiguieron que Polydor les traspasase la publicación de los discos de Jimi Hendrix, que acababa de llegar a la Isla. Además el propio Townshend ayudó al sello como “ojeador”, y fue él indirectamente quien lanzó a Thunderclap Newman, por ejemplo. Por otra parte consiguieron acuerdos de distribución con Regal Zonophone (una lejana subsidiaria de EMI) y la independiente Fly, con lo cual su catálogo, aunque no muy amplio, se hizo bastante atractivo. Sin embargo a principios de los 70 la situación dio un vuelco: además de la muerte de Hendrix (cuyo catálogo volvió a Polydor), los Who comenzaron a espaciar sus grabaciones. Y al mismo tiempo que otros cambiaban de distribuidora, los escasos fichajes propios no tuvieron la proyección esperada, con lo cual su negocio se fue reduciendo hasta la liquidación con fuertes pérdidas pocos años después. 

En 1973, cuando el futuro del sello ya comenzaba a verse un tanto nublado, decidieron lanzar cuatro discos que resumiesen su trayectoria hasta ese momento, intentando rentabilizar una leyenda que ya solo con Hendrix y los Who era suficiente para presumir. Ese cuarteto, bajo el nombre común de “Allsorts” (es decir, “surtido”), lucía un “sabor” en cada uno: “Aniseed”, “Peppermint”, “Coconut” y “Liquorice”: los tres primeros son muy parecidos, repitiendo prácticamente el listado, mientras que el último es una recopilación de músicos estadounidenses que aporta Kameron. Sin embargo la tirada fue muy reducida y pasaron por las tiendas británicas en un suspiro: mucha gente ni se enteró de que habían sido publicados. Por otra parte el listado de canciones pretende ser intemporal, por lo que hay unas cuantas que ya tenían unos años junto a otras, muy escasas, de reciente publicación; lo cual no cuadra mucho con el espíritu tradicional de un sampler. 

En cualquier caso, los nuevos aficionados que no aún conozcan la carrera de estas estrellas quedarán satisfechos. No se han buscado las canciones más evidentes; de hecho, el no ceñirse a la actualidad y buscar a veces algunas que solo se publicaron en singles le da un valor añadido a este sampler. Como era de esperar, los Who son el gancho principal con tres canciones (entre ellas una que solo se publicó en single, que es también el formato de la versión de “Won’t get fooled again” que se incluye aquí). De Hendrix hay dos, las que abren y cierran el sampler, y a partir de ahí tenemos de todo: los Move están representados por su canción más famosa, mientras que de Joe Cocker se incluye una que solo se vio como cara B de un single. Lo mismo pasa con Procol Harum (“Conquistador” es una de las clásicas en su carrera) en oposición a Golden Earring, que a pesar de su ya larga trayectoria casi nunca llegaron a estar en lo más alto. De Thunderclap Newman sí se incluye su canción más popular -dentro de la escasa popularidad que tuvieron-, pero el único disco en solitario de John “Speedy” Keen, su cantante y compositor, pasó sin pena ni gloria: aquí tenemos la única canción medianamente conocida de él. Muy distinto fue el caso de Roger Daltrey, que por la pura inercia de ser el frontman de los Who consiguió vender muy bien sus discos en solitario; la canción que se incluye aquí pertenece al primero, y fue un single muy popular en las emisoras de radio. 

“Aniseed allsorts” es el primero de esos cuatro discos, y probablemente el que más distribución tuvo. Como dije antes, su mayor atractivo sigue siendo que no estamos ante el clásico “grandes éxitos” de toda la vida, sino más bien ante una recopilación bastante curiosa por imprevisible. Que aproveche.

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (7/25): YALINA

Dejó su trabajo en la oficina, pasó por la interpretación y acabó fichada por Polydor, donde sacó entre 1966 y 1967 cuatro Ep's más un quinto de villancicos con las "ediciones Paulinas". Nada más de esta gran voz y efímera chica yeyé. Buen domingo.

JOHN CALE: "FEAR" (1974)

 

No confesaré mi edad, tan solo aclararé que la fecha exacta de mi aniversario coincide con la de las exequias oficiales del tiranicida Stalin y, para compensar tal despropósito, también encajaría con la del alumbramiento minero de John Cale. Para darles más pistas, aquellos que tiendan a pensar que una buena parte de mi querencia por el lado oscuro de la luna provenga de la lectura de muchas páginas, aquellas en las que se encuentra esa belleza escondida e inesperada, decirles que tal vez vayan bien encaminados..

Así que no es extraño que yo prefiera esa portada del artista galés a las de sus otros discos, los ojos narcotizados, la techumbre peluda de sus cejas, recrearme observando las perchas que sostienen sus órbitas, asomándose a un abismo aparentemente controlado, la sonrisa de su boca apenas cicatrizada, el perfil de su mandíbula cayendo hacia una frontera metalizada. 

Doy por sabido que gran parte de los lectores conocerán la vida y milagros del autor galés, hijo de minero (me vienen a la memoria ahora esas imágenes de constante neblina de carbón, el aire insalubre de las ciudades industriales inglesas que tan bien retrataba Dickens en "Tiempos Difíciles") y de profesora de escuela Por resumir mucho, su educación musical clásica en Londres, su prolongada estancia en un Nueva York, sede de múltiples experiencias vanguardistas en las que participa el músico, la creación, junto a Lou Reed, de los seminales The Velvet Undreground (las mejores obras, "The Velvet Undreground & Nico" y "White Light / White Heat", son suyas)

Vernon Joynson ("The Tapestry Of Delights, Revisited", 2006) comenta que su contribución al rock no es fácil de resumir. Influyente como un arquetípico compositor underground, descatado precursor del punk y la new-wave, a pesar de su educación musical clásica y vanguardista y de una producción claramente orientada hacia la melodía y al gusto del oyente convencional, sin embargo su propuesta es lo suficientemente excéntrica como para obtener éxito comercial, sin que por ello deje de ser reconocido como uno de los más grandes innovadores de la música rock. 

Momentáneamente ajenos a seguir conceptualizando al personaje, John se muda a Londres en 1974. En USA ha dejado una carrera post-VU con álbumes brillantes aunque sin éxito ("Vintage Violence", "The Academy of Peril" y "Paris, 1919"), también trabaja como acreditado músico de sesión, productor freelance (en el primer Lp homónimo de The Stooges y en los iniciales de Nico y The Modern Lovers), además de figurar como empleado fijo en las nóminas de CBS en Nueva York y Reprise en Los Ángeles. Pretende también abandonar su adicción a las drogas y al alcohol. Su segundo  matrimonio con Cindy Wells (ex-The GTOs, banda super-groupie en el entorno de Frank Zappa) también hace aguas en la capital británica (que pregunten al amigo Kevin Ayers...) No pintan precisamente oros por entonces.

En ese 1974 John firma contrato con Island Records y ambas partes aspiran a convertir su música en una continuación exitosa de la carrera anterior con V.U. en USA. Fans declarados como David Bowie y Roxy Music han preparado el camino para que la audiencia inglesa sea más receptiva y este "Fear" supondrá el primer hito en esta nueva trayectoria. Grabado con la ayuda de su amigo Eno, "Fear" aun posee cierta influencia del "White Light / White Heat" pero ya se decanta por el estilo y sonido característico del Cale de mitad de los 70, una fuerza bruta, un ser humano herido, tratando de exorcizar sus demonios interiores. que, pocos años después, darían lugar a sus más que ontrovertidas teorías de la conspiración.

Tiendo últimamente a calibrar los discos en función de las señales inconscientes que producen en mi mente, esto es, disfruto mucho más de aquellas canciones que mayor poso nocturno me trasmiten. "Fear" tiene indudablemente sus momentos álgidos. "Fear  Is A Man´s  Best Friend" sería el principal. Inspirado por la paranoia de un adicto ("Standing waiting for a man to show / Wide eyed one eye fixed on the door") parangona una melodía de rock sublime, equiparable  al posterior "Marquee Moon" de Television pero sin llegar a tal cumbre, las líneas de las guitarras de Richard Lloyd se recrearán sobre estas de Phil Manzanera. El segundo tema sería "Gun", tema en el que el Cale más inspirado se acerca al Reed cronista callejero, una suerte de boogie-gansteril que suena a V.U. por todos sus surcos, la guitarra (otra vez) de Manzanera exhuma vapores "For Your Pleasure". Y el tercer aro olímpico sería para "The Man Who Couldn´t Afford To Orgy" (single sin éxito). Es este tema  el que más suena en mi cabeza cuando mis defensas están más bajas, los maravillosos coros wilsonianos de Judy Nylon parecen recuperar de nuevo mi fe en una Humanidad enloquecida, el breve riff de guitarra de Manzanera (¡por Dios, como tocaba este hombre por entonces!) sabe a néctar y suena a cama-muelle.

Si con tan solo estos tres temas "Fear" es un disco inolvidable, sus otras canciones refuerzan mi idea de encontrarne ante la mejor obra de John Cale. El comienzo beatle de "Buffalo Ballet", el apunte barítono de sus versos ("Sleeping In The Midday Sun...") hermosísimo, el piano reforzando la melancolía del tema: "Barracuda", una sencilla pieza que contrapone una base rítmica tribal con ténues líneas de guitarra; "Emily" con sus originales arreglos marítimos ("Down By The Sea With You..."); "Ships Of Fools", ¿recuerda alguien aquel encantador "By The Time I Get To Phoenix" de Isaac Hayes, aquí trasladado a la ciudad galesa de Swansea?, misma sensación de pertenencia recuperada; "You Know More Than I Know", la base rítmica ayuda a reconciliarse con su cadencia narcótica; "Mommama Scuba", anticipándonos de nuevo al eje afilado del "Marquee Moon" de tres años después. 

He de comentarles que la copia que suena ahora en el plato es una reedición del sello Vintage Lovers de 2008 y recoge dos bonus-tracks, uno en cada cara. "Bamboo Floor" en la A y "All I Want Is You" en la B; dos temas que, acompañados de composiciones tan prodigiosas como las originales de la edición de 1974, ratifican a este oyente en el gusto por el John Cale sinuoso y controvertido, además de virtuoso y asequible.

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (6/25): ISA ZARO

Isa Zaro, otra gran desconocida, fue lanzada en exclusiva por Fonópolis, editando tres Ep's entre 1963 y 1964. Una interrupción hasta 1967, cuando sacaría otro más con el sello Sintonía, y otra interrupción hasta 1971, cuando cantaría un solo tema en un Ep compartido del sello católico "PAX": llamado "Luz y color".

Buen domingo y perdón por la interrupción.