domingo, 28 de mayo de 2023

25 TOP SPANISH YEYE GIRLS (4/25): ROSALÍA

“Ella fue la auténtica chica ye yé. No es que otras no lo fueran, pero ella representaba el paradigma de lo que entonces se entendía por una chica ye yé”. Así comienza Antonio Subirana la biografía que escribió para el CD recopilatorio “Rosalía. Todos sus EPs en Zafiro” (Rama Lama, 2003). Y es cierto. Rosalía es lo más aproximado a las ye yé francesas como Silvie Vartan, Sheila, etc. No me refiero solamente a sus canciones, sino a su aspecto físico, su modo de vestir que siempre anticipaba las modas, y su comportamiento público alejado a partes iguales de la mojigatería y el descaro con que se desenvolvían otras compañeras de camada. Madrileña de Chamberí, Rosalía Garrido Muñoz heredó de su padre la afición artística (en sus años mozos había sido boy de Celia Gámez) y de su madre, una belleza jovial que llamó desde niña la atención. Como toda una generación de cantantes, hizo sus primeras armas en la radio en programas como “Buenos Días, María”, presentado por Ángel de Echenique y “Conozca sus Vecinos”, presentado por Juan de Toro, en el que consiguió su primer premio consistente en veinte duros y un bote de Cola Cao. El éxito radiofónico la llevó a debutar en salas de fiestas madrileñas con dieciséis años y a hacer las primeras actuaciones fuera de la capital, destacando su viaje a Bilbao, donde actuó en la sala Arizona en varias galas. Más tarde, de vuelta en Madrid, actuará en el club Flamingo y en la parrilla del Hotel Rex. En 1961 concurre al Festival del Duero en el que obtiene el premio del público con “Romance de Andalucía” que no verá editado en disco hasta un año después. Un amigo le presenta aAugusto Algueró que va a lanzar su carrera discográfica, presentándola en Zafiro, que la transfiere a su subsello Iberofón. El primer disco para esta marca es un EP: “Rosalía en Benidorm” (Iberofón, 1962), aunque antes había hecho alguna grabación para el sello Toreador, de la que no hemos hallado vestigios. Por entonces, Rosalía se debate entre la copla y la canción melódica, luciendo ya la voz aguda que caracterizará toda su carrera. Su siguiente disco va a alcanzar una pizca de notoriedad gracias a su tema principal “El pañuelo manchado de rouge”. Seguirá fogueándose en programas radiofónicos, actuaciones en Madrid y algunos otros discos que venderán muy poco. Pero esto va a cambiar a partir de su EP: “Madisón” (Iberofón, 1963) y sobre todo de la versión cantada de la famosa pieza instrumental “Telstar” (Iberofón, 1963). Estos dos discos se van a vender más, pero sobre todo van a significar un cambio de estilo significativo. Bailes modernos, instrumentación más ligera y cambia los pantalones por las primeras pecaminosas minifaldas, se alisa el pelo, se peina con forma de casco con ese flequillo que conservará ya durante toda su carrera y transmite una imagen de modernidad que llama la atención de una juventud, que la convierte en un referente. El éxito de los dos últimos discos hace que la discográfica la pase a la etiqueta principal y comience a mimar su carrera. Antes de finalizar 1963 concurre al Festival de Benidorm, donde clasifica hasta tres canciones entre las diez primeras, entre ellas “La hora” con la que ganará el certamen. El otro ganador fue el cantante Alberto. Este tema supuso para ambos un tremendo éxito y en el caso de Rosalía aparecería en dos discos distintos. En uno acompañada por Los Relámpagos y en otro con orquesta. Antes de que se le pasase el moreno playero de Benidorm, pone en circulación un excelente EP de versiones: “Dile / Cúlpale a la Bossa Nova / La Clase Acabó / Como Tú no hay Ninguno” (Zafiro, 1963), que sería todo un suceso en el escaso mercado discográfico español del momento. Durante 1964 su principal disco será otro EP de versiones con temas como “Dominique” o “Sabato será”, que se escucharon más que los originales y es uno de los mejores de toda su carrera. En 1965 Augusto Algueró escribe varias canciones para la película “Historias de la Televisión” (José Luis Saenz de Heredia, 1965). Entre ellas se encuentra “La chica ye yé”, que en la cinta canta su protagonista Conchita Velasco, que vendió un buen montón de discos con este tema que, precisamente, intenta de algún modo ridiculizar a las ye yé, pero en el que la mujer en primera persona adquiere gran relevancia. No olvidemos que el ye yé fue un movimiento eminentemente femenino. Algueró no acababa de ver a Conchita en funciones de ye yé forzada y propone que Rosalía grabe esta canción y la edite en formato single, dándole una imagen más fresca al tema. “La Chica Ye Yé / Muñeca de Cera” (Zafiro, 1965) vende en la versión de Rosalía más de 30.000 copias y acaba por encumbrar a la joven estrella madrileña. Aquel mismo año 65 grabará una versión de“Flamenco”, de Los Brincos, el “Do wah diddy diddy”, de Manfred Mann y hasta un disco navideño, todo ello con unas ventas más que razonables. En 1966 va a tomar una decisión que en su momento va a considerarse como acertada y triunfal, pero que con el tiempo evidenció una cierta torpeza. Va a marchar a Argentina para abrir aquel mercado. Allí grabará nuevos discos, hará actuaciones en directo y televisión y hasta rodará una película junto al astro Palito Ortega; sin embargo, dejará el mercado y el público español desatendidos. Precisamente ese año arrancará la carrera triunfal de una cantante que había llevado una carrera paralela a Rosalía y, que de alguna manera, había sido la segunda ye yénacional. Esta cantante que eclosiona es Karina y cuando Rosalía regresa en 1967 la jiennense se ha adueñado de buena parte de aquel sector del mercado nacional. Cuando regresa graba dos buenos discos, un sencillo: “La Carta” (Zafiro, 1967) y un EP con cuatro canciones compuestas para ella por Juan y Junior. Ninguno de los dos da con la tecla del triunfo, al menos del triunfo entendido con mayúsculas y la estrella de Rosalía empieza a decaer. No le faltan galas por toda España, pero Zafiro no le presta la misma atención que en años anteriores. Por cierto, aquellas galas de cantantes como ella, o como Lita Torelló, o Gelu, se hacían sin grupo fijo de acompañamiento. Simplemente se enviaba a algún grupo de la zona o al que en ese momento tuviera contratado la sala las partituras y algunos discos y con eso y sin apenas ensayar se hacía la actuación. Se abarataban costes, pero a veces resultaba un tanto decepcionante. Harta de Zafiro, pasa a Belter en 1969. Rosalía quiere dar oportunidad a un joven pianista llamado Juan Carlos Calderón e impone sus arreglos en los primeros discos para esta compañía. Belter la inscribe en festivales como Benidorm, Málaga e incluso en la preselección para Eurovisión en 1970, pero a pesar de sus buenas interpretaciones y de alcanzar siempre plaza de finalista, no logra reverdecer viejos triunfos. De aquellos años su single más recordado es “III Festival de la Canción de Málaga" (Belter, 1970) con las canciones "Siempre fuimos compañeros" y "Amor gracias". TVE la incluye en festivales internacionales como Sopot o Varadero, en el que participa en un paquete de artistas españoles compuesto por Los Bravos, Michel, Luis Gardey y ella misma. Como se ve, todos ellos nombres ilustres que ya habían visto pasar sus mejores momentos. También participa con asiduidad en actuaciones oficiales organizadas por el Ministerio de Información y Turismo para nuestros emigrantes en Suiza y Alemania. Cerca del final de su carrera, aún obtendría de la mano de Algueró un éxito menor con “Los Dos” (Belter, 1972), que sería uno de sus últimos discos. Rosalía se había casado en 1968 con Ernesto Ortiz de Zárate, a quien conoció en su época argentina. Él se convirtió en su primer fan y la animó a continuar con su carrera y no retirarse tras la marcha nupcial como hacían la mayoría de sus coetáneas. Pero cuando en 1974 nace Ernesto, su único hijo, la cantante opta por retirarse del mundo del espectáculo. Una retirada que no tendría vuelta de hoja. En los 90 fijó su residencia en Campello (Alicante), donde fue concejala, aunque actualmente se confiesa desencantada de la política y vive dedicada únicamente a su familia. Se le ha requerido en muchas ocasiones para regresos y declaraciones en programas televisivos, pero Rosalía siempre se ha negado, aduciendo que quiere ser recordada como aquella chica ye ye de los 60 y 70. Una discografía difícil de conseguir, pues a pesar de su extensión en años y discos, apenas se ha reeditado una pequeña parte, lo que hace que pueda aparecer algo incompleta. Su voz aguda, sus minifaldas, su aire francés la convierten en una de las ye yé arquetípicas como escribía en el primer renglón de este perfil biográfico. Julián Molero - http://lafonoteca.net/grupos/rosalia
 
Os dejo con unos discos que he elegido al azar, pues es imposible hacer una selección totalmente representativa de su carrera. Buen domingo.

miércoles, 24 de mayo de 2023

"The Harvest bag" (sampler Harvest Records 1971)

Tras el éxito del doble “Picnic”, publicado el año anterior, EMI presenta en 1971 un nuevo sampler del subsello Harvest; para entonces es ya, junto con Island y Vertigo, una de las marcas más destacadas en el mundo de la música underground, cuya predominancia todavía durará otros tres o cuatro años. Solamente repiten tres de los nombres que formaban parte de aquel primer sampler: Barclay James Harvest, la Edgar Broughton Band y Roy Harper. Ninguno de los tres es una estrella rotunda, pero han sabido atraer a un buen sector de aficionados con gustos amplios. Por otra parte la canción de los Broughton pertenece a un single que no se incluyó en ningún Lp, lo cual le un da valor añadido, y la de Harper figura con un título distinto al que luego tuvo en su disco grande (y este tipo de detalles encanta a los coleccionistas). 

De las nuevas figuras incluidas aquí destaca la Electric Light Orchestra, que en realidad no es más que un cambio de nombre y de perspectiva: The Move, el grupo original, ya eran bastante populares en la Isla. Su última formación estaba compuesta por Roy Wood, Jeff Lynne y Bev Bevan; pero en 1970 Wood convence a los otros dos para hacer música sinfónica bajo una perspectiva rock/pop, y el año siguiente se publica el primer disco de la ELO. En poco tiempo, de la formación original solo quedará Lynne, convertido en amo y señor de la banda. Hay mucha gente que los considera un pastiche, pero no se puede negar que Lynne es un personaje muy tenaz: poco a poco, sus discos fueron vendiendo cada vez más hasta hacerse un hueco entre los clásicos del negocio durante los años 70/80. Y para los nostálgicos de los Move se incluye una de las canciones más populares de su último disco, publicado cuando ese nombre ya no era "operativo". 

Aprovechando el tirón que tiene por entonces Joe Cocker, Harvest publica un disco de la Grease Band, su banda de acompañamiento, y en este sampler incluye una de sus canciones, que es además la que lo abre. Los aficionados al folk tienen aquí la canción que abre el debut de los ahora llamados sencillamente Southern Comfort, la antigua banda del ex-Fairport Convention Ian Matthews, un culo de mal asiento que se ha marchado también de este grupo poco antes. El blues rock está perfectamente representado por los Climax Chicago Blues Band, que en 1971 van ya por su cuarto disco; también por el cuarto andan East of Eden, que comenzaron en Deram siendo una banda casi de lo que hoy se llamaría “word music” y en esta época hacen una especie de country rock mezclado con british folk muy curioso. Y por ultimo el dúo formado por John Mark y Johnny Almond, que entre otras cosas fueron integrantes de la banda de Mayall, donde se conocieron. Su música, exquisita, es un cruce entre jazz melódico y canción de autor con tonos ambientales. La canción que se presenta aquí cerrando el sampler pertenece a su debut de muy poco antes. 

En conjunto, este es un sampler de mucho nivel. No tuvo grandes ventas, ya que resulta un tanto selectivo, pero incluso en España era fácil de ver en las tiendas, con esa portada tan british. En fin, para gustos se pintan colores.

martes, 23 de mayo de 2023

Kortozirkuito Vol. 12 Cassette (Radio Sobrarbe 1994)


Pues seguimos con la serie, y ya vamos por el volúmen 12, así que ya solo nos faltarán ocho, y como siempre un repaso a la música que sonaba en mo programa de radio en aquel ya lejano 1994.
Pues también variedad, aunque con bastante presencia norteamericana y los alemanes se toman un respiro.
Vamos a ello:
Empezamos con "Kix" una banda de Baltimore a la que siempre han acusado de parecerse demasiado a AC/DC, aunque el tema de hoy es mas  rocanrrolero. activos desde 1981 y con un montón de Lps a sus espaldas, nos presentan esta "Same Jane" de su album "Hot Wire", quizás el mas exitoso de su carrera.


"Testa" y "Skin" tuvieron en esa época sus años dorados, con el típico heavy americano que tuvo un buen repunte en esa época. Dos buenas muestras de los disco que sacaron ese 1994.
"Bruce Dickinson" el cantante de los Maiden, izo sus intentillos en solitario, modernizando su sonido y en ese año lanzaría se álbum "Balls to Picasso·", un disco realmente brillante donde "Sacred Cowboys" era uno de sus mejores temas.
El guitarrista germano "Axel Rudi Pell", seguía sacando buenos discos a la misma velocidad que su hacha. esta "Cry Of The Gypsy" salió en su disco de ese año y con su inconfundible estilo y además con la increible voz de "Jeff Scott Soto", un mercenario de los mejores cantantes del heavy mas hard.
En plan clasicorro tenemos a los también americanos "Riot", otro de los grupos mas currantes, también con un buén montón de discos, todos a buen nivel. Esta "Babylon" se escoindía en su "Nightbreaker" de ese mismo año.
El trash, estaba que se salía y "Sepultura" era una de sus bandas punteras como demuestran con esta condensa "Biotech Is Godzilla", de menos de dos minutos, de su aclamado "Chaos A.D."


Y el cantante de esta banda "Max Cavalera" formó un proyecto paralelo llamado "Nailbomb", mezclando el trash con los sonidos industriales, fruto de lo cual salió un formidable disco titulado "Point Blank", otro de los mejores discos del género.
Y mientras tanto, otros de los grandes "Testament" seguían a lo suyo y ese mismo año sacarían un disco "Low" y hoy los tenemos con el tema que da título, con un  sonido un poco mas modernizado.
"Kyuss" es una banda que me encanta, y máximos exponentes de la corriente "stonner", enamorados del desierto donde vivían y haciendo una música que no podía ser mas arenosa, "100º" es una pequeña perla de su disco "Welcome to Sky Valley", un grandísimo disco, que espero presentar proximamente en este blog.
"Onslaught" podía ser considerada como una banda de culto, estos ingleses en activo desde 1983 también tienen infinidad de discos, aunque nunca han llegado a tener el reconocimiento que creo bien se merecen. Esta mini sinfonía de mas de doce minutos, es toda una obra maestra y estaba en el disco de 1989 "In Search Of Sanity", quizás uno de sus mas reconocidos.


Y acabamos con  otros pesos pesados como son  "Overkill" que en ese 1994 sacarían un muy buen disco "W.F.O." donde estaba esa "Bastard Nation", con la ya habitual intro de esas bandas antes de lanzarse a su típico y agresivo sonido.
Nada mas, s dejo con la lista de temas:

A1 - Sintonia Kortozirkuito (Iron Maiden)
A2 - Kix - Same Jane
A3 - Tesla - Action Talks
A4 - Skin - Look But Don't Touch
A5 - Bruce Dickinson - Sacred Cowboys
A6 - Axel Rudi Pell - Cry Of The Gypsy
A7 - Riot - Babylon

A8 - Sepultura - Biotech Is Godzilla
B1 - Nailbomb - For Fuck's Sake
B2 - Testament - Low
B3 - Kyuss - 100°
B4 - Onslaught - Welcome To Dying
B5 - Overkill - Bastard Nation
B6 - Despedida Kortozirkuito (Beer Mosh & Iron Maiden)


Las tres canciones.

Kix - Same Jan
Bruce Dickinson - Sacred Cowboys
Kiuss - 100°

Nada mas, espero os guste y hasta pronto.



domingo, 21 de mayo de 2023

25 TOP SPANISH YEYE GIRLS (3/25): GELU

En la calle Fábrica Vieja, de Granada vino al mundo María Ángeles Rodríguez Fernández, a veces conocida como "La primera chica yeyé". Su padre, que con el tiempo sería su representante y mejor aliado artístico, era un cantante aficionado y en casa la radio estaba puesta a todas horas. Pronto dejó los estudios de bachillerato para dedicarse a cantar. A los trece años, inscrita por su hermana mayor, se presenta a un concurso de Radio Granada: “Música al Azar”, con eliminatorias en los estudios de la emisora y victoriosa final en el teatro Isabel la Católica. La suerte estaba echada, Gelu, sobrenombre con el que la bautizó su hermano, iba a ser cantante. En esos años, su padre la había matriculado en el Conservatorio de su ciudad y en las clases particulares del maestro Novi, con quien aprendería los secretos de la voz.

Tras su triunfo granadino, se traslada a Madrid, pero allí, tras una prueba para la cadena SER, el experto de turno dictamina: “No sirve para cantar delante de un micrófono”. Con todo, vuelve a ganar en el concurso “Conozca a sus Vecinos” y su padre recurre a otro ilustre granadino, el periodista Tico Medina, que, a su vez, le recomienda a Jesús Alvárez, que trabajaba ya en una incipiente televisión de cartón piedra. Actúa en directo en un programa de televisión y empieza a ser una voz conocida. Regresa a Granada y actúa durante el verano de 1959 en el Balneario de Lanjarón. Algún directivo de La Voz de su Amo tiene ocasión de escucharla y convence a la familia Rodríguez de que allí, la niña no tiene ningún futuro y les recomienda trasladarse a una ciudad con mayores oportunidades.

La siguiente salida, en 1960, tiene Barcelona como destino, donde están radicadas casi todas las discográficas. Con quince años graba ocho canciones para La Voz de su Amo, que aparecerán en dos EP ese mismo año. En el primero de ellos, un par de títulos que se escucharán por doquier: “Los gitanos” y “Después de seis tequilas”, que la darán a conocer en toda España. Su voz aguda y juvenil, sus grititos y su especial afán en no parecerse a ninguna figura extranjera, aunque cantase sus mismos repertorios, la van a convertir pronto en una máxima figura de lo que entonces se llamó nueva ola y poco más tarde ye yé.

En sus primeros discos encontramos a una Gelu dedicada sobre todo a versionear canciones sudamericanas y francesas; sin embargo a partir de 1962 comienza a grabar éxitos italianos de Mina y Rita Pavone, con quienes su voz guardaba un cierto parecido. Temas como “Siempre es domingo”, “Renato”, “Enamorada” y “El partido de fútbol” la convirtieron entre 1962 y 1964 en la principal voz femenina española y en una de las mayores vendedoras de discos. Su buena voz, sus preciosos ojos verdes y su entrega juvenil hacían de sus directos auténticas fiestas. Son años en que graba mucho y con escaso criterio, pero en los que, al lado de canciones rutinarias, desliza interpretaciones realmente memorables. Pronto Rosalía, Betina y otras le disputan su trono, pero Gelu siempre fue la reina ye ye.

En 1964 conoce a Tito Mora, uno de los grandes cantantes del momento, con quien mantiene un sonado romance, y graba a dúo un par de discos. También colabora con Los Mustang y actúa a menudo en Portugal. Al año siguiente también hará una gira por América, New York incluido. Es la época italiana de Gelu y la mayor parte de sus canciones proceden del país trasalpino. Entre 1963 y 1965 es declarada por los oyentes del programa “Discomanía”, de Raúl Matas, mejor cantante femenina española. Entonces no había listas de ventas, pero el citado programa de la cadena SER era escuchado por un millón de personas cada tarde.

En 1965 y 1966 la voz femenina en el pop internacional se llama Petula Clark y Gelu hará versiones de sus temas que, como antes había pasado con la pecosilla Rita Pavone, se venderán más que los originales. Es su época pop con la canción inglesa como horizonte. A partir de esa fecha, los conjuntos mandan y las chicas ye yé deshacen sus peinados cardados y sus canciones románticas, pasando a un segundo plano. Gelu, definitivamente afincada en Cataluña, aún grabará algunos singles más que ya no se venderán tan bien como en años anteriores.

En pleno declive de su carrera conoce al cantante catalán Santy, bastante famoso en su tierra y apenas conocido fuera de ella. Se casan en 1968 y ambos abandonan sus carreras musicales poco después. Con veinticuatro años Gelu hace sus últimas apariciones en público. No le faltaron tentadoras ofertas, pero la estrella juvenil nunca volvió a los escenarios ni a las grabaciones. Tomado de La Fonoteca.

Su discografía es inmensa, pues diez años (1959-1969) dan para mucho. Os dejo ocho muestras de ello. Siete por un lado y otro aparte con su versión de nuestro himno yayé: "La chica yeyé". Buen domingo.


domingo, 14 de mayo de 2023

25 TOP SPANISH YEYE GIRLS (2/25): SONIA

Una de mis voces favoritas de esta serie y otra de las "olvidadas" chicas ye yé españolas. Nacida en 1948, en Barcelona, Pilar Espí pronto comenzó a demostrar sus dotes para la canción. Esto hizo que sus padres la matriculasen en el Conservatorio para estudiar la especialidad de canto y la presentasen en algunos programas radiofónicos, haciendo su debut en un programa infantil de Radio Barcelona. Pasó el tiempo, pero la afición de Pilarín, ya rebautizada como Sonia, no decreció. Venció en algún concurso de la radio y en 1962 sería la ganadora del Festival de La Garriga (Barcelona), uno de los muchos eventos destinados a promocionar poblaciones y descubrir nuevos valores de la música moderna. La consecuencia de este triunfo fue un contrato para un único disco con la casa Philips. Dicho microsurco va a aparecer en una corta tirada a principios de 1963. Se eligen dos temas procedentes del repertorio de la ye yé alemana Conny Froboess, que había representado a su país en Eurovisión y que triunfaba en media Europa con su “Zwei kleiner italianer” que aquí en España grabaron varias intérpretes. También incluía un tema del gran ídolo italiano del momento, Adriano Celentano. El disco pasó inadvertido y tampoco el sello hizo nada por promocionarlo, limitándose a cumplir el contrato. Al año siguiente, Sonia ficha por Belter, donde encontrará mayor apoyo. El sello catalán tenía una amplísima plantilla de intérpretes; sin embargo, no abundaban en él las chicas ye yé y vieron en Sonia la posibilidad de competir en ese duro sector del mercado con Zafiro, Vergara y Philips. El primer disco para su nueva marca ve la luz en abril de 1964: “Ouki Kouki / Hay Tantos Chicos en el Mundo / Labios Afortunados / No me Dejes” (Belter, 1964). Para la grabación, esta arropada por Latin Quartet, uno de los más veteranos y prestigiosos grupos de su sello, que se convertirán en acompañantes habituales en grabaciones y en algunas actuaciones de la cantante. Apenas un par de meses después del EP citado en el párrafo anterior va a aparecer otro, que colocará a Sonia en los primeros puestos de las entonces poco fiables listas de éxitos. “Si Tuviera un Martillo / Sus Quince Años / Compañeros / Antes de ti, Después de ti” (Belter, 1964). Aunque el tema que había popularizado Peter, Paul & Mary que encabeza el disco fue grabado por otros artistas españoles, esta versión se lleva el gato al agua y el nombre de Sonia suena en las emisoras de todo el país hasta el punto que todos comienzan a llamarla La Chica del Martillo. Antes de finalizar aquel año, se presenta con dos canciones en la primera edición del Festival de Mallorca. Ese par de temas aparecerían publicados junto a canciones de otras artistas participantes en dicho concurso. En 1965 grabará un nuevo EP que vendría encabezado por otro tema de origen alemán: “Wenn Ich Ein Junge War”, que había grabado Rita Pavone en ese idioma, y que aquí se tituló: “Si un chico fuera yo”. Junto a esta canción casi infantil, vendrían temas beat de Manfred Mann y Jimmy Duncan. Pasaría todo un año hasta que Sonia manufacturará su siguiente y último disco con el que demostró que se atrevía con todo, incluidos The Rolling Stones, de los que versionearia su “Get off of my cloud” y en el que también incluiría una buena lectura de “A lover’s concert” o “Concierto para enamorados”, el mismo tema con el que Karina conseguiría despegar definitivamente su carrera. Este disco supondría la despedida discográfica de Sonia, que se retiraría de la música hacia 1967, cuando aún no había cumplido los veinte. Nunca vería sus canciones reeditadas. Una voz potente y versátil, algo aniñada, que no obtendría excesivo apoyo en las discográficas y que seguramente mejor dirigida y con un repertorio más coherente y original hubiese llegado bastante más lejos. Hoy, solo el tesón de algunos coleccionistas contra la generalizada amnesia musical, permite que disfrutemos de sus ingenuas canciones. Os dejo cinco EPs para vuestro disfrute. Buen domingo.

jueves, 11 de mayo de 2023

THE OPTIC NERVE: "FOREVER & A DAY" (1993)

 


Iniciarse en el mundo de los conciertos con Ramones y James Brown no es algo que esté al alcance de cualquiera. Orin Portnoy asiste el 6 de Agosto de 1979 en Nueva York a un tal "Dr..Pepper Summer Festival" que anuncia a los de Queens como cabecera de cartel. El primer bolo de nuestro invitado se celebra en el Wollman Skating Rink (la famosa pista de hielo al sur de Central Park) y Orin recuerda como muchos de los espectadores, subidos a las sillas plegables extendidas a lo largo del espacio disponible, van cayendo desmadejados al suelo mientras bailotean el inicial "Rockaway Beach". 

De la actuación de James Brown, Orin tan solo acierta a ubicarlo en un Palladium Theater cercano a Times Square. Aquel día tenía intención de gastarse 30 dólares en una próxima tienda de ropa de moda. Un tipo le aborda y le ofrece un ticket para el concierto del Padrino del Soul, cuarta fila, justo enfrente del escenario. Orin, por entonces un adolescente criado en las calles vecinas al mismo Central Park, no duda un solo instante... "Fuck Yeah!!"

Este Orin Portnoy conforma con su hermano Elan la rama neoyorquina de The Optic Nerve. Bobby Belfiore e Ira Elliott constituyen el ramal Washington D.C. Bobby reconoce la gran diferencia entre las escenas de la capital federal y la de NYC. "Crecí en Washington D.C. y me enrollé en la escena musical en 1979. Por entonces, comparado con NYC, D.C. era una pequeña ciudad del sur. La escena musical era muy diversa, incluía desde la "new wave"  y el rockabilly hasta el inicio del hardcore punk". Desde Filadelfia, Frank Manlin cierra el círculo de los miembros originales de la banda. Por allí también domina el hardcore punk, su banda, Der Mond, es una de las clásicas en el circuito de clubes locales.

En 1983, cuando Bobby Belfiore decide mudarse a NYC, la ciudad sigue lamiéndose las heridas tras la caótica década de los 70. La Gran Manzana bulle con bandas que revitalizan el sonido garaje de los 60. Lyres, Cynics, Chesterfield Kings, Fuzztones. A estos últimos se suman como miembros estables Ira Elliott y Elan Portnoy. Bobby recluta entonces a Tony Matura como guitarra solista y voz. Frank Manlin permanece al bajo y Ken Anderson se suma a la batería. La banda, más que un grupo definitivamente consolidado, funcionaba entonces como una jam-band de amigos frikis y colegas del circuito de locales de Manhattan y Brooklyn. El "Nuggets" de Lenny Kaye (Elektra Rcds, 1972) ejerce una enorme influencia sobre todos los miembros de la banda. La por entonces ya reconocida pujanza de Velvet Underground también contribuye a marcar el carácter del grupo.

Entre 1986 y 1988 The Optic Nerve cuentan con suficiente material propio. El.sello Cryptovion, un pequeño negocio familiar que incorpora estudio de grabación en el Lower East Village, les publica sus dos primeros EPs. "Forever & A Day", su Lp de debut, se graba ese mismo 1988 pero no se publicará hasta 1993. El esfuerzo conjunto de los sellos alemanes (Screaming Apple) y británicos (Merry Go-Round Rcds) harán posible la proeza.  Por entonces la banda ya está disuelta..

"Forever & A Day" - sinónimo del "hace un montón de tiempo" - contiene un total de 10 temas, realmente a cual mejor. En muchas de las canciones (la gran mayoría de ellas compuestas por Bobby Belfiore) destacan chispeantes acordes de guitarra Rickenbacker, emocionantes armonías vocales, riffs con fuzz psicodélico, inquietas lecciones eléctricas dylanianas, todo ello enmarcado en un acertadísimo conjunto de melodías Byrds, empuje Sonics / Standells / Litter, elegancia Beau Brummels e inspiración Lovin´Spoonful, en los temas más sosegados aparece entre líneas el inmejorable eco de Velvet Underground. Una auténtica delicia para los amantes de estos ambientes. Lamentablemente, en el momento de la publicación (1993) de "Forever & A Day", The Optic Nerve no encontraron un público mayoritariamente dispuesto a aceptar su propuesta musical.

Como colofón, informar a la audiencia interesada que el sello Guerssen reeditó el año pasado este "Forever & A Day", además de su magnífica recopilación "Lotta Nerve" (originariamente publicado en Get Hip Recordings, 1994). Ese mismo 2022, el sello catalán sacó también al mercado "On!", un Lp que contiene quince nuevos temas de la banda (aquí se mantienen Belfiore y Matura y se incorporan Tom Ward al bajo y Mike Linn a la batería) grabados por sorpresa en 2005 y que permanecían todavía en el anonimato. Estos acontecimientos, que sin duda han servido para mejorar la exposición mediática de la banda, sumados a recientes declaraciones de algunos de sus miembros, en las que afirman tener un nada despreciable stock de nuevo material, hacen que confiemos en una próxima revitalización de una banda, The Optic Nerve, que mereció (y sigue mereciendo) mucha mejor suerte.





martes, 9 de mayo de 2023

V.A. As Good As It Gets Skiffle (2 CD´s) (Great British Skiffle)


Bueno, pues ya hace mucho tiempo que le tenía ganas a presentaros algo de "Skiffle", y es que hasta hace tres años era un género prácticamente desconocido para mi, pero cuando realizaba un trabajo sobre "Joe Meek",  descubrí que ese señor, en la segunda mitad de los años cincuenta, estaba involucrado en infinidad de grabaciones de ese estilo y así empecé a investigar, llevándome una gran sorpresa, pues es un estilo de esos que entran solos y realmente muy fresco para esos años.
Pues el "Skiffle" parece ser que es un estilo norteamericano de la primera mitad del siglo XX, y como tantos otros un poco indefinido, parece ser que era la música de los pobretones que tocaban con instrumentos caseros, en cualquier sitio y en los estilos de la época, dixieland, bluegras, etc.
Pero en el Reino Unido, a mitad de los años cincuenta surgió como una explosión, ante un panorama realmente aburrido copado por las orquestas de jazz, las varietés y su folk tradicional, pero los músicos tomaron toda esa tradición norteamericana y lo adaptaron a su país.
Una música de gran vitalidad con muchas influencias del country, el viejo jazz y todos los estilos venidos del nuevo continente.
Fue realmente la primera revolución musical de ese país y cuentan, que no se si será verdad, que había cincuenta mil bandas de Skiffle en el país, muchas me parecen y la juventud rápidamente se aupó al carro, probablemente por que no había nada mas excitante en ese momento.
Lonnie Donegan fue sin duda su abanderado, cosechando innumerables éxitos y vendiendo infinidad de discos, y así empezaron los primeros programas de radio "para gente joven", y el Skiffle" fue la gran antesala del rock and roll británico, del beat y de la "British Invasion", con lo cual dominarían el mundo musical.

Este doble álbum, es una pequeña muestra de este estilo, con grandes de sus grandes clásicos y además con unas cuantas versiones de temas venidos del otro lado del oceano, mucho banjo, violín, guitarras e instrumentos traperos. Y hablando del banjo, siempre me he preguntado por que no ha sido un instrumento de primer orden, pues es de los instrumentos mas cañeros que hay, rivalizando de tu a tu con las guitarras mas afiadas o los saxos mas agresivos.
Bueno, os dejo el track-list y de los grupos que os gusten, podéis investigar un poco, que creo vale la pena:


CD 1

01 - The Vipers Skiffle Group - Gloryland
02 - Johnny Duncan And The Bluegrass Boys - Get Along Home Cindy
03 - Lonnie Donegan And His Skiffle Group - Lost John
04 - Les Hobeaux Skiffle Group - Toll The Ball Easy
05 - Lonnie Donegan Skiffle Group Featuring Dickie Bishop - Jesse James
06 - The Vipers Skiffle Group - Cumberland Gap
07 - Johnny Duncan And The Bluegrass Boys - Last Train To San Fernando
08 - Jimmy Jacksons Rock N Skiffle - California Zephyr
09 - Original Barnstormers Spasm Band - Won't You Come Home Bill Halle
10 - The Vipers Skiffle Group - Won't You Rock Me Daddy O
11 - Les Hobeaux Skiffle Group - Hey Hey Daddy Blues
12 - Chas Mcdevitt Skiffle Group Featuring Nancy Whiskey - I'm Satisfied
13 - Lonnie Donegan Skiffle Group - Midnight Special
14 - Chris Barber Skiffle Group Featuring Johnny Duncan - Doing My Time
15 - The Vipers Skiffle Group - Streamline Train
16 - Johnny Duncan And The Bluegrass Boys - Footprints In The Snow
17 - Original Barnstormers Spasm Band - Runnin' Wild
18 - Johnny Parkers Washboard Band - Canine Stomp
19 - Les Hobeaux Skiffle Group - Mama Don't Allow
20 - Lonnie Donegan Skiffle Group - Railroad Bill
21 - Jimmy Jacksons Rock N Skiffle - I Shall Not Be Moved
22 - Original Barnstormers Spasm Band - Whistling Rufus
23 - The Vipers Skiffle Group - Ain't You Glad
24 - Les Hobeaux Skiffle Group - Oh Mary Don't You Weep
25 - Johnny Duncan And The Bluegrass Boys - Rockabilly Baby
26 - Lonnie Donegan And His Skiffle Group - Stackalee
27 - The Vipers Skiffle Group - 10,000 Years Ago
28 - Original Barnstormers Spasm Band - That's All There Is
29 - Chris Barber Skiffle Group Featuring Ottilie Patter - Bearcat Crawl
30 - Chas Mcdevitt Skiffle Group Featuring Nancy Whiskey - Green Back Dollar
31 - Original Barnstormers Spasm Band - Stormin' The Barn

CD 2

01 - The Vipers Skiffle Group - Railroad Steamboat
02 - Lonnie Donegan Skiffle Group - Bring A Little Water Sylvie
03 - Chris Barber Skiffle Group Feat. Johnny Duncan - Where Could I Go
04 - Original Barnstormers Spasm Band - Shine
05 - The Vipers Skiffle Group - Pick A Bale Of Cotton
06 - Chas Mcdevitt Skiffle Group Feat. Nancy Whiskey - Freight Train
07 - Don Lang - 6.5 Special
08 - Jimmy Jacksons Rock N Skiffle - River Line
09 - Johnny Duncan  And  The Bluegrass Boys - Blue Blue Heartache
10 - Lonnie Donegan Skiffle Group - Im Alabammy Bound
11 - Levee Breakers - Wild About My Lovin
12 - The Vipers Skiffle Group - Hey Lily Lily Lo
13 - Original Barnstormers Spasm Band - Sugartime
14 - Chas Mcdevitt Skiffle Group Feat. Nancy Whiskey - Poor Howard
15 - Johnny Parkers Washboard Band - Number 69
16 - Jimmy Jacksons Rock N Skiffle - Lonely Road
17 - The Vipers Skiffle Group - Maggie May
18 - Levee Breakers - Babe Im Leaving You
19 - Original Barnstormers Spasm Band - I Never Knew
20 - Johnny Duncan  And  The Bluegrass Boys - Ella Speed
21 - The Vipers Skiffle Group - I Know The Lord Laid His Hands On Me
22 - Blind Willie Dunns  Gin Bottle Four - Jet Black Blues
23 - Original Barnstormers Spasm Band - Tiger Rag
24 - Johnny Duncan  And  The Bluegrass Boys - Itching For My Baby
25 - The Vipers Skiffle Group - It Takes A Worried Man
26 - Chris Barbers Jazz Band Feat. Ottilie Patterson  And  Johnny Duncan - Lowland Blues
27 - Blind Willie Dunns Gin Bottle Four - Blue Blood Blues
28 - Jimmy Jacksons Rock N Skiffle - This Little Light Of Mine
29 - The Vipers Skiffle Group - Homing Bird
30 - Don Lang - Ramschackle Daddy



Unas canciones de muestra, todas grandes clásicas ya.

Lonnie Donegan And His Skiffle Group - Lost John
Johnny Duncan And The Bluegrass Boys - Last Train To San Fernando
The Vipers Skiffle Group - Pick A Bale Of Cotton

Pues nada mas, aquí una muestra de las raíces de la música británica, espero os guste, o al menos os sorprenda... Pero cuidado, que esto crea adicción.
Hasta pronto.

domingo, 7 de mayo de 2023

25 TOP SPANISH YEYE GIRLS (1/25): SILVANA VELASCO

Lo voy a dejar muy claro desde ahora mismo: para mí, la única y verdadera chica yeyé es Silvana Velasco. A lo largo de los años creo tener todos los discos de la chicas yeyé patrias, de haberlos oído todos. No hay una idea consensuada de lo que fueron las chicas yeyé en nuestros lares, pues el libro de los gustos aún no está escrito. ¿Una especie de movimiento social? ¿Una reivindicación de nuestra música y su excelente adaptación a los tiempos? ¿Una herramienta de propaganda? ¿Internacionalización, homogeneización, aires de libertad, ráfagas de cambios de mentalidad? Para mí, lo más importante es que lo viví desde pequeño con mi madre y mis tías, que tarareaban sus canciones durante décadas, que se sentían todas ellas chicas yeyé, allí, en un pueblo perdido andaluz, que sus fotos antes de esposarse mostraban unos vestidos y unos peinados que nacieron de lo yeyé, y que ellas mismas también forman parte de todo esto, como cualquiera de nuestras madres en los años 60. Si quería hacer feliz a mi madre, bastaba con poner esa música en el coche, reviviendo algo así como su patrimonio vivencial. Es decir: era parte de su vida, si no su vida misma. 

Es dejo una antología, un resumen, de Silvana Velasco con 22 de sus canciones, dando inicio así a esta serie que me ha sido bastante difícil de componer, porque todas me gustan, cada una a su manera: las de potente voz, las de estética dudosa, las raciales... Con que disfrutéis una sola de sus canciones me valdrá. Buen Domingo.

jueves, 4 de mayo de 2023

Kortozirkuito Vol. 11, Cassette (Radio Sobrarbe 1994)


Continuamos con esta serie con el vol. 11, que originalmente data de 1994 y que recoge música de los noventa.
Tenemos nuevamente bastante representación germana, que tuvieron una época de esplendor, y que a mi personalmente me gustaban bastante contrastando con los sonidos mas duros del trash metal, todos conviviendo amigablemente.
Vamos a darle un repasillo:
Empezamos con los germanos "Running Wild", presentes en bastantes volúmenes, y es que su producción es espectacular, hoy tenemos esta mini-sinfonía titulada "Treasure Island", sin duda uno de sus mejores temas, con la habitual temática de piratas.


Los daneses "Merciful Fate" llegaron a tener mucha popularidad gracias a su temática ocultista y sus voces chirriantes, que a mi siempre me han costado un poco, pero aún así tienen grandes temas.
Los noruegos "Conception" tuvieron buena fama en esa década, con su mezcla de metal y progresivo, pero muy contundente, sin llegar a cansar.
Completan la saga alemana dos bandas mas, "Helicon" y "Rage", los segundos son sin duda de las mejores bandas de Power metal.
Y en "Japón" es tradicionalmente una de las mecas del heavy metal y paso obligado de todas las bandas mundiales, y también tuvieron las suyas, y entre ellas los mejores sin duda fueron los "Loudness", con uno de los mejores guitarristas "heavys" Akira Takasaki, todo un icono y no solo en Japón.


Entre los "Trash", tenemos a tres de sus máximos exponentes, "Metallica",  "Sepultura" y "Pantera".  Como curiosidad el "Last Carest" de los "Metallica", que apareció en un trabajo en directo y es espectacular, y encima no llega al minuto y medio.
En esos años "Pantera", la banda de "Phil Anselmo" tuvo su época de esplendor aunque ya llevaban unos cuantos años funcionando.


Y entre los desconocidos, tenemos a "Sacred Reich" o "Seven Angel", con el típico sonido trash metal, y donde la influencia de "Metallica" se nota sobre todo en los primeros.
Nada mas, os dejo ya con el track-list:

A1 - Sintonia Kortozirkuito (Iron Maiden)
A2 - Running Wild - Treasure Island
A3 - Merciful Fate - Shadows
A4 - Conception - Roll The Fire
A5 - Metal Church - Conductor
A6 - Helicon - It's Rock'n Roll
A7 - Metallica - Last Caress

B2 - Rage - Baby I´m Your Nightmare
B3 - Loudness - Everyone Lies
B4 - Sepultura - The Hunt
B5 - Seventh Angel - Falling Away From Reality
B6 - Sacred Reich - Independent
B7 - Pantera - Becoming
B8 - Despedida Kortozirkuito (Beer Mosh & Iron Maiden)


Y como colofón un par de canciones, curiosamente la mas larga y la mas corta.

Running Wild - Treasure Island
Metallica - Last Caress

Pues nada mas, espero os guste este nuevo volumen. Hasta pronto.