martes, 16 de agosto de 2022

V.A. Rock 'n' Roll High School (BSO) (Ramones, Nick Lowe, Eddie & The Hot Rods, Chuck Berry and more)

 


Pues seguimos presentando música para combatir el calor, a ver si acabams con el de una puta vez. La semana pasada empezamos esta ofensiva con la muy buena recopilación "That Summer!" y hoy vamos a seguir con un álbum bastante parecido y que se titula "Rock 'n' Roll High School", que además curiosamente apareció en ese mismo año, 1979.
Esto es la banda sonora de la película de mismo nombre, en la que actuan los Ramones como actores. Está en la muy buena página de cine "Descarga Cine Clásico", en VSOE. La acabo de ver y es una comedieta, en lo que el argumento es lo que menos importa, y la excusa perfecta para escuchar música de los Ramones sobre todo y que no aparece en el disco. Hay una larga actuación de ellos que no tiene desperdicio. Tremendamente divertida y seguro que no te duermes como en las películas del Ingman Bergman, que dejaremos para bostezar en invierno.


Como no podía ser de otra forma, las canciones suelen tener una temática juvenil-estudiantil y destacan como no las bombas de los Ramones, acompañados por otros artistas, entre los que destacaría a "Nick Love", "Devo" o a "Eddie And The Hot Rods" y al mítico "Chuck Berry". Y como no, el disco acaba con ese himno de "Alice Cooper" que es "Schools Out"
En la parte negativa, la brasa que nos mete el Brian Eno, sencillamente insoportable.


Por lo demás, otro de esos discos que entran solos, quizás inferior al "That Summer!", pero con la suerte de tener varios temas de Los Ramones, que al final ya sabemos que es sinónimo de diversión.
Aquí os dejo la lista de canciones:

A1 - Ramones - Rock 'n' Roll High School  
A2 - Ramones - I Want You Around  
A3 - The Paley Brothers-Ramones - Come On Let's Go  
A4 - Ramones - Ramones Medley  
A5 - Nick Lowe - So It Goes  
A6 - Brian Eno - Energy Fools The Magician  
B1 - P.J. Soles - Rock 'n' Roll High School  
B2 - Devo - Come Back Jonee  
B3 - Eddie And The Hot Rods - Teenage Depression  
B4 - Brownsville Station - Smocking In The Boys Room  
B5 - Chuck Berry - School Days  
B6 - Todd Rundgren - A Dream Goes On Forever  
B7 - Alice Cooper - School's Out  

Las canciones de muestra, mis tres favoritas:

Ramones - Rock 'n' Roll High School
Nick Lowe - So It Goes
Eddie And The Hot Rods - Teenage Depression


Bueno, ya tenéis una nueva dosis de la vacuna anti-aburrimiento, aunque hay que estar al tanto de los efectos secundarios.
Hasta pronto.



domingo, 14 de agosto de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (16/25): ESPERANZA

Muy curioso y raro single el de hoy. Sólo fue promocional, por si acaso. El nombre de la artista es ficticio, por eso sale entrecomillado en el interior. Sólo salió uno a su nombre. Si añadimos lo de "Esperanza" al título de la cara A ("Querido General"), y que fue escrito en 1974, aunque publicado en 1975, la historia que esconde debió de ser fascinante. Para más especulación, ambas canciones (la cara B se titula "una canción") fueron compuestas por el potente dúo Pablo Herrero Ibarz (n. 1942), el famoso teclista de Los Relámpagos, y por José Luís Armenteros (1943-2016), también del mismo grupo, que compusieron para famosos artistas como Nino Bravo, Massiel, Rocío Jurado o Fórmula V. Buen domingo.

viernes, 12 de agosto de 2022

EMERSON LAKE & PALMER (Trilogy 1972)


Debía tener unos 15 años, cuando descubrí por primera vez este disco. Entonces yo era un chaval inquieto, amante de la música y deseoso de encontrar sonidos nuevos que abrieran mi mente y me llevaran hacia otra dimensión sonora, Alguien, seguramente mayor que yo, no recuerdo quien, me recomendó este álbum. ¿Quieres escuchar algo realmente bueno y distinto a lo que estás acostumbrado?. ¡¡Por supesto!!, le dije. Pues te recomiendo el "Trilogy" de Emerson Lake & Palmer. Y corrí sin dudarlo a la tienda de Discos Sellés de mi ciudad para comprarlo. Sabía que estaría allí esperandome, puesto que ya le había hechado el ojo hacía tiempo a su portada, y tenía el dinero justo en el bolsillo, pero me invadía el temor de que estubiese agotado. Crucé la puerta de la tienda y me dirigí nervioso hacia la sección de rock sinfónico, buscando el cajón con la letra E, donde sabía que estaría correctamente colocado, con su funda de plástico y todo. Cuanto es?. pregunté en la caja. Tanto, me dijo la simpática vendedora. Pagué con más monedas que billetes, me sellaron la cartulina de los descuentos, y salí zumbando hacia mi casa, impaciente por escucharlo. Por suerte cuando llegué, no habia nadie. Encendí mi flamante tocadiscos Philips, holandés, puse el vinilo en el plato, me ajusté los auriculares, y dejé caer la aguja, (un ritual que por desgracia, hoy en día se ha perdido en la mayoría de los hogares).
Recuerdo hoy, como si no hubieran pasado los años, la sensación que sentí al comenzar a escuchar la primera pista, la suite titulada, "The Endless Enigma, Pt. 1". Mi corazón late al compás del bombo de la batería de Carl Palmer. Esto parece surrealista, nunca había visto nada parecido ni tan bueno, pensaba yo, mientras sigo escuchando el enigmático y cósmico sonido inicial que brota del sintetizador Moog de Keith Emerson, dando paso a la explosión de megavatios, que viene después por parte de los tres músicos. Los teclados, la batería, el bajo, o la voz de Greg Lake... no sabría decir que es lo que me produce más fascinación. Nunca antes nadie, había mezclado el rock progesivo, el Jazz futurista, el Folk acústico, etc., de una manera tan personal, y con un resultado tan alucinantemente exquisito, limpio y espectacular. Así que, continuo mi viaje intrasensorial, aplastado cómodamente en mi sillón, a la espera de nuevas sorpresas. Lo que viene acontinuación, termina de convencerme de que estoy ante algo realmente grande. El segundo corte, "Fugue", suena como un lucimiento personal de Keith Emerson, demostrando su virtuosismo como pianista, tocando su magnífico Steinway. Casi enlazada con esta, escucho la introducción de la última parte de la trilogía, "The Endless Enigma Pt. 2". De nuevo, me sumerjo en toda la grandiosidad de la música de EL&P, alucinando con ese comienzo de campanas repicantes y esos sintetizadores, que parecen evocar el sonido de las trompetas de Jericó, llamando a la rendición de la ciudad sagrada . Apoteosis puro, emergiendo a borbotoes de los teclados moog, mientras la descomunal batería Ludwig de Palmer, redobla sin perder una milésima de segundo, al ritmo contundente marcado por el bajo de Lake. Llega ahora el turno de una de las joyas más relucientes del álbum, "From The Begining", la balada perfecta, que no podía faltar en ninguno de los álbumes de la banda. Greg Lake, canta por mi oido derecho, acompañado por su guitarra acústica Gibson J 200, aunque tambien escucho sonar en otras pistas, el bajo Fender y la fantástica Zemaitis Doubleneck eléctrica. La guinda del pastel la ponen los excelentes arreglos de Keith, que rematan la canción hacia el final con un sorprendente sólo de sintetizador, con cierto sabor a samba brasileira. Y que decir de Carl Pamer, pues que aquí su papel se limita "simplemente" a acompañar la balada con unos bongos. No hacía falta nada más, pienso yo.
Para continuar con la reseña de este álbum voy a dejar atrás los recuerdos personales de mi primera audición y centrarme más objetivamente en comentar los temas que vienen a continuación. "The Sheriff", es una divertida parodia country al estilo del viejo oeste. Para ser sincero, y desde mi punto de vista, quizás esté fuera de lugar, yo le hubiera dado un destino más adecuado y tal vez encajara mejor en, "Brain Salad Surgery". De todas formas es un tema que mantiene el distintivo sonido la banda, y los tres músicos hacen un trabajo impecable, empleandose a fondo en una compenetración perfecta. Si tengo que destacar a alguien, aparte de Keith, que aquí sobresalga del resto, me decantaría por Carl Palmer, que se muestra especialmente brillante en su ejecución. "Hoedown", es una adaptación de la sección, Hoe Down, del ballet "Rodeo" de Aaron Copland. Aunque en realidad, se trata sólo de una visión muy particular del clásico tradicional norteamericano, puesto que aquí todo transcurre a un endiablado ritmo, con los frenéticos teclados de Keith, queriendo imitar el sonido de una marcha de gaitas escocesas en progresión. Este es uno de los temas que mejor se adaptaron en los conciertos en directo, y su corta duración, lo hace bastante audible y nos ayuda a mantenernos despiertos hasta el final.
"Trilogy", es el tema que abre la segunda cara, el más largo del álbum y también mi favorito. Da la impresión, de que quiere darnos una tregua, invitándonos a apaciguar nuestras emociones durante sus primeros tres minutos. Todo comienza con una suave melodía de sintetizador, seguida por unos ingeniosos arreglos de piano que suenan acompañando a la voz de Greg. El mismo piano es el que rompe la calma, redireccionando el tema hacia un explosión de sonido brutal, en la que los tres músicos fusionan sus fuerzas. Moog, bajo y batería, consiguen crear un ritmo frenético, apoteósico y absolutamente genial. La cálida voz de Greg, cambia radicalmente, para dar un inesperado giro y convertirse en un arrollador huracán que narra su historia de desamor a los cuatro vientos. "He tratado de reparar el amor que terminó hace mucho tiempo, aunque todavía fingimos, nuestro amor seguramente está llegando a su fin. No pierdas el tiempo tienes que amar de nuevo"."Living Sin", Tiene un ritmo progresivo perfecto de principio a fin. Aunque como bien afirmó Lake, años después en una entrevista, el término "progresivo", no se usaba mucho en aquella época. Es un tema pesado, que se caracteriza por el potente y agresivo sonido que Keith aplica a su órgano Hammond C3, durante todo su desarrollo. Aquí Greg Lake nos sorprende, y demuestra que es capaz de modular su voz y llevarla hasta niveles de altura verdaderamente increibles, experimentando con efectos vocales, nunca antes vistos, y que en algunos momentos suenan demoníacos. Su ejecución con el bajo es brutal, sin más. Palmer reivindica su papel de imprescindible en la banda, manejando salvajemente su batería, en busca de los poliritmos secretos del rock. Terminamos este viaje alucinante con el instrumental, "Abbadon´s Bolero", un homejaje muy personal que EL&P, hicieron al clásico Bolero de Ravel. De nuevo aquí Keith, llena el tema, empleando múltiples pistas superpuestas para lograr un efecto similar al de una orquesta completa de músicos clásicos. Flautas, trombones, cuerdas... todo emana de sus teclados sintetizados, desarrollandose en crescendo durante los más de ocho minutos que tiene de duración, mientras Carl, mantiene incansable, el característico ritmo de bolero, y Greg, se limita a aportar los arreglos de bajo de forma impecable.    

La producción del disco es impecable, siendo el álbum con mejor sonido grabado por EL&P. Esto no es de extrañar, ya que el ingeniero es, Eddie Offord, el mismo que un par de meses después, estaría detrás de otro legendario álbum, el "Close To The Edge" de Yes. Para el diseño de su portada pensaron el un cuadro del artista catalán Salvador Dalí, titulado, "Enigma Sense Fí", pero desistieron al conocer el precio de 50.000 libras esterlinas que tenían que pagar por los derechos de autor. Al final, creo que acertaron, y este, fue encargando a Storm Thorgenson, de Hipgnosis, quienes crearon la excelente portada con el perfil de los tres músicos, con la mirada perdida hacia el ocaso, y luciendo sus melenas al viento. Para el interior de la carpeta, se diseñó un hermoso fotomontaje, compuesto por múltiples imágenes del trío, posando en un fondo boscoso, y que fue tomado entre el Gran Área de Londres y Essex.

martes, 9 de agosto de 2022

V.A. That Summer! 1979 (New Wave-Punk) Ramones, Ian Dury, Boomtown Rats, Nick Love, Elvis Costello...

 


Pues nada, seguimos aquí en modo "supervivencia veraniega", huyendo del sol, cual vampiros transilvanicos, pero la música no puede parar, así que he rebuscado en mi colección un disco que entre solo, como las birras o la horchata para los tristes abstemios como yo.
No he podido encontrar disco mejor, otro de mis favoritos, se trata de "That Summer", la banda sonora de la película de idéntico nombre que apareció en 1979, la película entera está en youtube, eso sí en inglés, la he pasado de corrido, y no parece nada del otro mundo y además no suena tanta música como pudiéramos penar.
Pero bueno, el disco es una joya de arriba a abajo y sus dieciséis temas son como dieciséis soles, pero soles de los de hoy mismo a las tres de la tarde en los campos manchegos.
Con ver el track list, creo que poco mas hay que comentar, un buen surtido de los mejores que crearon la New Wave a finales de los setenta, pero hay que resaltar lo fino que ha hilado el compilador, pues ha sabido extraer lo mejor de cada uno. Un disco que lo oiréis en modo bucle o autorreverse como en los tiempos del cassette, pues nunca quieres que se acabe.
Solamente me gustaría comentar el tema de "The Only Ones", "Another Girl, Another Planet" y concretamente su arranque, los 24 segundos de inicio, para mi es el mejor principio de canción que he oído jamás.
Además recuero haber comprado este disco de segunda mano, con la portada hecha canela, pero canela, despegada, rota, arrugada, a un precio irrisorio por su estado, aunque sorprendentemente el vinilo estaba en perfecto estado. Lo que hoy os presento es la digitalización que hice de ese disco hace ya muchos años, sin el mas mínimo retoque y comprobaréis que suena de fábula.


¡Vale ya de leer, y al grano!, no se nos vayan a derretir los sesos.

1 - Ian Dury - Sex & Drugs & Rock And Roll  
2 - Mink Deville - Spanish Stroll  
3 - Elvis Costello - (I Don´t Want To Go) Chelsea  
4 - The Boomtown Rats - She´s No Modern  
5 - Zones - New Life  
6 - The Only Ones - Another Girl, Another Planet  
7 - Wreckless Eric - Whode Wide World  
8 - The Patty Smith Group - Because The Night  
9 - The Boomtown Rats - Kicks  
10 - The Ramones - Rockaway Beach  
11 - The Undertones - Teenage Kicks  
12 - Eddie & The Hot Rods - Do Anything You Wanna Do  
13 - Ian Dury - What A Waste  
14 - Nick Lowe - I Love The Sound Of The Breaking Glass  
15 - Elvis Costello - Watching The Detectives  
16 - Richard Hell - Blank Generation  


Unos temas de demostración, entre ellos el de "Ramones", que no pueden faltar en un disco veraniego:

The Only Ones - Another Girl, Another Planet
The Ramones - Rockaway Beach
The Undertones - Teenage Kicks
Eddie & The Hot Rods - Do Anything You Wanna Do 


Pues si este artefacto incendiario no os saca de vuestra modorra, yo ya no se que mas hacer. Se admiten ideas.
Hasta pronto.

domingo, 7 de agosto de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (15/25): PALOMA

Seguimos con esta serie, ya queda menos (jejeje). Hoy os traigo a Paloma. Dos singles y ambos en 1974, con RCA Victor. En éste canta composiciones de Alberto Bourbón, otrora un afamado cantante. Y no tengo nada más que decir de ella, porque no tengo ni idea. Buen Domingo.

miércoles, 3 de agosto de 2022

WISHBONE ASH (Argus 1972)

Suele ser habitual, que en los grupos de rock, haya siempre uno o dos compositores que se encargan de crear los temas. También es normal que uno de los guitarristas destaque sobre los otros. Pero lo más frecuente, es que el liderazgo esté a cargo de su vocalista principal, y que este, se lleve toda la gloria. Wishbone Ash no funcionaban así, y podríamos decir que ellos eran la excepción que confirma la regla. Cuesta imaginar a esta banda sin cualquiera de sus cuatro músicos, ya que eran como una maquinaria de precisión que necesita todas sus piezas para trabajar correctamente. No tenían las mejores voces del mundo, ni las guitarras más originales y creativas. Tampoco eran los reyes del heavy, pero sonaban perfectos y sólidos, como sólo lo puede hacer una banda cuyos miembros se conocen muy bien, y por la que corre una química muy especial. En definitiva, no tenían lider. Es difícil entender el porqué, un grupo con el talento de Wishbone Ash, puede estar tan infravalorado, y más aún, después de escuchar un álbum tan excelente como lo es este "Argus" , su tercer trabajo, y su obra cumbre.  


                                                            

Contemplando la icónica portada de Argus, uno descubre una ventana abierta a la imaginación. He leido muchas cosas curiosas sobre ella, como por ejemplo, que la imagen del paciente centinela obervando las brumosas colinas, cubiertas por la niebla de la mañana, seguramente sirvió de inpiración para la vestimenta del personaje de Darth Vader en Star Wars. Esto podría ser cierto, o no, ya que se trata tan solo de algo que el guitarrista Andy Powell comentó en una entrevista. Pero lo que es evidente, es el parecido que existe con el casco y la capa utilizadas en la película. Hay otro curioso detalle visual que sólo se observa al desplegar la portada del álbum original, y que luego fue eliminado en la reedición de 2002. En la edición de vinilo, un OVNI aparece en el cielo, ante los ojos del espectante guerrero. Aunque hay que ser muy observador para poder apreciarlo, el objeto volador está ahí, plasmado en el cielo, formando parte del espectacular escenario, y creando una escena dotada de un profundo sentido simbólico y romántico, en la que se mezclan, pasado, presente y futuro.


Nos adentramos en sus pistas, y ya desde el primer corte, "Time Was", intuimos que lo que vendrá a continuación nos va a proporcionar emociones muy fuertes. Tranquilo e hipnótico en sus primeros momentos, el tema va cobrando fuerza con el paso de sus casi diez minutos de duración. Las voces y las guitarras de Ted y Martin Turner, suenan perfectamente conjuntadas, con una base rítmica excelente y una sucesión de solos mágnífica. En el segundo corte encontramos la excelente, "Something World", donde destaca la cálida parte vocal, a cargo de Martin y Andy, asi como la elegante combinación, acústica y eléctrica de las guitarras, y el soberbio trabajo del bajista. Seguimos con la no menos sorprendente "Blowin´Free", un trabajo excelente de los cuatro músicos, resaltando su  talento compositivo conjunto. De nuevo quedamos fascinados ante la perfecta compenetración de sus guitarras con sólidos ritmos blues rock. Esta vez son Tedy y Andy los que bordan el trabajo vocal, que como podréis observar, se va alternando en cada tema, y que aquí especialmente, suena como una aproximación a Yes. Pasamos ahora a escuchar la épica medieval de, "The King Will Come".  De nuevo, el tema va ganado fuerza conforme avanza, y sus preciosas melodías, van tejiendo un elegante tapiz multicolor. Mientras, la bateria de Steve Upton y el bajo de Martin Turner, marcan un ritmo perfecto, que culmina en un largo riff de guitarra de los que cortan la respiración. De nuevo Martin y Andy son los encargados aquí de poner las voces. Llegamos a ,"Leaf & Stream", el tema más corto del álbum, y mi favorito. En esta maravillosa balada folk, en la que no participa el batería Steve Upton, las guitarras "gemelas" de Andy y Ted, suenan especialmente cristalinas, y parecen mantener un diálogo entre ellas. La canción de Martin, suena épica, y su bajo, dirige susurrante, emulando una perfecta tormenta lejana. Llegamos ahora a uno de los platos fuertes del álbum. "Warrior", se inicia con un espectacular riff de guitarra que va evolucionando con numerosos cambios de ritmo. De nuevo tenemos a Martin y Andy, mano a mano, haciéndonos vibrar con sus excelentes voces. Como broche final está el tema titulado, "Throw Down The Sword", que parece enlazar con la anterior. Sonido con matices medievales, sofisticados solos de guitarra y voces brillantes e imaginativas. Una buena manera de terminar este álbum, tan bien parido sin fecha de caducidad, en los estudios Warner Bros De Lane Lea de Londres.

 .


Martín Turner (voces, bajo)

Andy Powell (guitarras, voz)

Ted Turner (guitarras, voz)

Steve Upton (bateria)



                                                           Sometime World

 


Blowin´Free


Leaf & Stream


Warrior

domingo, 31 de julio de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (14/25): MARTA BAIZÁN

 

Pilar Baizán Carretero (Tetuán, 1947), de nombre artístico Marta Baizán, de una belleza espectacular, pasa por ser una de las últimas chicas ye-yé de finales de los 60. Sin embargo hizo una rara aparición en un LP en 1971, una de esas compilaciones que sacaban las marcas cada verano. En este caso, a manos de una filial de Iberofón: Expanse (ASG 396.113). Y no, como muchos expertos dicen, un single inencontrable de Marfer. Inencontrable porque simplemente no existe. Allí participó con dos canciones versionando dos números 1: "My Sweet Lord" de George Harrison y "San Bernardino", de Christie, también versionadas por más músicos por aquí. Todo el LP es una rareza, y algún día lo subiré entero. Pero, de momento os dejo con estas dos joyitas rarras, rarras.

viernes, 29 de julio de 2022

MIS CANCIONES DEL ALMA (A Taste of Honey, 1960)

 

Los orígenes de, "A Taste of Honey", se remontan a 1960. Aquel mismo año, se estrena en  Broadway la adaptación de una exitosa obra teatral británica del mismo título, escrita en 1958 por una jóven dramaturga de 19 años, llamada Shelag Delaney. Las piezas musicales de apertura y final, fueron creadas por los compositores, Bobby Scott y Rick Marlow. Tras ser llevada cine en 1961 por el director y productor, Tony Richardson, su éxito se vio culminado posteriormente al recibir en 1963, el Grammy a la mejor banda sonora.                                                      Las grabaciones originales de Bobby Scott y Rick Marlow, quedaron reflejadas ese mismo año en un álbum editado por Atlantic Records, y que se componía de tres partes: "A Taste of Honey (First Act Theme)", "A Taste of Honey (Refrain)", y "A Taste of Honey (Closing Theme)". 

El cantante de New Jersey, Lenny Welch, grabó la primera versión vocal, lanzada como sencillo, e incluida en su álbum "Since I Fell For You" de 1963. The Beatles interpretaron la canción, durante su repertorio en vivo de 1962, inspirándose en la de Lenny Welch, pero cambiando ligeramente la letra en el coro. Una versión de esta, aparecería en 1977 en el álbum "Live! At The Star Club, Germany, 1962", y también fue grabada en estudio para su álbum "Please Please Me", de 1963, cantada a dos pistas por Paul McCartney como voz principal. Más tarde, en 1965, llegaría la que tal vez sea la más popular de todas las versiones, la instrumental de Herb Alpert& The Tijuana Brass, incluida en su álbum "Whipped Cream & Other Delights". Su famosa melodía de trompeta vendió dos millones de discos, permaneciendo cinco semanas en el nº 1 de las listas,  alcanzando el puesto 7 en el Billboard Top 100, y llegando a ganar tres importantes premios, incluido al del disco del año en los Grammy de 1966. 

El tema era muy muy bueno, y otras versiones fueron apareciendo con el paso de los años, hasta llegar prácticamente hasta nuestros días, pero bajo mi punto de vista, ninguna tan buena como la de Los Beatles ó la de Herb Alpert & The Tijuana Brass. Sin duda, a los de Liverpool les hubiera gustado componerla ellos, para tenerla entre sus mejores creaciones propias. Por otro lado, Herb Alpert, nunca hubiera podido imaginar el éxito que obtendría con su magnífico instrumental.  Sería muy extenso nombrarlas todas, pero tras darles un breve repaso, puedo destacar algunas de la que más me han gustado, como las de Julie London de 1963, The Hollies en 1966, The Supremes en 1970, Lizz Wright en 2005, ó  The Shins en 2017.




The Beatles - A Taste of Honey 1963

The Shins - A Taste of Honey 2017


miércoles, 27 de julio de 2022

VASHTI vs THE WORLD

 


Eráse una vez Vashti Bunyan, una chica tímida y desubicada que buscaba realizar un sueño. El redactor del texto (un ser esponjoso y atrabiliario) trabajaba inicialmente con la idea de la intérprete inglesa como un ejemplo de la filosofía hippie. Se trataba de renunciar a la cómoda vida burguesa de las atestadas ciudades para trasladarse a vivir al campo. Compartir el viaje con otros compañeros, ser partícipe y llevar a buen término la vida comunal, el trabajo colectivo, la ganancia y el beneficio compartido, sin ataduras de ningún tipo. Ser libres para vivir libres. Además, la música de Vashti Bunyan trasladaba fácilmente al redactor ese cúmulo de sensaciones. A simple vista todo parecía encajar.

La cosa se complica cuando el redactor relée la autobiografía de la artista publicada en la revista Flashback en el verano de 2015. Donde esperaba encontrar el cimiento argumental de su relato, basado fundamentalmente en muchos de los apuntes reseñados en el párrafo anterior, el redactor descubre en las últimas palabras de Vashti un profundo pozo de melancolía y desengaño ¡Esta no es la Vashti que yo recordaba, aquella intérprete dulce y soñadora que encandilaba a los más conspicuos seguidores de la doctrina hippie! Vashti inmersa en la búsqueda de su propio on the road, empeñada en hacerlo además sirviéndose de su música como fiel testigo de esa experiencia. 


Jennifer Vashti (apodo con el que se conocía a su madre) es la hija pequeña de una familia típica inglesa (padre intérprete amateur de música clásica y madre domesticada). Mala estudiante, aficionada temprana a la música pop del momento, la vemos guitarra en mano por Piccadilly Circus a mediados de 1965 improvisando sus primeras canciones. En la ciudad de Oxford acude a una de las Academias de Arte y allí empieza a sorprender a propios y extraños, se hace un hueco entre los trovadores folk urbanos. El eco de la pureza de su voz, junto a la aparente sencillez de sus composiciones, llegan al cercano Londres de las Agencias de contratación. Se mueve en el ámbito de influencia del entonces brillante Andrew Loog Oldham. El mánager de The Rolling Stones pretende hacer de ella una Marianne Faithfull de segunda división; en el sello Decca publica su primer single, "Some Things Just Stick In Your Mind" / "I Want To Be Alone", la cara A compuesta por Jagger & Richards, la B es un tema propio de Vashti.

Pero Vashti no está satisfecha, no solo con el papel secundario que la industria pretende hacer de ella (ni, por supuesto, con los arreglos espectorianos que Andrew introduce en versiones y temas propios), tampoco lo está con ella misma. Porque a estas alturas, en Mayo de 1966 (nota de prensa de E.M.I. Records), Vashti se describe así misma como fuera de lugar, sin ataduras ni intenciones fijas. Confiesa no saber lo que quiere y, por consiguiente, no se va a esforzar en sacar las cosas adelante, odio ser responsable a todos los niveles. Añadamos a esta situación algunos momentos de depresión, de contínuos noviazgos fallidos, aburrimiento compulsivo, tensión familiar con un padre que ya empieza a hartarse del comportamiento de una Vashti abatida que no encuentra el reconocimiento que ella cree merecer. Se suceden nuevas grabaciones, esta vez en el sello Columbia: "Train Song" / "Love Song". la primera composición del malogrado artista folk Alasdair Clayre, la segunda, de la propia Vashti. Sigue sin ocurrir nada.

En el entreacto (o entre bambalinas, según el redactor) Vashti recupera la presencia de una antigua amistad de Oxford, la de un tal Robert Lewis (un tipo parecido al impresionante Heathcliff de "Cumbres borrascosas"), con él comparte la idea del escape como plan de futuro inmediato. Gracias a su relación con Loog Oldham Vashti se mueve en el área de amistades de Donovan, este le comenta que ha adquirido unos terrenos en la escocesa isla de Skye e invita a ambos a trasladarse hasta allí. Lugar ideal para dedicarse a la cría de perros, caballos y (si hay tiempo) también a la de seres humanos. Comienza un viaje que durará 18 largos meses, hasta Septiembre de 1969. Sirviéndose de un viejo carromato debidamente acondicionado, acarreado por la yegua Bess y acompañado por Blue (un cariñoso Shetland ya veterano miembro de la familia), Lewis & Bunyan (asistidos temporalmente por un John James que aportará su viejo Austin A40 como vehículo de apoyo) comienzan su peregrinaje.

En Noviembre de 1969 Vashti (ya embarazada de su primera hija) viaja a Londres para grabar "Just Another Diamond Day". Lo hace en el Sound Techniques Studios de King's Road bajo la supervisión de Joe Boyd, productor del disco. Miembros de Incredible String Band (Robin Williamson) y Fairport Convention (Dave Swarbrick y Simon Nicol) participan en la grabación. La copia que posee el redactor (RE Dicristina Records, 2004) contiene 14 temas más un single con 4 canciones de grabaciones anteriores. A él le suenan a celebración pastoral, una exaltación pagana de la naturaleza. Desde el tema que abre el álbum, "Just Another Diamond Day", hasta el que lo concluye, "Iris´s Songs For Us", Vashti susrra al oyente sus experiencias, sus meditaciones, muchas de ellas ("Glow Worms", "Where I Like To Stand", "Come Wind Come Rain", "Rainbow River"...) basadas en la observación de la naturaleza que la rodea, campos, valles, arroyos, animales domésticos, lluvia, viento, todo el espíritu de las estaciones aletean sin pausa. En algunos temas, "Timothy Grub", "Hebridean Sun", "Jog Along Blues", la intérprete relata el experimento de su viaje, en otros, "Lily Pond", los niños escuchan la canción de cuna eterna.

Entre líneas asoma ese deje de frustación del que hablaba el redactor al principio. Y es curioso porque aparece cuando el conocedor de la biografía de Vashti se asoma al disco ya pasado el tiempo. Allí se entera de cómo la artista inglesa rechazó este su primer trabajo, no tanto por desacuerdo con la producción de Joe Boyd (que algo de esto si hubo), sino como algo extraño, inesperado, algo surgido de un mundo interior que la compelía a alejarse de su obra para volver al estado de atonía de su primera juventud en Londres. Vashti resentida en cierta medida contra el mundo, decide ocultar su obra a sus hijas (ellas se lo echarán en cara transcurridos los años), abandona su retiro en las Hébridas decepcionada por la férrea enemistad de sus habitantes, se divorcia de Robert Lewis (¡para casarse con su Abogado!) después de 22 años juntos, vuelve a la ciudad para establecerse en Edinburgo.

 Al redactor le queda el poso final de un alma en pena, de una Vashti Bunyan con un cielo efímero donde poder cobijarse, y se pregunta: ¿valió la pena el viaje?


sábado, 23 de julio de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (13/25): MARÍA DEL VALLE

Tras su participación dos años antes, en 1969 en el XI Festival de Benidorm sin pena ni gloria, María del Valle, ya sin Belter, saca a la luz su segundo y último single versionando en la cara A "In der Carnaby Street" de Peggy March, lanzada en 1970. Una horterada supina muy decorativa por esos años. Que no os pase ná.

miércoles, 20 de julio de 2022

Boudewijn de Groot Live in Paradiso met het Metropole Orkest (1996) (Nederland songwritter)


Pues hay que ver la racha que llevo de música neerlandesa, y es que eso parece un filón inagotable, ya la semana pasada tuvimos aquí a "Junkiee XL", una banda con tendencias techno-industriales y en mi otro blog publiqué el "More Dutch Nuggets", y gracias a este empecé a repasar las bandas que mas me gustaban.
Y es así donde me interesé por este artista "Boudewijn de Groot", del que ya conocía su tercer Lp "Picknick" de 1967 y alguna canción suelta, aunque no le había prestado la atención debida, pero después de escuchar en esas "Semillas Neerlandesas" temazos como "Testament" entre otros, se imponía una revisión de su obra, así que escuche atentamente sus discos sesenteros, donde descubrí auténticas joyas como es su segundo disco "Voor de overlevenden" de 1966, que además según el amigo Rob Kopp, autor de los "Nuggets" es el mejor disco de la historia cantado en holandes, y como Rob es una eminencia en el tema, pues me lo creo.
Así que trasteando en el Youtube me saltó este video y quedé prendado de inmediato.
Se trata de un concierto de 1996 en el "Paradiso" de Amsterdam, un mítico local de la ciudad, que recuerdo haber visto por fuera a principio de los ochenta, es una antigua iglesia reconvertida en sala de conciertos. Quedé prendado por la belleza del edificio y sobre todo por una enorme cruz que basculaba en la fachada, no se si era la decoración habitual o solo era parte del concierto que albergaba.
En el "Boudewijn de Groot", se monta un show a lo grande, con orquesta y la participación de artistas invitados, totalmente desconocidos para mi, aunque supongo que en el país serán de los "grandes". Curiosamente muchas canciones que ya me sonaban, por lo que supongo será un repaso a su larga carrera.
Carrera que empezó en 1964 y que ha durado hasta la actualidad, aunque el año pasado ya anunció su retirada de los escenarios.
Su biografía es muy larga, pero muy interesante, y como yo tengo poco criterio para resumirla, nada mejor que os deis una vuelta por "Wikipedia" donde la cuenta estupendamente.
Uno de los mas importantes cantoautores neerlandeses, que desgraciadamente fuera de su país solo es conocido por un selecto grupo de seguidores, pero creo que merece mucha atención, asi que este video es solo una pequeña muestra, que igual despierta vuestra curiosidad, yo por mi parte os recomiendo sus discos de los sesenta, mas que nada pues son los únicos que conozco y realmente son magníficos, a pesar de la dificultad de escuchar canciones cantadas en holandés, idioma al que no estamos acostumbrados.
Bueno, ya me diréis que os parece.
Hasta Pronto.

sábado, 16 de julio de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (12/25): ESTELA

Estela sólo sacó este single en 1973 para su participación, junto a “La Chiquillada”, en el V Festival de la canción infantil (el último de ellos) con la canción “Mosquito ye-yé” (letra, E. Fusté; música, S. Soler), quedando en cuarto lugar. Tras el Festival, el sello Olympo sacó un single con la canción ganadora “Chipi chapa chip chip”, compuesta por July Murillo e interpretada por Mary Merche y su panda, que no se cortaron, junto a Olympo, para interpretar “Mosquito ye-yé”. El que subo hoy es otro single de Palobal donde aparece como tema estrella "Rondo rondel", en un intento de desvincularla del Festival, pero ahí se quedó la cosa. En Wikipedia tenéis una buena historia de este Festival.