domingo, 9 de junio de 2024

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (18/25): DIANA

Una de estas chicas yeyé raciales, con voz y con futuro, pero que se quedó en este Ep. Una pena. Buen Domingo.

 

jueves, 6 de junio de 2024

Rene Bendaly Family - Tanki Tanki (Lebanon 12 inch 45 RPM 2012), (EBM)


Pues como en mi anterior entrada "80´s Spanish Synth Pop" y gracias a mi maravilloso "casco antocillejas" no me llovió ninguna, pues me he venido arriba y os presento algo un poco mas radical, y como tantas cosas frutas de la casualidad y de la curiosidad.
Pues de vez en cuando voy escuchando algunas recopilaciones de las músicas mas extremas y hace poco escuché una de las mas famosas "Trevor Jackson Presents Metal Dance Vol. Industrial New Wave EBM Classics & Rarities 79-88" que realmente me fascinó, pero el tema que se me quedó clavado en el cerebro fue  este "Tanki Tanki" a cargo de un grupo libanés "Rene Bendali Family", así que como bue cotilla, me propuse investigar sobre esta gente.
El señor "Rene Bendali" es todo un icono de la música libanesa y ya al principio de los setenta ya era un compositor con muy buena reputación, ya que escribió mas de doscientas canciones,e incluso tuvo un éxito "Do You Love Me", donde juntaba el pop europeo con las músicas tradicionales de su tierra, lo teneis en YouTube.
El buen hombre tuvo un total de doce hijos y en los videos que hay sobre el no se muy bien si son su familia u otros músicos, pero sobre todo se hija "Ré Mi" que ya desde los tres años ya estaba dando el callo en los escenarios.
La discografía de Rene Bendaly y Familia, es un poco liosa, pues mucha de su producción se relizó en cassettes y me imagino que la distribución debió de ser bastante underground.
El tema que hoy os presento "Tanki Tanki" está en un 12" que se publicó en 2012, aunque el tema ya había aparecido en un single tres años antes, y parace que es una revisión del tema que grabarían en los ochenta en una de las citadas casssettes.
Al ser un grupo familiar, me imagino que los hijos tirarían por diferentes tendencias, y así este tema, es totalmente electrónico, de eso que llaman "EBM", del estilo de la música que suena en esas infernales "raves", las cuales he tenido que sufrir unas cuantas, recuerdo cuando en los 90 llegaron a España los camiones sobre todo franceses e ingleses con sus grupos electrógenos y sus grandes equipos de sonido, dispuesto a montar fiestas en los lugares mas inverosímiles, donde esa música tecno era su principal ingrediente, combinada obligatoriamente con substancias de esas que dicen que son para abrir la mente.
Nunca me gustó ese estilo, aunque de vez en cuando encontraba cosas que me llamaban la atención, y sin meterme de lleno, de vez en cuando le doy un repasillo al estilo.
Este tema, creo que es magistral, tened paciencia, que este tipo de música hasta llegar al meollo de la cuestión, se lo toman con calma, pero luego encontraréis una perfecta fusión entre el EBM mas europeo y los sonidos orientales. En la otra cara, está la misma canción, pero con una versión mas cruda, donde incluso, meten esos tambores típicos de su tierra.
Bueno, supongo que algunos los buenos roqueros que visitan este blog se rasgarán las vestiduras, pero les recuerdo que lean la coletilla de este blog: "Aficiones y Perversiones".
Pues es, que al que le vaya la cosa lo disfrute y el resto, a otra cosa mariposa.
Os dejo las dos canciones que forman este single, y también como siempre lo tenéis para descarga en los comentarios:

Tanki Tanki (Rabih Beaini Edit)


Tanki Tanki (4 Trak Alternative)



Nada mas, ya sabéis, si queréis se aceptan collejas, pero con mi  "SuperCasco Anticollejas Valentino Rossi" estoy totalmente a salvo. 
Hasta pronto que volveré co alguna cosilla para todos los públicos:


domingo, 2 de junio de 2024

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (17/25): ELVIRA

 


María Elvira Ponce García nació en la Valencia de posguerra y encauzó pronto sus aficiones musicales, estudiando piano en el Conservatorio de aquella ciudad. Una ciudad que iniciaba la década de los 60 con la rivalidad musical entre Los Pantalones Azules y Los Milos. En ese ambiente hay un tercero en discordia, Los Caliope, más orientados hacía la música melódica juvenil y en el que María Elvira es la cantante. Las fotos de este grupo que ha pervivido nos muestra una cantante morena de pose tímida rodeada de tres mozos armados con guitarras. Discophon se muestra interesado por el grupo y los ficha al mismo tiempo que a Los Milos. Ambos debutan discográficamente en 1960, pero la carrera de Los Caliope se reducirá a un solo EP. Elvira abandona el grupo en 1961, siendo sustituida por otra chica.

Termina Bachillerato y se traslada a Madrid para estudiar en la Escuela Oficial de Cinematografía. Compone sus primeras canciones, hace doblaje de películas y concurre en 1962 y 1963 a los festivales de Madrid y la Costa Verde sin ningún éxito. Al tiempo una Elvira ahora rubia se patea las emisoras de la capital. El realizador Ramón Barreiro se fija en ella y la contrata para varias apariciones en directo en el programa Teleclub. De allí saldrá contratada para Philips, que la deriva a un sello subsidiario. También en TVE es bautizada como “La Voz de Naranja”, un apelativo que ya la acompañará durante toda su carrera.

Se publica su primer EP: “Soñé / El Cochecito / Capri C’Est Fini / Nunca He Amado” (Berta, 1965), un disco que rezuma ye yé en el que demuestra poseer muy buenas dotes vocales. En la cuarta pista aparece una canción propia, lo que supone también su debut como autora. Quedan claras lo que serán sus armas y sus carencias. Entre las primeras una voz potente que trepa bien por los agudos y canta sin fallos de afinación incluso en notas altas. Entre las segundas, una tendencia a la sosería en las canciones lentas en las que parece no encontrarse del todo a gusto.

Como casi todas las chicas ye yé peregrina por los festivales veraniegos. En 1966 participa en el de Benidorm y en el del Miño. De ahí saldrán sus dos siguientes discos: “Elvira en Benidorm” (Berta, 1966) y “No, No, No / Palabras Gastadas / Un Regalo / No Quiero Sufrir” (Berta, 1966). Canciones melódicas típicas entre las que destaca “No, no, no” con la que ganó en Orense el Festival de la Canción del Miño.

“Música Maravillosa” (Berta, 1967) es su cuarto disco, en mi opinión el más flojo e impersonal. Viene formado por cuatro bailables pasados de moda: bolero, cha cha chá, etc. de la editora musical El Cid. Poco puede hacer La Voz de Naranja con un material tan endeble y un grupo de acompañamiento obsoleto.

Las escasas ventas la convierten a su pesar en una cantante de segunda o tercera fila y Philips-Berta no va a concederle más oportunidades. Pero aún regresará de nuevo a Benidorm con la canción “De Tu Mano lo Aprendí” (Audio, 1968). Aquel mismo año, Elvira se casa con Ángel, un técnico de sonido que trabajaba para Hispavox y otras marcas. Poco después abandona la canción por siempre jamás, una decisión que la gran mayoría de las cantantes españolas de la época tomaban tras pasar por el altar. María Elvira Ponce nos dejó en 2021, su hija ha seguido sus pasos artísticos (La Fonoteca).

Os dejo con tres discos suyos. Buen Domingo.

domingo, 26 de mayo de 2024

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (16/25): ELENA DUQUE


 

Una de las caras más populares y olvidadas de los 60 nació en Madrid en 1942. Elena Balduque pronto amputaría la primera sílaba de su apellido en busca de un nombre con más gancho y nobleza. Todavía con su nombre completo sería una de las ganadoras del certamen de belleza “Tres Guapas de Madrid”, celebrado en plena verbena de las Vistillas en julio de 1960. Por entonces, era una bailarina que daba sus primeros pasos en el ballet de Karen Taft, una danesa que dirigía una academia de danza en la capital.

En su palmito se fijarían los productores cinematográficos y un año más tarde la veremos formando parte del reparto de “Julia y el Celacanto” (Antonio Momplet, 1961). A esta película donde hacía un breve papelito seguirían otras, entre las que destaca “Chantaje a un Torero” (Rafael Gil, 1963) junto al archifamoso diestro Manuel Benítez (El Cordobés).

Pero su verdadera oportunidad le llegará del mundo de la publicidad, ya que será elegida la imagen del brandy Veterano. Elena se asomaría a la pequeña pantalla, copa en mano, para con voz insinuante y mirada tórrida decirnos: “Veterano tiene eso… un veterano sabor”. Varios spots para la marca jerezana la convierten en una de las personalidades más conocidas de la incipiente televisión española. Un reclamo que hizo subir las ventas y una de las primeras chicas que sirvieron de valor añadido a las bebidas alcohólicas. Su rostro aparecía en cromos, banderines y revistas, levantando deseos masculinos.

A finales de 1964 es llamada para participar en la película “Crucero de Verano” (Luis Lucia). La música de esta película correspondía a Augusto Algueró. Elena y Augusto se conocen ahí y se marchan de crucero no solo en la ficción. Comienzan una relación que se saldaría con la separación del compositor y su legítima, Carmen Sevilla. Un flirt aireado por la incipiente prensa del corazón que duraría hasta que el señor Algueró cambió su punto de mira hacia una vedette cubana.

Por entonces se califica a Elena Duque de covergirl, un término con numerosas acepciones, no todas inocentes. Será Augusto Algueró quien la convenza para pasarse al terreno musical, publicando a finales de aquel movido año: “Por Fin Salimos el Domingo” (RCA Victor, 1964). Un EP que contenía cuatro versiones entre las que destacaba la reconocible “Si je chante” con la que triunfaba la estrella gala, Silvie Vartan.

De la popularidad que gozaba esta artista da idea el anunció que inserta en el número de enero de 1965 de Fonorama, anunciando que Elena Duque debutaría como cantante en el programa televisivo Sabado 65, que se emitiría el 6 de febrero. Un anuncio que también aparecería en otras revistas y periódicos. A pesar del despliegue, el disco no pasa de un discreto puesto en las listas de ventas de las siguientes semanas.

Grabará un segundo EP: “Me Das Miedo / Copos, Copos de Nieve / La Piragua / Un Clavo Saca Otro Clavo” (RCA Victor, 1965) con menor apoyo publicitario y que apenas tendría ya repercusión.

En 1967, Elena Duque deja de ser la imagen de la bodega Osborne, sustituida por la modelo inglesa Jane Shrimpton (La Gamba). En una entrevista para Semana, anuncia su paso al género de la revista en una producción del madrileño teatro Eslava. No sabemos si ese propósito llegaría a materializarse, pero lo cierto es que a partir de 1968 su recuerdo se esfuma.

Musicalmente, presenta una voz de tonos graves con algunos problemas de afinación, que recurre al grito cuando sube a los agudos. Timbre duro y con mayor riqueza de matices de la que cabe esperar en una cantante ocasional, como es su caso. Basa su repertorio discográfico en temas italianos escasamente conocidos con acompañamientos orquestales arreglados por Antonio Martínez. (La fonoteca).


Os dejo con su discografía completa. Buen Domingo.

miércoles, 22 de mayo de 2024

"El nacimiento del rock en Andalucía" (discos Diábolo, 1978)

En el mundillo de la música popular quienes no pisan el escenario suelen pasar desapercibidos, aunque sean esenciales en esa industria: productores, managers, empresarios, etc. Sin embargo pueden llegar a ser tanto o más importantes que algunas estrellas, y ese es el caso de personajes insospechados como don Ángel Fábregas, natural de Barcelona, de profesión librero. Tal vez muy pocos aficionados conozcan o recuerden su nombre, pero el rock progresivo español de los años 60/70 le debe mucho; hasta el extremo de que, de no ser por él, posiblemente unos cuantos músicos de ese estilo jamás hubieran llegado a grabar una sola pieza. 

El señor Fábregas, aunque hizo de su afición literaria su profesión central, era también aficionado a la música, y a finales de los años 60 decidió crear una empresa discográfica aprovechando la cobertura logística de su editorial “Hogar Del Libro”. Así crea en 1967 “Discos Als 4 Vents” (más orientado al folk) y poco después “Diábolo”, la vertiente undergound, seguidos por otros sellos menores en los que grabaron cantautores sudamericanos e “incluso” madrileños. En cuanto a “Diábolo”, la razón por la que Fábregas se embarca en esa aventura es, partiendo de su afición, el hecho de que en Cataluña hay una clara fractura en la industria discográfica: los músicos de consumo masivo (Dúo Dinámico, Mustang, Sirex, etc) pertenecen a sellos grandes como EMI (cuya delegación española está en Barcelona) o Vergara, mientras que el folk o los cantautores suelen estar en Edigsa, que es la alternativa catalanista. Pero, como consecuencia de esa vocación “patriótica”, Edigsa tiene dos normas infranqueables: sus músicos han de cantar exclusivamente en catalán, y el rock no les interesa por ser una influencia extranjera (aunque se cantase en catalán). En consecuencia hay una tierra de nadie, que es el rock vanguardista, underground, progresivo o como se le quiera llamar; un rock en el que además la mayoría de sus músicos cantan en inglés. 

Así que gracias a él ven la luz las primeras grabaciones de nombres míticos como el de Máquina!, Música Dispersa, Agua de Regaliz (luego Pan & Regaliz) y otros cuantos, a los que además incluso apoya económicamente, o les suministra equipo. Pero este hombre va más allá todavía, y a través de sus protegidos se entera de que en Andalucía -en Sevilla, sobre todo- hay una cantera de músicos que andan en una onda parecida a la suya, pero con influencias del folclore andaluz. Este asunto de la influencia folclórica es imposible en Cataluña, ya que no hay todavía un sustrato suficiente en su música popular como para conseguir una fusión (años después lo intentará la Companya Eléctrica Dharma, con buen resultado al menos en sus primeros tiempos). Y así es como llegan a su conocimiento personajes como Gualberto, que poco antes ha organizado un grupo llamado Smash, o Jesús De La Rosa, amigo de Gualberto y al frente de Nuevos Tiempos (germen de Triana, Alameda y otros cuantos grupos; precisamente de NT había salido Gualberto para crear un grupo más orientado hacia el rock progresivo; o sea, los Smash).

Fábregas se ilusiona con esta nueva ola sevillana y contrata a gran parte de esos músicos. En consecuencia, no es solamente el primero y principal animador del rock undergound catalán, sino también del andaluz: los dos primeros singles de Smash y los muy contados de otros cuatro o cinco grupos de aquella zona están en Diábolo. El grueso de estas grabaciones tuvo lugar entre 1969 y 1970, pero no todas fueron publicadas en su momento. Y de esa producción destaca un total de once piezas creadas por Gualberto, probablemente destinadas a lo que debería haber sido su primer disco grande en solitario, pero que finalmente quedaron inéditas. Ahí termina de momento la historia, ya que Smash ficha luego por Philips, Gualberto marchará por un tiempo a Estados Unidos y los demás músicos de aquellos pequeños grupos reaparecen más adelante –o no- en otros de mayor envergadura. 

Inesperadamente, en 1978 se presenta un doble Lp bajo el sello Diábolo en el que resurgen unas cuantas piezas de aquellos músicos que ya eran conocidas; pero eso es en el primer disco, porque el segundo está ocupado por las grabaciones que había hecho Gualberto y que en su día no se publicaron. Ya se supone que no va a tener muchas ventas, porque la mayor parte de aquellos nombres son poco conocidos, pero al final resulta que entre los seguidores completistas de Triana y los nostálgicos del tremendo grupo que fueron Smash la edición se vende bastante bien. En cualquier caso lo más destacado aquí es la primera obra de Gualberto, que no desmerece en absoluto comparada con lo que hizo luego y que demuestra la enorme libertad creativa de la que ya hacía uso por entonces. Como curiosidad destaca la inclusión en estéreo de las dos piezas del primer y único single que había grabado en 1970 Gualberto junto a su entonces compañera Jessica, una muchacha estadounidense que compone la mayor parte de las letras y a quien los voluntariosos escribientes del listado de canciones bautizan con una inicial Y en vez de J (además de algunos otros errores ortográficos): el inglés no era lo suyo. 

Y aquí termina la pequeña historia de este disco, que con el tiempo ha llegado a ser muy buscado: nació con esa vocación de coleccionismo que afirma su portada, y en eso se ha convertido. Por otra parte, la edición que se publicó en CD tiene algunos errores y fallos que aquí quedan corregidos. Así que a disfrutar...

domingo, 19 de mayo de 2024

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (15/25): ELENA


Saludos de nuevo. Hoy, Elena, yeyé tardía con tres singles. Uno en 1968 y dos en 1970. Espero que os guste. Os dejo con su discografía completa. A mí me gusta. Buen domingo.

martes, 14 de mayo de 2024

MOHAMA SAZ: "MÁQUINA DE GUERRA" (2024)

 



Estoy por terminar la tapicería de mi cama con el dibujo del último disco de Mohama Saz ("Máquina de Guerra", YaiYai Rcds, 2024). Una bandada de pájaros negros (según el escritor ampurdanés Josep Pla, nombre desafortunado este de pájaro en castellano si lo comparamos con el bird inglés, el oiseau francés o el uccello italiano...) sobrevuela alrededor de un pegote de sol rojizo, disecadas sus lenguas de pastilina, un chirrido tenebroso anuncia el estallido de la guerra. Pájaros de mal agüero. 

Este "Máquina de Guerra" es el quinto trabajo de la banda madrileña. Sus obras anteriores, "More Irán" (2015), "Negro es el Poder" (2017), "Viva el Rey" (2018) y "Quemar las Naves" (2020) nos muestran una originalísima propuesta que mezcla, sobre una base rock, elementos e influencias culturales diversas. Germanas kraut y eslavas, orientales (más encaminadas hacia la Turquía), sureñas, ligadas tanto a la influencia flamenco-andalusí como a la arábiga y americanas, amparadas mayormente por tonalidades étnicas de la altiplanicie andina. Les une, ya viene de lejos, una idea inequívoca de alejarse de la monolítica influencia anglosajona.

El grupo está formado por los hermanos Ceballos, Adrián a la batería y Sergio al bajo, más Javier Alonso al "Baglama Saz", una suerte de laúd con mástil largo de procedencia turca  Los tres músicos colaboran además en las voces y sintetizadores. En este "Máquina de Guerra" participa también Zeke con unas magníficas percusiones. Sus antecedentes se encuentran en formaciones como RipKC, Melange, Novak, Atom Rhumba, Las Malas Lenguas o Los Cuantos. Una experiencia aquilatada durante más de veinte años de profesión.

En el vídeo de presentación de la primera canción, "Yai Yai" (excelente trabajo de Rocio Mesa), los miembros de la banda arrastran por el campo tres largos pendones, sus colores, blanco, rojo y negro coinciden con los de la portada del disco, puede que también lo hagan con la bandera egipcia y palestina (se hecha en falta el verde de Triana). Se suceden en el vídeo imágenes en las que simulan con los aspavientos de sus brazos los vuelos de pájaros molineros, palmean a flamencas, el reflejo del agua del pantano y los rayos del sol, en algunas escenas, compiten por cegar al espectador con su brillo, el movimiento de los músicos parece orientarse Oeste-Este, se les supone seguidores de la doctrina del camino allanado.

Siempre que escribo sobre Mohama Saz, lo reconozco, tiendo a desvariar. Así lo hice en su anterior Lp "Quemar Las Naves" (javierfuzzy.blogspot.com / Mohama Saz / Mejor El Silencio / 17 Enero 2021). Fantaseaba entonces sobre la derrota naval que la formación realizaba por el Mar Mediterráneo, con algún receso entre las dunas cercanas a Alejandría. En aquel momento hice referencias a las Cantigas del Rey Sabio y a la Escuela de Traductores de Toledo. Ahora, después de escuchar debidamente su nuevo disco, desbarro hacia nuevas influencias, aquellas ligadas a la poesía mística de San Juan de la Cruz y al Cancionero Castellano (versión Amberes, 1550)

Concierto en Moby Dick, feb. 2024

Porque se me antoja que su música es una adaptación modernizada de los cantares de gesta, de hecho, la apuesta de la banda por minimizar la influencia anglosajona supone empresa arriesgada, aunque amparada su posible aceptación por el prurito de la globalización, pero, en todo caso, es esta una aventura alejada de los cánones más usuales del roquerío nacional. Y al igual que hizo el santo de Fontiveros, su propuesta puede que emane del interior del hombre, de una fuente directa entre la Esposa y el Amado. (..., "LLora de madrugada / lágrimas de avellana / Por el camino del río / llora con el rocío... / Noche llena de alegría / al alba pena y agonía"... "Yai Yai"). Y esto es aire bueno.

Entro en la mezquita de la M-30, descalzo mis pies mientras me purifico. Desde una pantalla gigante, entre altísimas columnas de humo, la hija pequeña del imán ha instalado una pantalla gigante. Se representan allí las imágenes de la última lira del "Cántico Espiritual".... " ... y la caballería / a vista de las aguas descendía"...,  allí también se reproducen aquellas escenas del concierto de Fripp & Eno en la presentación del "No Pussyfooting" en Madrid (1973), un caballerizo saca del establo en llamas un alazán, imagen repetida una y otra vez durante todo el concierto.. 

Recupero esas evocadoras imágenes mientras escucho "Yai Yai" Pureza y humo de incienso, olor de harén perfumado. "Baris", ¡ay! en "Baris" me encuentro con las huellas oxidadas de herraduras, con los resplandores de yunques medievales... "la máquina es tu corazón / Ven al fuego"..., todo ello aderezado con unos emocionates toques psicodélicos en los que destaca, además del baglama saz, la aportación de sintetizadores. "Ursus" es su tema más comprometido. La reciente entrevista de la banda en el Ruta 66 de Abril de este año nos muestra su querencia política, a qué terrenos se acercan.. Así que aquí reivindican aquella canción- poema de Rafael Alberti ("A Galopar") con la que Paco Ibáñez se hizo mayor entre todos nosotros. Los dulces latidos en el inicio de "Amulatu" consumen su diástole hasta el final de la cara A.

"Quítate tú / Pa ponerme yo" (frase extraída de la canción " Quítate Tú" de Johnny Pacheco, consagrado compositor dominicano), sirve aquí como soporte lírico en el inicio de la cara B. Este "Stereorrata" mantuvo mi interés entre los ecos de las tonalidades de la cara anterior. Se me ocurre que su ritmo refleja la mirada chisposa de Compay Segundo en el añorado Buena Vista Social Club. "Jara Y Sedal" retorna al post-scriptum de las partidas de caza cortesanas. Al calor del fuego comentan felices los avatares de la jornada;  no hay furtivos,  los monteros, batidores, ojeadores, tramperos y loberos juegan a las cartas, otros beben al son de un ritmo que bulle entre sartenes de migas manchegas. Con "Arbolito" culmina el trabajo de tapicería. De la funda del disco extraigo el emplaste de azul azulado, Los coros suenan a jardines y clerecía; desde lo alto, la batería recita ...., "las aves que andan volando / en el mástil las hacen posar"... Hace tiempo que no escucho un álbum tan lleno de aire y agua,

Página Facebook de Mohama Saz

"La máquina es tu corazón / la máquina es tu corazón...",... ¿lo es también en las trincheras barreñas de Ucrania, en los salones de audiencia de la franja de Gaza?.

Makbara.

miércoles, 8 de mayo de 2024

V.A. 80' Spanish Synth Pop (SBDT Records 028)


Despues de mucho tiempo cogiendo polvo en el fondo del armario, hoy vuelvo a sacar  mi supercasco anticollejas "Valentino Rossi", pues el post de hoy es uno de esos de máximo riesgo, pues el Synth-Pop es un género muy despreciado por la comunidad rokera sobretodo, tachándola de música intrascendente y sin nongún valor musical. Bueno, habría mucho que hablar sobre el tema y seguramente acabaría en discusión airada.
Poco imaginaron los teutones "Kraftwerk" cuando nada mas empezar la década de los setenta, empezaron a lanzar discos, que en aquel tiempo se calificaban simplemente de  raros, por el uso y abuso de la electrónica, que pocos años después y hasta la fecha son los indiscutibles padres de la música electrónica y tras sus pasos esta música se ha ramificado en gran variedad de estilos.


A final de los setenta, muchos grupos punks, cansados de hacer el cafre, crearon lo que se llamó la "cold wave" y también empezaron a jugar con esos cachibaches electrónicos y a usar ritmos de baile, y como ejemplo "The Cure" que tras unos discos muy oscuros, dieron rienda a esos sonidos, o los mismísimos ducesores de "Joy Division", que tras la muerte de "Ian Curtis" formaron "New Order" y cambiaron también a esos estilos mas bailongueros.
Grupos como "Ministry" ya se adentraron en la experimentación con los sonidos industriales e incluso los grupos de Metal, también adoptaron los sintetizadores, programadores y cosas por el estilo.


Pero quizás los que mas triunfaron a nivel multitudinario fueron los grupos de Symth-Pop, etiqueta bien explicita y que pronto se hicieron con las pistas de baile de todo el mundo, y grupos como "Depeche Mode", "Ultravox", "Soft Cell", "OMD" o "Eurythmics" solo por citar unos cuantos, entraron en el Olympo de la música.
En la españa de los ochenta, esta movida es fruto de la diversificación de la primera nueva ola, también en todos sus estilos. Quizás uno de los mas influyentes fueron "El Aviador Dro" con todas sus fantasías futuristas y robóticas y  y que desembocó en bastantes grupos en esa linea, por ejemplo, de los que aparecen en este volumen destacaría a los "Metal y Ca".
También la onda siniestra, heredera de "Paralisis Permanente" dejaron su huella y hay bastantes bandas a las que eso de "pop" les sobra, por sus letras oscuras y agónicas y como ejemplo "Actos de Maldad" de mis paisanos "Vam Cyborg" o incluso la famosa "La Torre De Madrid" de "Azul y Negro", que vaya tela con la letra.


Y por supuesto bastantes pop, aunque pocas canciones ñoñas de esas que muchos asociacian al estilo, pues las aqui seleccionadas, minuciosamente debo añadir, todas tiene su enjundia.
Bueno, creo que ha quedado una buena visión del Synth Pop que se hacía en nuestro país en los ochenta, despues... la cosa degeneró rapidamente, que os voy a contar yo a vosotros.
Para escuchar sin prejuicios, y a buen seguro mas de uno se lleva alguna sorpresa.
Os dejo ya la lista de canciones:

01 - El Aviador Dro Y Sus Obreros Especializados - Vortex (Madrid 1984)
02 - Luna - Es Un Sueño (Ponferrada 1983)
03 - Oviformia SCI - Hablamos De Nosotros (Madrid 1981)
04 - Última Emoción - Sentir Tu Cuerpo (Valencia 1983)
05 - Vocoder - Radio (Zaragoza 1984)
07 - Metal y Ca - Datos (Madrid 1982)
08 - Vam Cyborg - Actos De Maldad (Zaragoza 1983)
09 - Heroica - Esto No Es Broma (Madrid 1986)
10 - Azul Y Negro - La Torre De Madrid (Cartagena 1983)
11 - WAQ - S.I. (Madrid 1983)
12 - Glamour - Imágenes (Valencia 1981))
12 - La Mode - La Teoría De La Relatividad (Madrid 1982)



Unas canciones de muestra:

Metal y Ca - Datos (Madrid 1982)
Vam Cyborg - Actos De Maldad (Zaragoza 1983)
Azul Y Negro - La Torre De Madrid (Cartagena 1983)

Nada mas, ya pueden empezar a llover collejas que no me asusto, con mi supercasco anticollejas "Valentino Rossi" estoy bien protegido, aunque... quien sabe, quizás alguien encuentra algo que no se imaginaba.
Hasta pronto.

domingo, 5 de mayo de 2024

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (14/25): LUISITA CAPMANY

 

Tan sólo dos canciones, compartidas con un tal Julio Martín. Él ocupa la cara A de un Ep y ella la cara B. Del sevillano sello Grecco, que apenas sacó un par de Eps más, a pesar de llamarse el primer sello sevillano. Disco raro, raro y curioso. Buen Domingo.

miércoles, 1 de mayo de 2024

V.A. Rock´ In The Hamaca Vol. 5 (SBDT Records - 027)

´

Pues despues de mas de un año, retomamos esta serie de Rock´In´The Hamaca, qu con tanta ilusión comenzamos junto a mi compañera Sebi, pero por causas ajenas a nuestra voluntad rokera que se dice no la hemos podido retomar este ya pasado invierno, y es que la cosa era en plan muy íntimo, los dos trincados en la hamaca de la cocina, con una tenue iluminación y al calor del fuego.
Pero bueno, las cosas son como son y ahora estamos retomando la serie y ya tenemos este quinto volumen terminado, aunque las dos primeras canciones corresponden a temas que quedaron pendientes la campaña pasada, y además ya tenemos tres más para el siguiente volumen.
Como siempre un batiburrillo de estilos, pero de esos que nos gustan a los dos, la mayoría grandes clásicos que todos conocéis.


Bueno, os dejo con la jefa (Rodillo's Queen): 

Hola gente fans de nuestra hamaca, pues si aquí estamos de vuelta compartiendo nuestro leve balanceo rockero, como lo demás ya os lo ha contado Jose, yo poco mas que decir, si no que me cuesta mucho seleccionar un tema, pues todo lo que pongo es de lo que mas me gusta, pero este tema de los Proscritos, además de ser un temazo, tiene mucho que ver en nuestra historia de pareja, algo que me llegó al corazón con esta canción y aquí permanece para siempre, alegría de compartirla y nos vemos en otra.
Sebi (The Rodillo´s Queen) pero flojito


Como siempre la lista de canciones, y para seguir las tradiciones, las azulas seleccionadas por el nene y las rosa por la nena:

Album: Quadrophenia (1973)
1 - THE WHO - Love, Reign O'er Me

Album: Cosas Sencillas (1989)
2 - PROSCRITOS - Un Refugio

Album: L.A. Woman (1971)
3 - THE DOORS -  L.A. Woman

Album: Straight Shooter (1975)
4 - BAD COMPANY - Shooting Star

Album: One night live (1995)
5 - DOKKEN - In my dreams

Album: Space Oddity (1969)
6 - DAVID BOWIE - Space Oddity

Album: Unhalfbricking (1969)
7 - FAIRPORT CONVENTION - Who Knows Where the Time Goes

Album: The Magician's Birthday (1972)
8 - URIAH HEEP - Sunrise

Album: Blues from Laurel Canyon (1968)
9 - JOHN MAYALL - Medicine Man

Album: Cocker Happy (1971)
10 - JOE COCKER - Marjorine

Album: Midnight Flight (1984)
11 - EARTHSHAKER - Midnight Flight

Album: Jake (2005)
12 - TAKO - Que No Daría (2005)


Aquí quedan un par de canciones, la de Sebi, el tema del que os ha hablado, y por parte mía una moñada de heavy-heidi japonés :

PROSCRITOS - Un Refugio
EARTHSHAKER - Midnight Flight

Nada mas, espero paseis un buen rato y a ver si el próximo volumen no se hace esperar tanto.


domingo, 28 de abril de 2024

THE RAREST SPANISH YE-YE GIRLS (13/25): DANIELA

 

De nuevo, nada puedo decir de esta cantante. Hubo otra Daniela en los años 70, pero no es la misma. Sólo dos singles, que os comparto. Buen Domingo.

miércoles, 24 de abril de 2024

“The new spirit of Capitol” (sampler 1970)

Los años 60 habían sido muy provechosos para el sello estadounidense Capitol, que por entonces formaba parte del gigante EMI: su titularidad sobre unos cuantos nombres de mediano calibre se culminó con el fichaje de los Beach Boys, lo que sumado posteriormente a la distribución de los Beatles en el mercado americano bastaba para presentar unas cuentas más que satisfactorias. Hasta que, a finales de esa década, ocurrió una tormenta perfecta, ya que además de la desaparición de los británicos era evidente que sus queridos compatriotas estaban en franca decadencia. Pero aún vivíamos en la edad de oro del rock, y con un buen grupo de ojeadores no había sello grande que pasase apuros por mucho tiempo. Además de que su sello matriz británico seguía mostrando una excelente salud, también en casa surgían repuestos para las glorias declinantes: el fichaje en 1969 de Grand Funk Railroad (que sustituyeron a los Beach Boys como el grupo americano de más ventas) garantizaba de nuevo unos balances opíparos, a medio plazo por lo menos. 

Como demostración de que estaban preparados para encarar la nueva década con argumentos de peso y mucha diversidad, en 1970 se publica “The new spirit of Capitol”, un título acorde con ese planteamiento. Por entonces el mercado comienza a fragmentarse en varias tendencias distintas; y su catálogo lo demuestra, porque incluso los grupos eminentemente rockeros como los propios Grand Funk tienen un novedoso componente hard con arreglos más trabajados de lo que parece. Otros músicos como Bob Seger o Bill Champlin parten también del rock pero añadiendo más ingredientes: Seger, que ya lleva unos años en el negocio dando palos de ciego, parece ir asentándose ahora en un estilo equidistante entre hard y progresivo muy original -años después será otra figura del rock de masas-, mientras que Champlin crea The Sons Of Champlin en la onda de los Flock con tonos Blood Sweat & Tears (es decir, el jazz rock de la escuela Columbia/CBS), pero añadiendo un leve tono psicodélico e incluso funky. Los primeros discos de ambos son realmente interesantes, e incluso por momentos resultan sorprendentes.

Steve Miller es un veterano que ha ido evolucionando desde sus orígenes en el blues psicodélico hasta sustituir la psicodelia por un tono rock/pop que le está sentando muy bien a su carrera: será otro de los grandes argumentos del sello en los próximos años. Y hablando de blues, Capitol ha fichado a dos verdaderos bluesmen que llevan años recorriendo el país, pero sin destacar en el gran circuito: Guitar Jr (Lee Baker Jr) y Mississippi Fred McDowell. Baker publica su primer Lp oficial gracias a este sello, mientras que la trayectoria discográfica de McDowell había comenzado ya en los años 60. Ninguno de ellos alcanzará grandes ventas, pero su estilo es muy agradable. Por el bando contrario, es decir, el country, aquí tenemos una de las grandes figuras: Linda Ronstadt, cuya magnífica voz y el tinte pop que añade a las canciones la mantuvo en el estrellato durante varios años. 

Ya a finales de la década anterior se había consolidado la figura del cantautor cercano al estilo folk singer, y Capitol tiene algunos ejemplares de ese tipo: desde el dúo formado por Hedge y Donna Capers hasta el estilo más académico de un John Stewart o Joe South, hay una escala bastante amplia. Ninguno de ellos será muy popular en Europa salvo en momentos aislados, pero en su país tuvieron bastante aceptación. Por último, de la oferta estadounidense queda por citar el inclasificable David Axelrod, un músico que viene del jazz y que en teoría es compositor y arreglista, pero que también se ha dedicado a la producción y trabaja ocasionalmente como ojeador para el sello. Axelrod ha hecho grabaciones de todo tipo, desde el jazz hasta r’n’b pasando por unos cuantos experimentos avant garde. Aquí se presenta con una pieza perteneciente a “Songs of experience”, una obra de tipo orquestal bastante accesible.

Por último hay dos aportaciones británicas cedidas por EMI/Harvest: Pink Floyd y la banda de Edgar Broughton. De los Floyd se incluye “Astronomy domine”, una de las piezas cumbre de la psicodelia isleña. En cuanto a Broughton y su banda, se presentan también con una pieza de su Lp de debut; parten de la psicodelia como los Floyd, pero mucho más cercanos al blues rock con tintes freak y heavy en ocasiones. No alcanzarán la fama de los Floyd, pero a lo largo de su obra hay algunos momnetos realmente brillantes. 

Y estos eran los argumentos más destacados de Capitol para la década de los 70. Es un buen ramillete, ¿a que sí?