Escenas míticas de la historia del cine

Hola amigos. Una nueva aventura y hoy nos apartamos de la música para centrarnos en el cine y concretamente en escenas que ya se han convertido en míticas e inmortales. No hace falta ser un cinéfilo, pues a buen seguro la mayoría conoceréis estas escenas.

Y para la ocasión y valiéndome de mi también mítica cualidad de enredar al personal, para la ocasión, tenemos a dos comentaristas de lujo como son Antoni, al que me ha costado bien poco convencerle y a mi parienta Sebi, un hueso duro de roer, pero que al final ha cedido a mis encantos.

Nada mas, os dejo con las secuencias ordenadas cronológicamente y los comentarios, 

Jose.

Hola amigos, mucho tiempo sin pasarme por aquí, pero el Jose que ha tenido esta idea de recopilar las grandes escenas del cine, me ha atado a la pata de la mesa del ordenador y hasta que no comente, no me suelta, así que allá voy. 

Sebi.

Como bien afirma Jose, poco ha hecho falta para convencerme. Ya sabéis que yo me apunto a un bombardeo (de flores), si es necesario. Lo único que espero, es poder estar a la altura con mis comentarios y que estos, combinados con las imágenes, os sirvan para disfrutar de estas escenas desde un punto de vista diferente y  os hagan pasar un rato divertido.

Antoni 

Viaje a la luna 1902 - Georges Méliès 1902 (escena cohete en la cara de la luna)

Quién de vosotros no ha sentido alguna vez en su vida, la tentación de meter el dedo dentro de una tarta. Muy pocos, supongo. Siempre que contemplo esta famosa escena de la luna, recibiendo el impacto del cohete en su cara, me vienen a la memoria aquellas fiestas de cumpleños de nuestra infancia, que se celebraban con tanto entusiasmo y en las que hacerse mayor, era un motivo de desbordante felicidad.

En 1902, George Méliès, creó la que está considerada su obra capital, "Le Voyage dans la Lune" (Viaje a la Luna), inspirada principalmente en las obras literárias:"De la Tierra a La Luna", de Julio Verne y en "Los Primeros Hombres en La Luna", de H.G. Wells. Ni por asomo, imaginaban ellos entonces, que aquél sueño visionario, terminaría haciéndose realidad, muchos años después.

Antoni

 

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El Hombre Mosca - Fred C. Newmeyer 1923 (Escena del Reloj)

Pues vamos ahora con otra escena mítica ,que casi culmina un buen rato de angustias y risa, cuando este héroe a la fuerza se trepa el edificio y alcanza el reloj que lo inmortalizó para siempre. Fuera un especialista o no, el gran Harold permanecerá en nuestra memoria colgado del reloj a punto de pegarse el gran castañazo, ¡¡¡que grande es el cine mudo!!! ... y todo por amor... ¡ooohh!     Seb

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La quimera del oro - Charles Chaplin 1925 (Charlot comiéndose la bota)

Charlot, como se dispone a deleitarse con el plato mas exquisito del mundo, eso si, ¡compartiéndolo con su compañero de miseria. Luego, con que dignidad come, mastica, empuja para que entre, se chupa los clavos como si fuesen huesos de ricas costillas y lo que mas me gusta, como enrosca los cordones, como espaguettis. Hay que ser un genio para hacer tal parodia de la miseria y hacernos reír en vez de llorar.
Sebi

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King Kong - Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack 1933 (Escena en el rascacielos)

Tras librarse de sus cadenas opresoras, King Kong, huye enfurecido y desesperado, sembrando el pánico y la destrucción a su paso por las calles de New York. Luego, guiado por su poderoso instinto olfativo, va en busca de su amada, Fay, hasta que la encuentra por fín y decide llevársela consigo hasta la cima del Empire State Building, donde transcurre esta escena final. Herido, tanto en su cuerpo, como en su orgullo, por el ataque incesante de cuatro biplanos, el pobre  Kong, se da cuenta de que ha llegado su fin, salva a la chica y decide inmolarse, lanzándose al vacío.  

El ancestral mito de la Bella y la Bestia, se ve fielmente reflejado en esta película llena de emociones, en la que se mezclan, tragedia, romanticismo, erotismo y barbarie, de forma magistral.

Antoni. 

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Lo que el viento se llevó - Victor Fleming 1939 (Escena de nunca mas volveré a pasar hambre)

Es curioso lo que el hambre puede despertar en el ser humano. Scarlett O´Hara, denostada y hambrienta, deambula por su plantación agrícola de Georgia, antaño, frondosa y productiva y ahora baldía y devastada por la guerra. Ve un tubérculo, lo arranca y se lo lleva a la boca desesperadamente. Luego, avergonzada, se da cuenta de su deshonrosa acción, reniega de su acto, y es entonces cuando lanza su célebre proclama a los cuatro vientos. Lo que el viento se llevó, se estrenó en Atlanta el 15 de Diciembre de 1939, pero en nuestro país, todavía tendrían que pasar once años para que los españolitos pudieran disfrutarla, ya que la férrea censura ejercida por el nacionalcatolicismo la tenía clasificada como, “gravemente peligrosa”.

Antoni

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Casablanca Michael Kurtiz 1942 (Escena tócala Sam)

Bueno, pues no sé si hay palabras suficientes para comentar esta película, una de las mas grandes que ha dado el cine, pero vamos a esta escena en concreto, A mi me subyuga la forma en que ella le pide al pianista: TOCALÁ SAM, TOCALÁy luego cuando él empieza a cantar, el silencio de ella y esa emoción del recuerdo tan bien reflejada en ese precioso rostro, después el cambio, cuando mira a Bogart y esas lagrimas a punto de brotar, ¡¡que gran interpretación!! de los tres actores, por supuesto.

SEBI

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Cantando bajo la lluvia - Stanley Donen 1952 (escena lluvia)

Bien, pues ahora le toca a otra grande, pero mucho. La peli es un caramelo de cabo a rabo , pero esta escena que se hizo famosa en el momento en que el prota se agarra a la farola,  es larga y maravillosa en cada segundo y va evolucionando y cada vez te cautiva mas. Desde la alegría del bailarín, que te contagia, a la foto, que a pesar de que caen chuzos de punta, hay una luminosidad preciosa, y por encima de todo esa expresividad en el cuerpo del Kelly, un maestro del baile. Merece todo el reconocimiento que esta obra de arte del cine ha tenido y tendrá por siempre.

Toda una oda al optimismo y demuestra que un día de lluvia puede ser un día maravilloso.

Sebi

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Con Faldas y a lo loco - Billy Wilder 1959 (escena nadie es perfecto)

Y ahora toca una de travestismo, una peli que es divertida sin mas, dinamica  y amena, pero que tiene uno de los finales mas sorprendentes, cuando el espectador espera que todo salga como el rosario de la aurora, el dueño de la escena, el que lleva la barca , enamorado  del Jak Lemmon, con boda a la vista, Jak busca una salida a base de disculpas, hasta que se ve obligado a decir la verdad, "PERO ES QUE SOY UN HOMBREEEE..." Y aquí el cine dejó una frase histórica con lo de "BUENO, NADIE ES PERFECTO", con la tranquilidad pasmosa del que lleva la barca  y la cara de boniato que se le queda al Lemon, un final grande a lo Billy Wilder que nos ha dejado la frase en la memoria colectiva para cuando las cosas no nos salen como queremos, pues eso: "NADIE ES PERFECTO".

Sebi

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Psicosis - Alfred Hitchcock 1960 (escena  de la ducha)

Estamos ante una de las escenas más icónicas del cine de terror norteamericano. Aquí, por encima de la soberbia interpretación de los actores, es sin duda el talento del director, lo que sobresale y nos introduce de lleno en el escenario del crimen. Hitchcock, utilizó su ingenio, filmando esta escena desde varios puntos diferentes y recurrió a trucos de lo más sencillo y efectivo para conseguir el máximo realismo. He leído cosas tales como, que para simular el sonido de las cuchilladas penetrando en el cuerpo de la chica se utilizaron melones, y que la sangre que chorreaba por la bañera era en realidad jarabe de chocolate. Sorprendente, sin duda. Asesinato, desnudez y tensión extrema. Es la magia del cine, amigos.

Antoni   

                                                                          

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La tentación vive arriba - Billy Wilder 1965 (escena de Marilyn con la falda y el aire)

Esta no es la peli que mas me guste de Billy Wilder, ahora bien, dejó una imagen de poster auténtica. Cuentan las malas lenguas que el que se le levantara la falda, así, fué una casualidád mientras rodaban, pues ella pisó la salida de vapores del metro, y ¡¡ale!! enseñó las bragas,. ¡coooorten, pero parece que el dire dijo: ¡que se repita y ahora adrede!, se rodó muchísimas veces, la gente de la calle se amontonó, tanto que decidieron ponerles gradas para ver el rodaje sentado. Dicen también que Marilyn estaba pasando por una de sus muchas depresiones, como quiera que fuese dejó una imagen que dio la vuelta al mundo, esa pose entre inocente y picara reflejó para siempre el encanto de esta actriz a la que la vida y los buitres del cine y la política trataron muy mal, pero aquí quedó su precios sonrisa y sus faldas al aire, como riéndose del mundo.

Sebi

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El Planeta de los simios - Franklin J. Schaffner 1968 (Escena final)

Yo era un niño de ocho años cuando fui al cine a ver el estreno de El Planeta de los Simios, y aquella escena final de la estatua de la libertad, incrustada en las arenas de aquella playa solitaria, me impactó sobremanera y casi me hizo llorar. Cómo maldecía su suerte, Charlton Heston, al descubrir horrorizado, que aquél planeta dominado por unos monos humanizados, en el que él había aterrizado precipitadamente un tiempo atrás, era en realidad el suyo propio, La Tierra. "¡Maniáticos. Lo habéis destruido. Yo os maldigo a todos! El planeta de los simios, nos invita a hacer una profunda reflexión sobre la tendencia autodestructiva del ser humano y de las catastróficas consecuencias que en un futuro, tal vez no muy lejano, podrían derivarse de esta obstinada actitud.

Antoni.    

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Blade Runner - Ridley Scott 1982 (Escena he visto cosas)

El replicante Roy, herido y deteriorado, entiende el poco tiempo que le queda, al sentir que la energía de sus baterías se está agotando. Él, anhela vivir más tiempo, pero a la vez sabe que está programado para perecer. Es consciente de que en algún lugar de su cerebro digital, existe la poesía y en esos momentos finales, llevado por un sentimiento casi humano de profunda nostalgia, inicia el discurso final de su propio epitafio, relatando los grandes momentos de su dramática y fascinante existencia.

Antoni

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Bueno, pues damos fin a este apasionante viaje que nos ha hecho reir, emocionarnos e incluso meditar. Se podían haber puesto bastantes mas, pero creo que estas doce son de las mas míticas que hay, si, podíamos haber escogido por ejemplo la de "Un hombre llamado caballo" con Richard Harris colgando de las garras, La de Rita Hayworth quitándose el guante en "Gilda", el arranque de "2001, Una odisea en el espacio", etc, etc.

Debo decir que ha sido una experiencia muy divertida entre los cuatro, ¿cuatro?, si, cuatro, Sebi, Antoni, un servidor y Bautista, el "criado para todo" de la Marquesa Sebi, que como se suele decir, nada de esto hubiese sido posible sin su ayuda. Todos ellos tienen unas palabras de despedida.

Pero antes de acabar, propongo que cada uno de nosotros ponga un solo fotograma que defina la historia del cine, y como soy el maestro de ceremonia escojo esta que no necesita presentación, y seguro que se la he pisado a Sebi.

Jose

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Pueeeees... es, es, es, estoestodoestoestodoamigoooos. Deciros para terminar este rodaje, que ha sido muy divertida la pelicula, gracias al director Jose, a mi compañero de rodaje Antoni, pero lo mas divertido ha sido el MAKING OFF, eso ya no lo compartimos porque ha sido a golpe de guachapes que han sido la monda, hemos tenido, marquesa, Bautista y el pobre Antoni sufriendo los disparates entre Marquesa y Bautist. Bueno, ahora en serio, ha sido un trabajo bonito y una disculpa para volver a ver alguna de estas maravillas del cine de nuevo, y como decía Garci en su programa...¡¡QUE GRANDE ES EL CINE!!

Mi fotograma es el de la película del chico, tuve este poster en una habitación de Londres durante mas de un año.

Sebi

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Con todo el cachondeo que nos hemos traído entre manos, no pensé en ningún momento que este proyecto podría llegar al final. Han sido algo más de dos semanas de lo más entretenido y de no haber sido por por los servicios de nuestro mayordomo Bautista, que se prestó a colaborar a cambio de un suplemento salarial y de algunos favores más que ahora no vienen al cuento, creo que esta entrada no hubiera visto la luz. Ahora, lo único que espero es que esta entrada tenga buena acogida entre el público y que por lo menos la recaudación en taquilla, sirva para pagar a los actores, que se han llevado un buen pico del presupuesto.

Aquí os dejo este fotograma de la escena final de El planeta de los simios, que es todo un icono de la historia del cine de ficción y que tanto nos hizo meditar en su momento.

Antoni

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-¡¡¡Bautis!!!

-¡¡¡Bautista!!!

-¡¡¡Bautista!!!

-¡Que no respetáis el día de descanso!. Estoy muerto.

-Ya será menos quejica

-Solo unas palabras de despedida.

-Adios.

-Que rancio, parece charro.

-Y una imagen de la historia del cine.

-La que pondréis mañana en mi tumba.

¡Jopelines!, ¡Ejem!, Antoni, no querrás sustituir al Bautis... ¡guapetón!

25 TOP SPANISH YEYE GIRLS (8/25): RENATA

Su carrera musical se encuadra en esa segunda fila del ye yé nacional sin conseguir nunca un gran éxito de público y ventas, pero manteniendo durante varios años una actividad continuada de galas, grabaciones y esporádicas apariciones televisivas. El caso de Renata es arquetípico de toda una generación de chicas. Para empezar su verdadero nombre era Magdalena Serra y había nacido en Tarragona. Como tantas aspirantes a estrella, pronto comenzó a peregrinar por emisoras de radio donde se inscribía en todos los concursos de la época. Su ocasión llegaría en el programa “La Comarca nos Visita” que cada domingo por la mañana se emitía desde Radio Barcelona. Ahí Magdalena actuó en varias ocasiones durante 1963 y 1964. Pero el contrato discográfico no acababa de llegar. Por fin, Eurovisión de 1965 ganada de calle por la pícara adolescente France Gall y su “Muñeca de cera” le va a suponer el debut. Un debut por partida doble, pues simultáneamente se hace una edición bilingüe titulada genéricamente “La Voz del Momento” (Marfer, 1965) y “La Nina de Cera” (Marfer, 1965) en castellano y catalán respectivamente. En esos mismos microsurcos aparecían otras canciones triunfantes como “Chao chao” o “Yo que no vivo sin ti”. Desde luego Renata no fue la única en traer a España estos temas internacionales, pero fue una de las primeras y ese don de la oportunidad le proporcionó unas ventas aceptables. Fue encasillada ipso facto en la categoría de ye yés versioneras y muy poco después echaba a rodar un nuevo EP con cuatro nuevos covers: “Chica Ye Ye / Jamás, Jamás / El Mundo / Yeh Yeh” (Marfer, 1965). La siguiente entrega no se hace esperar y, por supuesto, incluía otras cuatro famosas canciones de aquel momento: “La Danza de Zorba / Siluetas / Me lo Dijo Pérez / Pepe Será Papá” (Marfer, 1965). Antes de finalizar el año, nueva edición bilingüe que en castellano aprovecha algunos temas editados anteriormente y que en catalán aparece bajo el título “La Nova Veu de Catalunya” (Marfer, 1965). Se salda 1965 con seis EP publicados en el breve espacio de siete meses. Eso había convertido la voz de Renata en habitual de los programas juveniles de las emisoras de radio. El siguiente paso era evidente: los festivales de la canción. Y a ese empeño va a dedicar sus mejores esfuerzos durante el siguiente año. En Benidorm no pasó de las semifinales. En el Festival Hispano-Portugués de la Canción de Aranda de Duero le rodaron mejor las cosas y alcanza el tercer puesto con “Pero ya ves” (Marfer, 1966), un tema compuesto por la prolífica Fina de Calderón que en segunda versión fue también interpretado por Olympia, una cantante de características similares a ella. Su siguiente disco también va a tener un marcado sesgo festivalero. Se trata de “Canta San Remo” (Marfer, 1967) que incluía cuatro temas procedentes del festival italiano entre los que destacaba el popular “Cuando digo que te amo” y la ganadora “Non pensare a me”. Finaliza su periplo por el vinilo con otro extended play “Aunque Estés Lejos / La Verdad de la Verdad / Incendio en Río / Alba Gris” (Marfer, 1967) que evidencia la falta de evolución de la cantante y sus productores. A partir de 1968, desaparece toda referencia sobre esta artista tarraconense que tuvo muy pocas oportunidades de grabar temas originales y se vio obligada a servir siempre de segundo plato para los temas que triunfaban en Italia y Francia. Una muestra perfecta de lo que fue la canción ye yé en la España de mediados de los 60 y unas interesantes aportaciones a los primeros pasos de la canción moderna cantada en catalán.(La Fonoteca).

A pesar de las palabras de mi amigo Molero en La Fonoteca, Renata sí que merece un sitio destacado en esta serie, ya que representa la pureza del concepto yeyé, más allá de las superchicas.

Buen Domingo.

"All good clean fun" (sampler United Artists, 1971)

La división discográfica de United Artists fue en los años 70 uno de los sellos estadounidenses con mayor implicación en el negocio musical europeo, ya que no se limitó a fichar músicos británicos: CAN y Amon Düül II, que fueron dos de los más notables grupos del legendario rock alemán de aquella década, también formaron parte de su catálogo. En 1971 UA publica “All good clean fun”, un doble sampler cuya fama se mantuvo durante mucho tiempo y que a principios de este siglo tuvo una “resurrección”, ampliado a formato de triple CD. Lo que tenemos hoy aquí es el doble original, algunas de cuyas canciones fueron luego eliminadas en la posterior reedición. Es una mezcla de estilos realmente amplia, y por otra parte hay un buen equilibrio entre su catálogo estadounidense y el europeo. 

De entre los nombres británicos más conocidos destacan personajes como Eric Burdon, que por otra parte es quien abre el sampler: tras sus inicios al frente de los Animals y por el medio de una larga carrera como solista, aquí lo tenemos formando parte de War, una banda multirracial de funk rock con la que vivió una de sus mejores épocas. Man es un grupo de rock progresivo underground que sin embargo tuvo una carrera bastante extensa; también la tuvieron los Groundhogs, nombre señero en el sector del blues rock con tendencias heavy. Es precisamente el heavy underground una de las especialidades del sello, donde también militan los reverenciados Hawkwind, a quienes mucha gente considera los creadores del space rock. Brinsley Schwarz, la banda que definió el pub rock, se presenta aquí con una de las mejores canciones de su crucial segundo Lp. If habían comenzado en 1970 como banda de jazz rock progresivo con tonos de soul blanco, y aquí ya van por su tercer disco. En cambio, en un estilo parecido a Hawkwind están Amon Düül II, que como dije antes es uno de los nombres míticos del krautrock. 

De la oferta estadounidense hay pocos representantes realmente populares en Europa. Pero entre ellos están Canned Heat, una de las bandas de blues rock tradicional más admirada, y que figura por partida doble: en solitario y junto a John Lee Hooker II, uno de los santones del género. Otro grupo ya veterano en esta época son la Nitty Gritty Dirt Band, cuyo estilo, un tanto libre, podría asimilarse a la música de jug band “con raíces”. De menor entidad comercial en la Isla, tal vez por una deficiente distribución, y un estilo muy americano pero de mucho interés son Gypsy, que habían debutado el año anterior con un sorprendente doble Lp. Lo mismo pasa con Sugarloaf, cercanos al hard rock progresivo que se estilaba en la Isla, pero que tuvieron poca distribución allí. 

También vemos algunos veteranos de anteriores batallas: B.B. Blunder es el nuevo nombre comercial que adoptan los antes llamados Blossom Toes, uno de los grupos más reverenciados en la psicodelia underground británica, tras el poco éxito de sus fantásticos dos discos. Por desgracia, la cosa no va a mejorar y tras un único Lp se darán de baja. El irlandés Ernie Graham se presenta en solitario tras haber formado parte de Eire Apparent, aquella banda de rock psicodélico que pasó a la historia por un solo disco… y por haber sido producida por Hendrix. Por último, también debuta como solista Reg King tras su etapa como frontman de los alabados Action, una de las históricas bandas mod. 

Y entre los recién llegados destacan Help Yourself, una banda británica de rock con querencia hacia estilos tradicionales como el country, de la que salieron unos cuantos músicos que luego seguirán carreras por lo general cercanas al pub rock. Con un estilo parecido, pero con mucha más viveza, se presentan los estadounidenses Morning, que parecen ser una apuesta fuerte de UA ya que, exceptuando a Canned Heat y los Nitty Gritty, son los únicos con dos canciones en este sampler. Sin embargo desaparecerán en 1973 tras haber grabado un segundo disco bastante irregular. Los británicos Cochise eran una mezcla muy prometedora de rock con tonos psicodélicos, ligeros aromas country e incluso un aire pop a veces, pero el exceso de oferta les impidió mantenerse por mucho tiempo. Algo parecido sucedió con Sweet Pain, por cierto. Hay también dos o tres solistas procedentes del folk rock cuya presencia en el negocio no duró mucho (salvo el incombustible Allan Taylor, que aún anda por ahí), pero en conjunto creo que este sampler es de lo mejorcito de su época. Creo que merece la pena echarle un vistazo. Ah, y feliz verano.

CAETANO VELOSO. "ESTRANGEIRO" (1989)

 

En las primeras semanas de Julio de 1969 las listas de éxito inglesas están repletas de artistas incontestables. Creedence Clearwater Revival, The Rolling Stones, Plastic Ono Band y Robin Gibb. Sus temas más conocidos de entonces, "Proud Mary", "Honky Tonk Woman", "Give Peace A Chance" y "Saved By The Bell" son radiados sin descanso.

Como lo hace ahora, corre un aire aventado por las calles de Londres. Allí es donde aterrizan dos músicos exiliados brasileños, nadie les conoce, la ciudad presenta para ellos un aspecto duro y oscuro, lo contrario de su país de procedencia. Gilberto Gil y Caetano Veloso, tras pasar los seis meses anteriores de ese año 1969 en prisión y arresto domiciliario, han llegado a un acuerdo sui generis con la dictadura militar brasileña. Autoexilio o vuelta a la cárcel. 

Este nuevo escenario, multicultural y mucho más tolerante, reafirmará a  ambos artistas en la apuesta por las tendencias musicales que ya venían desarrollando en sus últimas apariciones junto a otros miembros de Tropicalia. Es más, en el caso concreto de Caetano, junto a los retazos de la MPB (Música Popular Brasileira) en la que se inició, el jazz criollo de Nueva Orleans, la variante bossanova de Joao Gilberto y el reciente gusto por el soul y funk norteamericano, la influencia puramente rock (que anteriormente había expetrimentado en sus colaboraciones con Os Mutantes) encuentra en la capital británica un mayor y más adecuado calado musical.

Así que, si en este disco "Estrangeiro" (Philips, 1989) se encontraran Vds. con la influencia de los mejores Stevie Wonder y Ray Charles de la época, ya nos vamos entendiendo. Desde su inicial "O Estrangeiro", una preciosa amalgama de estilos inunda al oyente. Aquí, en este primer tema, se combinan muchas de las influencias anteriormente comentadas. Un elegantísimo pop tropical inunda la estancia, emociona comprobar como la base rítmica modula una canción colosal, una melodía tan felizmente panorámica, formidable entrada. En el resto de los temas de la cara A se encuentran bossanova electrizante, "Rai Das Cores", dulces baladas insinuantes, "Branquinha", rugientes ritmos amazónicos en "Os Outros Románticos" (aquí incluida una acertada sección de spokenword), en "Jasper" vuelve la influencia Wonder/Charles, la melodía trota con una suavidad escandalosa.

La tentadora bossanova de "Este Amor" abre una cara B repleta de luces de Ipanema. El tema supone una auténtica apología de la seducción más elocuente, platónica e igualmente empalmatoria, una auténtica preciosidad. "Outro Retrato" sigue la línea funky-rama-lama-tropicana, la base rítmica intercambia golpes de cadera con descensos a ras de playa, sorprende gratamente esa mezcla de carnaval callejero y lounge exquisito. "Etc" nos muestra una callejuela acústica y breve, no por ello falta de emoción. En "Meia-Lua Inteira" la salsa tropical se adueña de los surcos, pura capoeira en trance de romper pistas de baile. Cierra el disco "Genipapo Absoluto" y la atmósfera vuelve a la bossanova., una balada llena de saudade, acústica en su justa medida para no recargar una melodía que se hace entrañable.

La producción del suizo Peter Scherer y Arto Lindsay (miembro, este último, de los irrepetibles Loung Lizards de John Lurie, productor de Laurie Anderson, devota influencia de Brian Eno y Sonic Youth, ambos colaboradores en multitud de proyectos musicales en la Nueva York más vanguardista de los 80) otorga a este "Estrangeiro" una dimensión formidable. Este disco, grabado en los estudios Transamerica de Rio de Janeiro en 1989, suena (permítanme la licencia ciorana) "como caído del tiempo", una suerte de revelación cuya melodía se sienta en los instantes de la vida, viéndola en perspectiva, pasar tranquila, eterna. Compruébenlo Vds. mismos.

25 TOP SPANISH YEYE GIRLS (7/25): ALBERTINA CORTÉS

La ye yé más festivalera 

Las chicas ye yé pusieron voz y carne a los festivales de la canción que con el pretexto de la promoción turística proliferaron en la España desarrollista de los 60. Una de esas chicas fue Mina Longo González, aunque pocos la conocían entonces por su verdadero nombre. Mina había nacido en la localidad asturiana de Colunga y pronto tuvo la suerte y el merecimiento de interesar al sello discográfico Zafiro y, casi sin actuaciones previas, se vio contratada para grabar su primer disco: “Recuerdos de Ypacarai / Siboney / Noche de Ronda / Envidia” (Zafiro, 1963). Por esa época triunfaba un chico argentino apodado “Mr. Sucu-Sucu” y llamado Alberto Cortez. A alguien se le ocurrió un parecido estilístico con él y Mina quedo rebautizada como Albertina Cortés. Y algo de eso había, pues el contenido de ese primer disco era mayoritariamente sudamericano con temas bien conocidos. Aquel verano del 63 se presenta en sociedad. Participa y alcanza la final del IV Festival Hispano-Portugués de la Canción de Aranda de Duero con el tema “Islas Filipinas” que encabezará su segundo EP. Sin dar tiempo a deshacer las maletas viaja a Almería para tomar parte en la primera edición del Festival de la Canción de la Costa del Sol. Fue la primera edición y la última. Albertina resultó vencedora con el tema “Al hechizo del sol” de los Hermanos García Morcillo. Como anécdota, referir que el segundo puesto fue conseguido por otra ye yé que daba sus primeros pasos: Silvana Velasco. Su tercer disco va a suponer un cambio radical para ella. La melódica de gustos sudamericanos se va a cardar el pelo, va a acelerar un tanto su ritmo y va a pasar a engrosar la lista oficial de chicas ye yé españolas. Todo esto va a venir de la mano de su siguiente disco, “El Baile del Mattone / A New Orleans / Al Hechizo del Sol / Di Cosas Maravillosas” (Zafiro, 1963), que supondrá un paso adelante en su carrera de ventas. La siguiente parada obligatoria era Benidorm. El tándem asturiano formado por Albertina Cortés y Jaime Morey partían como favoritos en aquella edición. Pasaron sin problemas la eliminatoria; sin embargo, en la final una actuación muy floja de nuestra cantante los relegó a un inesperado sexto puesto. También defendió otra canción junto a la actriz Irán Eory que quedaría en novena posición. La revista Discóbolo comentaba su actuación en estos términos: “Albertina posee una bella voz y excelente dicción, pero debe quitarse los complejos“. El mundillo musical acuñó el dicho “eres más parada que Albertina Cortés“, y es que la asturiana en escena resultaba excesivamente envarada y sosa. A raíz de su actuación en ese festival se edita su EP más vendido: “VI Festival Español de la Canción de Benidorm” (Zafiro, 1964). Finaliza el año con la edición de un EP de claro contenido ye yé que incluía el cover de varias canciones francesas y norteamericanas, “Ma Vie” (Zafiro, 1964), del que se extraerán dos singles. A finales de 1964 participa como telonera en una mascarada que tiene lugar con la actuación en la Plaza de Toros de Madrid de un grupo denominado Los Beatles Americanos, que imitan malamente a los cuatro de Liverpool que vendrían en persona a ese mismo coso en el verano siguiente. Zafiro poseía un amplio elenco de chicas ye yé: Rosalía, Betina, Adriángela, Silvana Velasco… La discográfica suelta lastre y deja en la calle a Albertina Cortés, que pasará en blanco 19 65, actuando, pero sin nuevas grabaciones. Encuentra acomodo en un modesto sello al año siguiente y de nuevo se presenta en Benidorm, pero esta vez sus canciones no pasan las eliminatorias. Editará el EP “Benidorm 1966” (Fidias, 1966) con canciones de aquella edición. Al año siguiente hará un nuevo disco, que será el último oficial de su carrera. “Déjame / Tú Me Has Besado / Qué Misterio / Toda la Gente del Mundo” (Fidias, 1967). Albertina Cortés realizó otras grabaciones marginales con fines publicitarios. La más destacable es la que hizo para el brandy Fundador, grabando ex profeso el tema “Brindo“, una de sus mejores canciones. También haría en 1968 un disco para la NASA. Pero no se engañen que nada tiene que ver con la agencia aeroespacial. Esta era la empresa concesionaria de las papeleras de Madrid. Para ella grabaría “Mantenga limpio Madrid“. Su hija ha continuado su carrera musical con el verdadero nombre de su madre, Mina Longo, formando parte de orquestas de baile y participando en varios festivales televisivos, entre ellos la preselección para Eurovisión 2001. (La Fonoteca)

Grand Slam (Phil Lynott) - Sisters Of Mercy (Hard Rock)

Debo confesar que siempre he sido un gran admirador de la banda irlandesa "Thin Lizzy" y del talento de su lider, el bajista y cantante "Phil Lynnot", y es que muy pocos, o casi ningún grupo puede presumir de tener catorce discos y todos ellos bien buenos.

Pero, tras la disolución de la banda, Phyl Lynott fundó "Grand Slam" en 1984, y si ya "Thin Lizzy" fué una de las bandas mas infravalorados de la historia, que decir de "Grand Slam", que en su día no llegaron a lanzar ni un solo disco, a pesar de las extensas giras europeas de la banda y del gancho de su líder. y no fué hasta a partir de 2002 que se lanzaron sus demos y algún que otro directo.

Pero hace unos días salió a la luz una caja con 6 CD´s titulado "Phil Lynott & Grand Slam - Slam Anthems" con todas sus demos originales y remasterizadas y unos cuantos de su directos.

Desde luego "Phil Lynott" no había perdido un ápice de su talento como demuestra en esta caja.

Realmente todas las demos son magistrales, y para la ocasión he querido mostraros esta "Sisters of Mercy", que creo aúna todas las cualidades de Lynott, desde la mas intimista a la mas metaleras, conservando esa esencia irlandesa que ya mostraba en trabajos como "Black Rose".

Desde aquí mi pequeño homenaje a uno de los mas grandes: Phil Lynott.

Hasta pronto

25 TOP SPANISH YEYE GIRLS (6/25): ADRIÁNGELA

La gran voz ye yé. 

Dentro del cajón de sastre sesentero de chicas ye yé hubo de todo. Adolescentes chillonas, adolescentes de efímera carrera, graciosas tonadilleras pop y cantantes hechas y derechas. A este último apartado pertenece la valenciana Adriángela, nombre un tanto rebuscado al que insufla vida María José Guillen. María José había estudiado piano y canto en el Conservatorio de Valencia y había hecho una tímida aparición en 1961, debutando en el I Certamen de la Canción de Madrid. La chica gusta y graba un EP para el sello Iberofón. Participa en Benidorm el siguiente año. No pasa absolutamente nada y regresa a Valencia, donde sigue con sus estudios y actúa esporádicamente. En 1965 el sello Zafiro se fija en ella y la lanza poniendo en el mercado aquel año nada menos que nueve discos entre singles y EP, aunque varios de ellos repiten las mismas canciones. Esto desconcierta un tanto al posible comprador que se ve apabullado por tanto disco. El resultado de ese despliegue es que aunque Adriángela se hace con un cierto renombre, ninguno de sus discos sube demasiado arriba en las listas. Ese año es una de las precandidatas para Eurovisión, puesto que finalmente sería para Raphael, y Adriángela gana el Festival de la Canción Española de Palma de Mallorca con la canción “Recordar“. Su voz trabajada y profunda tiene poco que ver con sus compañeras de camada. Adriángela sí es una cantante de verdad, con la extensión, afinación y potencia necesaria para interpretar temas exigentes. Ella es de las pocas que van a atreverse a versionar temas que triunfaban en las voces de Dionne Worwick, Dusty Springfield o Sandie Shaw; es decir, la única capaz de enfrentar su garganta a las divas del pop de aquellos años. Sus elaborados peinados son otra de las señas de identidad de la cantante. En 1966 va a grabar un nuevo sencillo con temas compuestos para ella por Los Brincos y va a alcanzar un notable éxito con la adaptación española de dos temas cinematográficos que triunfaban en la pantalla: “Un Hombre y una Mujer / Doctor Zhivago” (Zafiro, 1967). Sigue siendo asidua de los festivales veraniegos, venciendo en 1969 de nuevo en Palma de Mallorca y siendo eterna aspirante a Eurovisión, puesto que finalmente no lograría, pues ese año sería otra ye yé reciclada, Salomé, la que se llevaría el gato al agua, venciendo en un Eurovisión que ese año se celebró en Madrid. Finalmente rompe con Zafiro que, tras apostar fuerte en años anteriores, parece desentenderse de la cantante. Ficha con el modesto sello Sintonía con el que realizará sus últimas grabaciones. Retirada a principios de los 70, se establece en Torremolinos, donde en la Navidad de 1973 abre un piano-bar que lleva su nombre y se convertirá en uno de los locales nocturnos más conocidos de aquella ciudad. A Adriángela le sobró voz y seriedad profesional y le faltó una canción rompedora y un poco de suerte. Con todo, ahí quedan sus olvidados discos para evidenciar que fue una de las mejores voces femeninas de la década de los 60, con una calidad interpretativa y una variedad de registros que pocas mujeres han superado en el pop españolm (La Fonoteca).

Os dejo con siete discos suyos. Buen Domingo.

SANDIE SHAW - (Reviewing The Situation - 1969)

La cantante británica Sandra Ann Goodrich, conocida popularmente como Sandie Shaw, comenzó su carrera a los 17 años y sus primeros éxitos comerciales no tardaron en llegar con algunos sencillos como, "Always Something There to Remind Me" (1964), o "Tomorrow" (1966). Pero su mayor logró, llegó cuando fue elegida para representar a su país y se llevó el primer premio del Festival de Eurovisión de 1967, con su canción "Puppet on a String"(Marioneta en la Cuerda), cantando descalza y compitiendo en aquella edición con figuras de la talla de nuestro representante, Raphael y su romántico tema "Que nos importa", que al final quedó en séptimo lugar. 

Más allá de la fama que el galardón eurovisivo pudiera aportarle, Sandie Shaw, en los años siguientes supo labrar su carrera y demostrar a sus fans, que no sólo era una chica de moda que cantaba aquellas pegadizas canciones de pop ligero que tanto dinero hacían ganar a las discográficas, si no, que también tenía iniciativa propia y era capaz de atreverse con trabajos mucho más ambiciosos como es el caso de este sorprendente álbum, "Reviewing The Situation", producido y grabado por ella misma, casi en secreto y al margen de las directrices marcadas por su mánager, Eve Taylor, quien tuvo que hacer un poco la vista gorda ante el osado proyecto emprendido por su protegida.

Lanzado en diciembre de 1969 por PYE Records, este álbum, compuesto en su totalidad por versiones, contiene diez temas, todos ellos de artistas alternativos y elegidos por la propia Sandie. Aquí podemos encontrar canciones de compositores y músicos como: Led Zeppelin, "Your Time is Gonna Go", Bob Dylan, "Lay Lady Lay", Dr. John,"Mama Roux", Bee Gees, "Sun in my Eyes", The Rolling Stones, "Sympathy for The Devil", The Beatles, "Love Me Do". Algunas de estas versiones, son realmente brillantes. Otras, no lo son tanto. Pero en todas ellas, Sandie, consigue adaptar de manera magistral su melódica voz, haciéndola sonar en algunas ocasiones, tenue y ligera y en otras, enérgica y poderosa, según lo requiera el momento. Muchos coincidiréis conmigo en que la versión del tema escrito por Jimmy Page y John Paul Johns, es el más sobresaliente de todo el disco.

Con el paso del tiempo, "Reviewing The Situation", logró convertirse en un álbum de culto y consiguió abrir los ojos de muchos escépticos que nunca creyeron en el verdadero talento de Sandie Shaw como intérprete.
En 2004, el sello discográfico UMC, lanzó una reedición remasterizada en formato CD, añadiendo diez pistas adicionales, con grabaciones que en principio también iban destinados al álbum original, pero que finalmente quedaron descartadas y archivadas.

Dejo en el enlace de descarga, tanto el vinilo original, en sonido mono, como la reedición remasterizada en estéreo, para que los más audiófilos podáis comparar las distintas calidades de sonido.

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Your Time is Gonna Go

Mama Roux

Love Me Do

Coconut Grove

Pete Townshend - Who Came First (1972)

Pues sigo desempolvando mis viejos y mas recordados vinilos, y uno de los que mas he escuchado en mi vida es este de "Pete Townshend" titulado "Who Came First". No me preguntéis por qué, aunque lo mas seguro es que sea que cuando eres muy joven y la pillas con un disco, lo pones hasta la saciedad y claro, se te queda grabado de por vida.

No se si será el mejor de "Townshend", pues no creo tenga una opinión imparcial, pero a mi me encanta.

Es curioso que cuando los cantantes de las grandes bandas sacan sus discos en solitario, se suelen rodear de los mejores músicos del momento, pero no es el caso de este disco, el primero de los que hizo en solitario, ya que el tío se lo hace todo, toca todos los instrumentos y además hizo la mezcla y la producción, con alguna pequeña ayuda, como es la de "Ronnie Lane" que canta en la segunda canción, creo.

Además es de la época en la que estaba mas pillado con las historias del hinduísmo ý el budismo, y que tenía apollardaos a un buen número de grandes músicos, aunque sirvió de rebote a crear muy buenos discos

Pues el tío era un seguidor del guru "Meher Baba" y muchos temas tanto en solitario como con "The Who" están inspirados en sus enseñanzas. Quien no recuerda el "Baba O'Riley" por ejemplo.

Y la portada, que decir de ella, con su mono de pintor sobre un montón de huevos ¡manda idem.!

Pero la música es realmente brillante, combinando la esencia "Who" con algo de sonido mas folk y algunos temas en plan intimista. Me lo acabo de escuchar un par de veces y me sigue gustando como siempre.

En fín, supongo que los que no conozcan este disco lo encontrarán flojete comparado con la fuerza de sus "Who", pero de eso se tratan los discos en solitario en hacer algo diferente a lo plasmado con sus bandas.

Nada mas, os dejo ya el track-list:

Pete Townshend - Who Came First  - Track Record – 2408 201 (1972)

A1 - Pure and Easy

A2 - Evolution

A3 - Forever's No Time at All

A4 - Let's See Action (Nothing Is Everything)

B1 - Time Is Passing

B2 - There's a Heartache Following Me

B3 - Sheraton Gibson

B4 - Content

B5 - Parvardiga

Un par de canciones, parece que siem0re digo lo mismo, pero me ha costado escogerlas, es que me parecen todas muy buenas:

Pure and Easy

Let's See Action (Nothing Is Everything)

Bueno, a ver que os parece este disco.

Hasta pronto.

25 TOP SPANISH YEYE GIRLS (5/25): BETINA

Las chicas ye-yé constituyeron la retaguardia musical de los 60. Llenaron de contenido los festivales de la canción y los programas televisivos. En general no vendieron demasiado y sus discografías están hoy más que olvidadas; sin embargo, en su momento protagonizaron un movimiento musical que no fue exclusivo de España, pero que aquí tuvo una difusión mayor que en otros países. Sus nombres llamativos, sus peinados arquitectónicos, sus buenas voces y su alegría en un país de señores serios y tristes edulcoraron la vida española durante los años del desarrollo. Una de las chicas ye yé de más amplia carrera y mayor éxito fue Betina. Claro, ese no era su nombre, sino el más prosaico de Mercedes Massaguer. Betina nació e hizo casi todo su recorrido musical en Barcelona, la ciudad que en aquel momento marcaba la pauta en el asunto de la canción moderna. Estudió varios años en el Conservatorio de su ciudad y a los trece años ya andaba deambulando por las emisoras. Su despegue lo obtuvo en el programa de Radio Nacional: Paso a la Juventud, presentado por Federico Gallo. Luego pasaría a Fantasía, donde cantaría cada semana junto a otras figuras recién aterrizadas por aquí como el francés Georgie Dann. En 1964 va a grabar su primer disco para la casa Zafiro: el single: “Fiesta en mi Corazón/ Nuevamente a mi Lado” (Zafiro, 1964). Pero el primer disco importante vendría solo unos meses después. Tendría forma de EP –“La Gente / En la Frescura de la Mañana / ¡Ahí Va! / Hay Tantos Chicos en el Mundo” (Zafiro, 1964)– y en él aparecía la canción: “Hay tantos chicos en el mundo”, que la dio a conocer en toda la radiodifusión española. En el número once de la revista Fonorama, publicado en febrero de 1965, se le hace un reportaje fotográfico muy completo y una entrevista que se inicia así: “Betina. Dieciséis años reidores. Con mucha ilusión por todo…”. Pero aquí hay que explicar algo. Para actuar profesionalmente era preciso tener 16 años y superar un examen del Sindicato de Artistas, Circo y Variedades, pero Betina había nacido el 6 de enero de 1950. Ella se presenta a dicho examen falsificando papeles y con el carnet de identidad de su hermana mayor María José… y aprueba. A partir de ahí, durante un par de años afirmará llamarse Pepita y tener dos años más de su edad real. Zafiro sacó hasta seis discos en un solo año para olvidarse posteriormente de ella y acabando por rescindir el contrato tras más de un año en blanco. Actúa en Cataluña y de tanto en tanto se deja caer por otras regiones, siempre acompañada por su padre que no la dejaba ni a sol ni a sombra. Empiezan a apodarla La Bomba, no se sabe muy bien el porqué, seguramente por su empuje en escena. Realiza sus primeras grabaciones en catalán, su idioma habitual. Va a pasar brevemente por el modesto sello Ekipo para ser enseguida repescada por EMI Regal, que relanzará su carrera, adoptando sus temas un aire más melódico y menos juvenil. Participa en los festivales de la canción más importantes del momento. Su mayor triunfo va a venir de la mano de la novena edición del de Benidorm, que ganará en 1967 con la canción “Entre los dos”. En aquellos tiempos dos artistas defendían por separado cada tema y en esta ocasión el partenaire de Betina fue el maduro italiano Tony Dallara. Antes de acabar su gran año, va a participar en el Festival del Mediterráneo cantando en catalán un tema del compositor y cantante Parera Fons: “T´Estim i T´Estimaré” (Regal, 1967), obteniendo el tercer puesto. No serán suficientes dos festivales en 1967. Dentro del mismo año es seleccionada para participar en el Festival Internacional de la Canción de Split, en el que obtiene el tercer puesto con “La Lancha” (Regal, 1967), de autor yugoeslavo, una de las más vibrantes interpretaciones de su carrera. Esas victorias la pusieron en órbita y durante un tiempo no paró de hacer galas en España y en Portugal, país que desde los inicios de su trayectoria visitó en varias ocasiones. El siguiente año viene marcado por una versión en español de un tema eurovisivo que le sentaba a su voz como anillo al dedo y que vendió un importante número de discos. Concretamente fue “Congratulations” (Regal, 1968). A partir de 1969 ficha por Marfer y aunque seguirá grabando con regularidad, su nombre irá oscureciéndose poco a poco, centrándose casi exclusivamente en Cataluña. Mercedes se casó en 1972 cuando la carrera de Betina llamaba a su fin. Bueno, llamaba a su fin aparentemente. Se enroló en la orquesta de Janio Martí, una de las más prestigiosas de la Ciudad Condal. Se enroló porque su marido también era músico y por no retirarse de golpe tras diez años de intensa carrera. Su idea era estar un par de temporadas… pero la incombustible Betina estuvo treinta, recorriendo medio mundo con sus nuevos compañeros y cantando música de baile de todas las épocas (La Fonoteca).

Os dejo con cuatro discos suyos. Buen Domingo.