WAYNE KRAMER

Si, no me queda más que aceptar el reproche. Como tantos otros despistados, pasé de largo sobre ese breve y enigmático texto en el reverso del "Radio Ethiopia" de la Patti Smith Group (Arista Rcds, 1976). Allí, bajo la fotografía en blanco y negro de la banda, aparece un concluyente mensaje: "Free Wayne Kramer". El guitarrista de MC5 llevaba apenas un año encarcelado en la Lexington Federal Prison, un centro-granja especializado en la rehabilitación de toxicómanos extremos. Al mismo tiempo que cumplían su condena (a Wayne le cayeron dos años al intentar vender cocaína a un par agentes anti-narcóticos encubiertos) los internos se sometían a terapias-piloto, presuntamente innovadoras en el proceso de curación; años más tarde la prensa alternativa aireaba las condiciones del centro; lo de siempre, con la promesa de una reducción de condena no fueron pocos los prisioneros que se ofrecieron voluntarios para participar en las más extravagantes y peligrosas experiencias.

Pasé una buena parte de la década de los 90 experimentando el altísimo voltaje del entonces llamado punk-melódico. Bandas como Bad Religion, Pennywise, Down by Law, The Offspring, SNFU, NOFX, Claw Hammer retumbaban a todo trapo en mi sistema cerebral. El líder de Bad Religion, Brett Gurewitz, fue el factótum que posibilitó tal hazaña, el profesor chiflado de esta historia. Creador, junto a Greg Graffin, del sello Epitaph (inspirado por el homónimo tema del "Red" de King Crimson), Brett fue el que abrió las puertas para que las formaciones mencionadas (y el estilo del que eran estandartes) tuvieran espacio y reconocimiento en una época que anunciaba cambios y cierta revitalización de la escena musical.

Brett Gurewitz se convierte además en el inesperado nexo de unión entre el high-energy sound de Detroit y el punk-melódico que lideraba con su sello Epitaph. Lo hace consciente de que WK, ya superada su etapa en Lexington, vuelve a encontrarse en plena forma por aquellos primeros años 80. Sus recientes grabaciones con el príncipe Johnny Thunders en Gang of War y el ex-Deviants Mick Farren en Death Tongue, muestran al legendario guitarrista de los 5 como un nuevo brother Wayne Kramer. Nada que ver con el icono revoltoso de la escudería John Sinclair, WK se ha acogido en Lexington al tutelaje de otro interno, Red Rodney (trompeta en algunas grabaciones de Charlie Parker), este le ha enseñado a leer e interpretar partituras y, sobre todo, a utilizar la música como vehículo de curación y reinserción social.

De esta fructífera relación entre Gurewitz y Kramer nacen cuatro álbumes en el sello Epitaph. "The Hard Stuff" (1995), "Dangerous Madness" (1996), "Citizen Wayne" (1997) y "LLMF" (1998). Yo he traido hoy a esta bitácora el primero de ellos, "The Hard Stuff", una auténtica bomba ectoplasmática grabada en los Westbeach Studios de Hollywood a finales de 1994. WK se hace acompañar de los miembros de otra banda favorita, los Claw Hammer, también de The Melvins, de los propios Bad Religion y de Suicidal Tendencies. En el reverso del Lp, el Henry Rollins de Black Flag hace un emocionado alegato sobre la importancia seminal de grupos como Stooges, Black Sabbath y, no podía ser de otra manera, los 5 de WK... "I put it on and am running back to the stereo to turn it up louder because it´s so great. This is the hard stuff". Poco más que añadir.

Cortes de riffs estratosféricos, melodías pure-high-energy, base rítmica contundente, calor de olla a presión, vapor condensado en vestuarios llenos de college-girls quitándose los patines, melenas rizadas al aire, cervezas (muchas cervezas), abruptos gestos corporales que emulan punteos, golpes de batería, manos al escroto, puños en alto, los colegas se quitan las mascarillas, se empujan entre sí, alocadamente, luchan sin cuartel, ¡a mi Sabino que los arrollo!...  en cualquiera de sus temas, "Crack in the Universe", "Bad Seed", "Poison", "Realm of Pirate Kings", "Pillar of Fire", "Hope for Sale", "Edge of the Switchblade" se palpa ese inigualable ambiente; en otros, "Junkie Romance", el sentido homenaje al amigo Thunders, en "Incident on Stock Island" y "Sharkskin Suit", el spoken-word (el primero de ellos digno de un breve corto en los que Billy Bob Thornton y Steve Buscemi podrían ser protagonistas).

Brothers and sisters, estos discos mencionados de WK son absolutamente recomendables, y lo son con mucho más motivo en este tiempo de post-pandemia en el que estamos incursos. Frente a la tontuna del botellón, los estrechos toques de queda, mejor quedarse en casa, poner el volumen del equipo bien alto y dejarse llevar por las imágenes de los próximos conciertos en los que pronto espero verles.

La Yenka, la Bostella y el Quando. Bailes curiosos de mitad de los 60

 

En el año 1965 el twist ya quedaba lejos, y nuevos y efímeros bailes vinieron a saturar el panorama. Bailes sencillos, en pareja delante de los demás amigos, y mínimo contacto, además de muy, muy comerciales. Uno de los que se puso de moda fue el baile de la Bostella. Inventado en 1965 por el periodista francés Yvan Honoré Bostel en París y nombrado así en su honor. La Bostella se baila en grupo, como todos los bailes que han de cumplir una función socializadora y homogeneizante. Los ejecutantes que aplauden bailando, este paso se llama Allegresse. En las partes lentas de la música usted tiene que arrodillarse abajo o rodar abajo y rodar en el piso, este paso se llama détresse o lamentation. El Bostella es un baile de música, que sólo se puede bailar a una pieza específica de la música. En la película "¿Qué hay de nuevo, Pussy?", Romy Schneider y Peter O'Toole bailaron la Bostella en 1965. En 1968, con el Coro Gerd Michaelis, Ralf Petersen produjo el "Blue is the Night", himno póstumo, de los cuales existen más de 20 grabaciones diferentes.

El Bostella rivalizó aquí dos creaciones patrias. La primera de ellas fue el “Quando”. Musicalmente era un aire de reminiscencias sudamericanas, concretamente de carnavalito al que el sonido del acordeón del argentino Ricardo Ceratto  imprimía un sello peculiar y bastante distinto a otros bailes en boga. Junto a Joaquín Laria (bajo y trompeta), el batería Fernando del Olmo, Emilio Cámara y Luis Carmona formaron los “Quando’s”. Algunos de sus discos lograron un éxito importante, con actuaciones televisadas. Y se bailaba así:

“Primer Movimiento: Se juntan las rodillas, doblándolas hacia adelante, efectuando un balanceo de izquierda a derecha sin mover los pies. Segundo Movimiento: Se da un paso al frente con el pie derecho hacia adelante y seguidamente se dan dos palmadas sincronizadas con la orquesta a la voz de ¡Quando!. Ese movimiento se repite alternativamente con el pie izquierdo. Tercer movimiento: Girando sobre sí mismo, se sitúan las parejas, espalda contra espalda y extendiendo los brazos en cruz se repite el movimiento anterior solo que en lugar de palmas se hacen pitos con los dedos. Este movimiento se repite alternativamente con el pie izquierdo. Cuarto Movimiento: Se avanza el pie derecho hacia el lado izquierdo y adelante y al mismo tiempo se hacen pitos con los brazos extendidos hacia abajo en posición paralela a la del pie. Este movimiento se repite alternativamente con el pie izquierdo, siguiendo el ritmo de la música".

El tercer baile competidor fue la Yenka de Johnny y Charly. Charles Recourt vivía en Barcelona y trabajaba en lo que podía mientras soñaba con ser una estrella del pop. Había nacido en Ámsterdam y encontró a otro holandés como primer aliado, Tony Ronald, que también residía en la capital catalana, donde trabajaba en el puerto como estibador. Como a Tony lo que le gustaba era el rock & roll y no el pop, y dado que las grabaciones y conciertos de Tony & Charley apenas obtenían impacto, partieron peras en 1962. Entonces el bueno y alto de Charley Kurt, que era como firmaba sus canciones para parecer más guay, convenció a su hermano Johnny, tan rubiete y sonriente como él, de formar un dúo. Una de sus primeras canciones fue La yenka, grabada por Waldo de los Ríos, un joven productor argentino que era un prodigio: poco después se consagraría como arreglista de tronío de Raphael, Jeanette, Karina, Paloma San Basilio y mil artistas más, con éxitos internacionales como el Himno de la alegría de Miguel Ríos, además de colaborar con Chicho Ibáñez Serrador. Hispavox publicó tímidamente La yenka en 1964, pero fue el año siguiente cuando la bola de nieve se lanzó cuesta abajo hasta convertirse en la canción más escuchada de aquel año para la historia. Poco después de llegar al número uno, en la madrugada del 28 de febrero de 1965, unos cada vez más solicitados Johnny & Charley regresaban a casa de madrugada tras un concierto en Reus cuando, en el peligroso cruce de la N-340 con la carretera que va a Salou, junto a Tarragona, sufrieron un terrible accidente de coche. Tardaron un mes en salir del hospital. Johnny se recuperó de las heridas en Valencia, donde se acababa de casar con una chica española; Charley regresó a Barcelona, pero las complicaciones producidas por los numerosos traumatismos hicieron necesaria una nueva operación, que no superó. Falleció el 15 de abril a la edad de 27 años. Fue una victoria épica, pero también trágica. Mientras todo el mundo se lo pasaba pipa con su alegre cancioncilla inspirada en un baile folclórico de Finlandia, el autor de La yenka llevaba varios meses enterrado en un cementerio de Barcelona. Poco tiempo después, su hermano Johnny se volvió a su país y dejó la música. 

 

FRANCES CARROLL & THE COQUETTES 1939

 

Frances Carroll & The Coquettes era el nombre de una orquesta femenina de Jazz Swing, fundada en 1938 por la percusionista Viola Smith y su hermana Mildred que tocaba el violín bajo. Viola fue una de las primeras bateristas profesionales de la historia y prolongó su carrera tocando con difrentes bandas hasta 1975. Falleció en 2020 a la increible edad de 107 años.

Este video que aquí os presento está fechado en 1940, aunque en el copyright de los créditos indica claramente en números romanos 1939.                                            La pelirroja Frances Carroll, canta "When I Swing my Stick", al mismo tiempo que baila y dirige esta orquesta de encantadoras señoritas de una manera magistral, con una sensualidad y un glamour exquisitos. No se me ocurre ningun hombre que haya podido hacer lo mismo. Si cerrásemos los ojos, nos perderíamos una parte fundamental del espectáculo, pero nadie podría adivinar que se trata de una banda integrada exclusivamente por mujeres, y aunque no soy un experto en la materia, pienso que poco o nada tiene que envidiar a las mejores Big Band contemporáneas, como la de Benny Goodman o el mismísimo Glenn Miller. 

V.A. Aragón Mosica Y Borinas (Folk, Rock)

Pues voy a rescatar una curiosa colección que se fraguó hace ya ocho años dedicada a la música aragonesa, en tres volúmenes, uno dedicado al folk y otros dos al rock, pero la historia es mas que curiosa.

Al poco de crear mi blog "Tommentón En La Cuadra", contacté con otro blog, esta vez griego "Boozetunes" y allí conocí a mi gran amigo Fuzzy Daddy, persona afable, entregada y con una ilusión desbordante, y entre nosotros hicimos buen numero de intercambios musicales. Un día me escribió diciéndome que estaba trabajando en una colección muy difícil para él, y a los dos días ya me envió los dos primeros volúmenes de estos "Aragón, Mosica y Borinas".

Ni que decir tiene que me quedé pasmado, y preguntándome de donde habría sacado estas canciones, muchas de ellas totalmente desconocidas para mi y grupos que no había oído en mi vida, con lo cual tiene un gran valor al haberla realizado un griego.

Solo le sugerí añadir la última canción de cada volumen, "El Canto A La Libertad" de "Labordeta", todo un himno en Aragón, y "Rege De Los Monegros" de "La Escoria Oriental", otro himno, que recuerda el sufrimiento del pueblo Aragonés por culpa de la política hidráulica del caudillo.

Ya animados por la idea, junto con Sebi (Rodillo´s Queen) y con la ayuda de Jesus y Tere de Zaragoza montamos el tercer volumen.

Y como soy un manta declarado, copio y pego las presentación que salieron en su dia en el blog griego:

La serie "Aragón, Mosica y Borinas", es especial para nosotros. La música proviene de España y de la región de Aragón, en el norte del país. La idea y el motivo de realizar esta serie es la relación personal, la amistad y el respeto mutuo que conecta a los colaboradores de este blog con el maravilloso "Tommentón En La CUadra"

Esta serie está dedicada en primer lugar al hermano José y a su compañera de vida Sebi y, por supuesto, a todas las personas hermosas de este rincón especial del mundo. Un gran y orgulloso país con muchas áreas intactas por el tiempo. Los picos nevados de los Pirineos, las llanuras solitarias, los magníficos cañones con abundante agua, esas hermosas casas, son imágenes que fascinan y emocionan la mente.

Entonces, esta primera parte está más cerca de la tradición musical y los colores de la región e incluye algunos artistas tradicionales y algunos contemporáneos. ¡Disfrutar!

Fuzzy Daddy

Cuando Fuzzy Daddy me envió el primer recopilatorio de Mosica y Borinas (música y juerga en lengua aragonés) con los artistas folclóricos aragoneses, me quedé atónito porque pensé que esta música es difícil de conocer más allá de nuestras fronteras.

Aragón es una tierra dura del norte de España, donde la música rock siempre ha sido muy popular. Otros estilos como el pop o el punk nunca han podido competir con el rock.

Estos dos volúmenes (2 y 3) son un buen ejemplo de las bandas que marcaron la vanguardia del rock en Aragón durante los años 80 y 90. Encontrareiss grupos muy conocidos con fama internacional como los Héroes del Silencio y bandas locales con un demo casete, imposible de encontrar y escuchar en ningún lado, como Extasis, una banda legendaria del Sobrarbe, vecinos y amigos mios , con una demo de cuatro. canciones que deberían pasar a la historia del rock. También escucharéiss a Tako, banda con 30 años en la carretera, Distrito 14 y Dias De Vino y Rosas de Zaragoza, junto a bandas menos conocidas pero igualmente interesantes. También hay bastantes grupos de Huesca, mi provincia, entre los que se encuentran los míticos Mestizos y La Escoria Oriental con su himno Regue Monegros, junto con los Proscritos y Estigma.

Espero que disfrutéis de esta breve mirada a la música rock de Aragón, música rock hecha con el corazón. Me gustaría dedicar el Volumen 3 a Gilito, nuestro amigo en el cielo, seguro que está descargando estos discos ahora mismo.

Gracias a Fuzzy Daddy por mostrar esta música al mundo entero y a Crazy Mama por las grandes portadas. Supermaño y La Virgen del Pilar son los dos personajes más emblemáticos de Aragón.

¡Disfruta Mosica y Borinas!

José Kortozirkuito

Vol. 1 (Folk)

01 Chicoten - Entre Las Ramas Y Las Flores

02 Biella Nuei - Pasapeanas

03 La Bullonera - Estamos Hablando De La Libertad

04 La Ronda Asti Queda Ixo - A Sierra De Gudar

05 Hato De Foces - Si Estoy Enamorada

06 El Bosque - Amanece En Anso

07 Eraje - La Badina

08 Ixo Rai - Jodete Y Baila

09 El Bosque - Soy Tu Padre

10 Ixo Rai - La Culebreta

11 Pepin & Co - Jota Blues

12 Biella Nuei - Por Una Nina

13 Cornamusa - Las Flores

14 Pepin & Co - Toca Madera

15 La Ronda De Boltana - Dias De Albahaca

16 O' Carolan - Fisherman's Son Reels

17 La Orquestina Del Fabirol - Zinca Traidora

18 Ignacio Alfaye - A Tu Sombra Lejana

19 El Silbo Vulnerado - Boda Sefardi

20 Joachin Carbonell - Arcillas Y Romeros

21 Jose Antonio Labordeta - Canto A La Libertad

Vol. 2 (Rock)

01 Acolla - Libre

02 Ejercicios Espirituales - El Rey Del Vicio

03 Zumo De Vidrio - Desde Que Te He Visto

04 Parkinson - No Quiero Reventar

05 Tercer Aviso - No Oigo Tu Voz

06 Dr Simon Y Los Enfermos Mentales - La Fuga De Logan

07 Los Inusitados - Llegaste A Un Lugar Llamado Ciudad

08 Lagrimas De Mermelada - Silvia

09 Vade Retro - Nina Ejemplar

10 De Materia - Magneto Rebelde

11 Pecora Jarris - Nadie A Quien Ocultar

12 Mestizos - Esta En El Aire

13 Tako - Quiero Recordar

14 Furtivos - Doctor Extrano

15 Peste Negra - De Jar La Piel

16 Los Muertos - Jungle Voodoo Jungle

17 Victimas - Te Quiero Ver Bailar

18 Los Proscritos - Somos Como El Viento

19 Devislay - Debes De Sentir

20 Alta Sociedad - Alicia

21 Escoria Oriental - Regue De Los Monegros

Vol. 3 (Rock)

01 - Distrito 14 - Dias De Gloria

02 - Dias De Vino Y Rosas - Biarritz

03 - Condes Xiquena - Oscuridad

04 - Tako - Entre Tinieblas

05 - Los Proscritos - Un Refugio

06 - Heroes Del Silencio - Maldito Duende

07 - Distrito 14 - Bajo El Huracan

08 - Las Novias - Rosa Cruel

09 - Los Del Trasmuro - El Acantilado

10 - Furtivos - Lullubel

11 - Ejercicios Espirituales - Ana Maria Calvo

12 - Los Mestizos - Ya Es Hora De Regresar

13 - Extasis - Alma De Duende

14 - Pedro Botero - Rosa Negra

15 - Estigma - Encadenados

16 - Vade Retro - Somos

17 - Kaos - Kaos

Nada mas, os dejo un tema de cada volumen:

La Ronda De Boltana - Dias De Albahaca

Escoria Oriental - Regue De Los Monegros

Tako - Entre Tinieblas

Espero os guste la selección.

La músca rock española en las películas

Cuidado, el título de la entrada me ha quedado grandilocuente, exagerado incluso. Pero como me he animado con la entrada anterior que trataba sobre música y cine, he reparado en este raro EP que podéis comprar en la web por 55 €. Ver actuar al Kroner's Dúo (Tony Ronald-José Luís Bolívar) bajo el pseudónimo de Danger's Dúo en esta película de 1961 no tiene precio. Asuntos políticos-sociales de la época (divorciada incluida), mezclado con una juventud desordenada, aunque, como dice alguien en la película, era al final "gente de orden", ha llevado a alguno a situar a ésta como cine proto-quinqui. Y no le falta razón.

The Rocking Boys

The Rocking Boys fue un grupo pionero del rock en España. Si en Ceuta teníamos a The Brisks, en el Campo de Gibraltar tenían a The Rocking Boys.

He escaneado parte del libreto del CD doble (original) donde aparece información sobre el “conjunto”.

Auténtica música para amenizar guateques en los primeros años sesenta.

Si “encarta”, próximamente publicaremos por aquí a The Brisks.

https://es.wikipedia.org/wiki/Los_Rocking_Boys

Jon Bon Jovi - Blaze of Glory, Young Guns 2 (Hard Rock)

Pues aunque quede feo decirlo y voy a quedar muy mal emtre la comunidad de rokeros, este disco "Blaze Of Glory" de "Jon Bon Jovi" es uno de los favoritos de mi colección.

Y es que el señor Bon Jovi tiene muy mala prensa entre los rudos y cejijuntos jevimetaleros, mas que nada por ser demasiado guapo para el rock and roll, y no hay cosa que mas nos jodiese era ver todas las carpetas de las niñas del instituto con sus fotos, en contraposición a la de los chicos, repletas de imágenes de Lemmy, Ozzy, cruces invertidas y demás parafernalia.

Todavía recuerdo en un concierto jevi en Pamplona, creo que era de los teutones "Rage" que el disk-jockey amenizaba la espera con todos los clásicos, vease, Iron Maiden, Judas o AC/DC entre otros, cuando tuvo la genial idea, de pinchar a Bon Jovi, lo que provocó una explosión de silbidos y expresiones irreproducibles, que no había watios suficientes en la sala para acallar, tapando totalmente la música del zagal. Somos así de borricos.

Debo decir, que no soy un admirador de su obra, solo de algunos temas sueltos, pero este Lp "Blaze Of Glory" es la gran excepción, y el que me ayudó a descubrir que tras esta cara bonita, había algo mas, y desde entonces como ya he dicho, uno de mis discos favoritos.

"Blaze Of Glory" es la banda sonora de la película "Young Guns II " wue en España la tradujeron como "Intrépidos Forajidos". El director norteamericano "Emilio Estevez", le pidió a Jon que le dejase usar su tema "Wanted Dead or Alive", para una pelicula que tenía en mente, en onda "Johnny The Kid", pero al final, acabó componiéndole especialmente la banda sonoira.

Además, tiene como valor añadido la participación en la grabación de gente de la altura de Little Richard, Jeff Beck o Elton John.

Ignoro si la película aparte de la música tuvo trascendencia, pero la música si la tuvo, llegando la canción "Blaze Of Glory" al nº 1 del Billboard, y ganando un "Globo de Oro" a la mejor canción original y una nominación a los Oscar la banda sonora.

Espero os guste el disco del "guaperas", pero me gustaría remarcar también la faceta solidaria del cantante, menos conocida, pero que creo que le honra, sobre todo los tres comedores sociales que tiene. Os dejo un video para que veáis un poco de que va.

Nada mas, el track list:

01 - Billy Get Your Guns

02 - Miracle

03 - Blaze Of Glory

04 - Blood Money

05 - Sante Fe

06 - Justice In The Barrel

07 - Never Say Die

08 - You Really Got Me Now

09 - Bang A Drum

10 - Dyin' Ain't Much Of A Livin'

11 - Guano City

Y un par de temillas, sin duda mis favorito:

Billy Get Your Guns

Blaze Of Glory

Nada mas, a ver que os parece la cosa. Hasta pronto.

El primer disco de Rock español

 

Hasta hace unos años hubo una tremenda discusión, poco fructífera además, entre los estudiosos, o lo que sean, acerca del origen del rock & roll en España. Los puntos del debate, eso sí, parecían estar bien definidos: por dónde entró (que si por las bases americanas de Cádiz, Zaragoza o por algún barco anclado en el puerto de Barcelona, o plataneros ingleses anclados en Las Canarias, etc.), que si los que tocaban rock and roll no eran rockeros, que si versionaban canciones italianas o francesas, que si primero fue en Cuba o en México, o que si el primer disco de rock grabado en suelo patrio fue éste o el otro. En realidad aún carecemos de una buena historia del Rock en España, alejada de esos tópicos del centralismo, que incluyacosas como las vacaciones de los diplomáticos que venían a pasar unos días cargados de regalos, o exonerada del tamiz político (el franquismo nunca le hizo caso en esos años iniciales). Quiero, en este punto, dejar clara una cosa. El aislamiento internacional que fue impuesto en la ONU a España se puede leer en la (Primera) Resolución, 39 (1), del 12-12-1946, donde  se diferenciaba al pueblo español del “Gobierno fascista de Franco en España impuesto al pueblo español por la fuerza con la ayuda de las potencias del Eje”, uno no representaba al otro e impedía la participación del pueblo español en asuntos internacionales. Pero… llegó el “donde dije digo digo Diego” y Franco se convirtió en el freno al Comunismo para la ONU, alguien a quien apoyar para salvar a las democracias de semejante diablo. De esta manera, en la (Segunda) Resolución, 386 (V) del 4-11-1950, tan sólo cuatro años después, se apelaba al establecimiento de relaciones diplomáticas, intercambio de embajadores y la presencia en los organismos internacionales, revocando lo dicho en 1946. Así, Franco pasó de estar mantenido en el poder por el Eje a estarlo por la ONU, bajo el apoyo norteamericano, que expresó su deseo de revocar explícitamente las dos prohibiciones (https://es.wikipedia.org/wiki/Cuesti%C3%B3n_espa%C3%B1ola_(Naciones_Unidas) , https://www.google.com/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=&cad=rja&uact=8&ved=2ahUKEwid78f2qczwAhUBxhoKHTEQAQ8QFjADegQIBRAD&url=https%3A%2F%2Fsites.google.com%2Fsite%2Ffsantaella%2Fvarios%2Fresoluciones-onu-directamente-relacionadas-con-espana&usg=AOvVaw2NCRzE6jSzI0ikGF6cEwGj).

Pero volvamos al asunto que nos ocupa. Como dije al principio, la discusión sobre esos puntos quedó zanjada hace ahora once años. El primer disco de Rock grabado aquí fue el de los futuros “Pajaros Locos”, grabado en mayo de 1959 con ocasión de ganar el Primer Trofeo CETRA, un festival de conjuntos universitarios tocando rock and roll y rockabilly, algo que ya hacían desde 1956, además de jazz, blues, etc. Así lo afirmó uno de sus fundadores, Antonio María Mayolas (https://lavozdemiamo2.wordpress.com/2010/04/07/el-primer-disco-de-rock-espanol-cumple-50-anos/, comentario)

En este EP podemos oír al efímero cantante fundador, Piero Carando, de ahí la versión del Pascualino Marajá de Domenico Modugno, y también porque el cantante era nuevo, italiano y “no teníamos tiempo para preparar la canción con la que teníamos que grabar el disco”. Compartieron el mismo con los “Catch as Catch Can”, liderado por Woody Walter (“El pájaro loco”), antecedentes de “Los Gatos Negros”. En fin, toda una joya que espero que os guste.

Messer Chups

La nostalgia por la música y la estética de los años 50/60 comenzó a surgir a finales del siglo pasado, cuando los ritmos de moda eran el hardcore o el grunge en Estados Unidos, o el britpop en la Isla. Un sector creciente de aficionados jóvenes y no tan jóvenes a quienes esos estilos del momento les decepcionaban, volvieron la vista atrás y se pusieron a rebuscar entre las telarañas del tiempo. Y descubrieron el rock de garaje, el rockabilly o la música surf, al mismo tiempo que las películas de serie B; de marcianos o de vampiros, daba igual. Esa búsqueda se convirtió en tendencia, y de un puñado inicial de frikis se llegó a un buen número de fans que convirtió el mercado retro en un negocio cada vez más rentable. De hecho, ya antes de que comenzasen los años 80 había grupos revival, sobre todo en el sector del rockabilly, como los Stray Cats y los Cramps, cuyos discos comenzaron a escucharse a lo largo y ancho de todo el mundo, incluso en los lugares más insospechados. 

Por entonces comienza en Rusia una larga fase de liberalización, dirigida por Gorbachov, que va acercando a ese país y sus "satélites" hacia la "normalidad cultural", por decirlo de algún modo. Y en 1991, cuando cae el Muro, ya hay algunos músicos que han tenido tiempo para ir actualizándose... o para descubrir músicas occidentales de otros tiempos que no habían llegado a escucharse en el bloque comunista. Hasta ese momento lo único que sabíamos de aquellos países es que en algunos como Checoslovaquia y Polonia se mantuvo siempre una notable afición al jazz -que en ocasiones derivó al jazz rock progresivo-, mientras que en Hungría o Yugoslavia hubo algunos grupos de rock duro (los húngaros Omega llegaron a ser casi famosos en occidente ya antes de la caída del Muro). En cualquier caso eran minorías, ya que el sistema comunista consideraba las músicas occidentales como decadentes y contrarias al espíritu patriótico (vamos, como aquí con Franco). La discografía de los grandes grupos británicos o yankis era difícil de conseguir, salvo por la existencia de un mercado negro muy reducido. 

Y aquí entra en escena el ruso Oleg Fomchenkov, residente en San Petesburgo, a quien hemos de apellidar "Gitarkin" a partir de ahora. Bien, pues Oleg Gitarkin es un fanático de la cultura trash de bajo presupuesto que, en lo cinematográfico, abarca desde los años 30 hasta mediados de los 60; en ese rango están (además de muy contadas películas soviéticas) los directores fantasiosos como Ed Wood -monstruos y marcianos a montones- u otros más gore como Tobe Hooper. Y esa afición por los monstruos de baratillo hace juego con sus ídolos musicales, que muy apropiadamente son guitarristas como Link Wray y en general todos los que se dedican al surf junto a las estrellas del rockabilly -es decir, que la influencia de grupos "neo" como los Cramps son evidentes. Pero también la música lounge le interesa, los directores de bandas para películas como Henry Mancini, e incluso la música hawaiana. Y por otra parte tiene una fuerte vocación experimental que lo induce a mezclar unas cosas con otras y a ver qué sale (su especialidad es la guitarra solista, pero también se defiende con el bajo y los teclados). 

La carrera musical de Gitarkin comenzó en Hamburgo, donde vivió por un tiempo, a finales de los años 90. Allí creó su primer dúo junto a Oleg Kostrow, que dominaba los sintetizadores, pero en 1998 volvió a Rusia y después de una corta transición bautiza como Messer Chups al nuevo dúo que crea junto a Annette Schneider. Por entonces su música es un batiburrillo casi abstracto de samplers confeccionados a base de ruidos fantasmales, frases o palabras sueltas de películas, líneas musicales entre lounge, surf y orquestales o recreaciones fraccionadas de algunas piezas surf occidentales, todo ello frecuentemente en bucle; son unos inicios realmente sorprendentes, pero con encanto. Su producción comienza en 1999 con un cinta casete, y ya en 2000 aparece su primer Lp en el que rescatan algunas piezas de aquella cinta e incluyen otras nuevas. Ese mismo año publican otros dos, y a estas alturas andan cerca de la veintena. En 2003 se marcha Schneider y el año siguiente llega la bajista Svetlana Nagaeva, que se convertirá en una verdadera sex simbol bajo el nombre artístico de Zombierella; junto a ella y Gitarkin suele haber un batería, que desde 2011 es Boris Fernández. 

Me ha costado trabajo elegir, pero centrándome exclusivamente en sus primeros años he seleccionado para ustedes treinta canciones, las que considero más representativas y brillantes. Los primeros discos suelen ser los mejores de cualquier grupo, y este no es una excepción: actualmente siguen teniendo una gran categoría pero se han restringido casi exclusivamente al surf, perdiendo parte de aquel encanto loco que tenían con sus mezclas imposibles. Y hay una verdadera legión de fans frikis a lo largo y ancho del planeta; incluida España, donde se les adora y a donde vienen con frecuencia. Si ustedes ya los conocen no tengo nada que añadir, pero si no... quién sabe, a lo mejor caen en su encanto...

Disco Enmascarado (pequeño experimento sobre los prejuicios, sobrevaloraciones, la honestidad y la sinceridad)

Pues lo de hoy es una especie de experimento sociológico sobre los temas que componen el título de este post.

Los viejos melómanos, y los no tan viejos, estamos llenos de ideas preconcebidas. Cuando tenemos un disco nuevo, vemos el artista y antes de oírlo ya nos predisponemos a que nos guste o a darle caña al mono, cosa que evidentemente debiéramos hacer al terminar su audición.

Hay artistas de estos que nos caen bien y todo lo que hagan ya será bueno y en el otro lado, los que nos caen como una patada en los cojones y estamos deseando que su disco sea una birria para arremeter contra el. Pero muchas veces esas ideas irracionales caen por su propio peso.

No hay cosa que mas nos joda que un tío mierda haga un disco cojonudo y encima lo tengamos que admitir, y también que alguno de nuestros Dioses haga una bazofia que ni nosotros mismos podamos tolerar.

En fin, somos así y tiene pintas de que así moriremos.

Pero, que pasa si por ejemplo escuchamos un disco que no sabemos de quien es ni tan siquiera el título, aquí es cuando ni nuestros prejuicios ni nuestras sobrevaloraciones no sirven de nada y no nos queda mas remedio que echar mano de nuestra honestidad para dilucidar si nos gusta o no y luego dar nuestra opinión desde la sinceridad.

Es el caso del disco de hoy, un disco enmascarado, sin título, sin artista, sin año, sin estilo, vamos, nada de nada, solo la música. Me gustaría saber vuestra opinión sobre él. 

¿Quien será?. Pueden ser los Kinks acompañados de un cantante heavy en una sesión privada, o el grupo de rock que tenía Chiquito de la Calzada antes de dedicarse al humor, tambien podían ser los Honeybus de puretones, o será el mismísimo "boss" con su grupo del Instituto de New Jersey... cualquier cosa podría ser.

Se ruega a quien conozca el disco, que creo serán bastantes, no lo digan, para mantener el misterio.

En una semana sacaremos conclusiones.

Así que como no podéis usar los prejuicios ni las sobrevaloraciones, solo os queda tirar de la honestidad y la sinceridad. ¡Vaya compromiso!

Un par de cancioncillas de las menos conocidas, para que vayáis practicando ese par de virtudes.

Nada mas, espero vuestras sinceras opiniones, sin escaquearse ni respuestas diplomáticas, y no vale usar esos programillas que te dicen que canción suena.

Hasta pronto

Credence Clearwater Revival, o la música de la música

 

La truculenta historia de la Credence parece tener cono eje principal a John Fogerty, y al dueño de Fantasy Records, Saul Saentz. No seré yo el que venga a aportar novedades a este sinfín de éxitos, tensiones, imposición de egos, dinero a raudales para sólo algunos, etc., etc. Es mejor que cada uno mantenga la imagen que tenga forjada sobre esta banda. Tras saber que el disco que hoy os subo, la supuesta grabación del Concierto en el Royal Albert Hall londinense, que en realidad es de otro concierto que dieron en Oakland, uno vuelve a quedarse con lo primero que pensó de ellos: eran auténticos. No importa lo demás. Eran auténticos, con una música auténtica y punto. A mí, con eso me vale.

 

TOP TEN CLASSIC CINEMA SONGS

Hace unos días, Jose se puso en contacto conmigo para sugerirme una idea que se le había ocurrido a raíz de la publicación de mi anterior entrada sobre "Moon River". Sin pensarlo dos veces le dije: adelante, aquí nos vamos a divertir mucho, y enseguida nos pusimos manos a la obra. La realización de esta entrada ha servido para que ambos aprendamos muchas cosas que desconocíamos sobre el cine clásico y en especial sobre las canciones que tanto conocíamos y admirábamos. En este Top 10 del cine clásico, creo que no hay un ganador ni un perdedor, sencillamente porque no hay una mejor que otra y en definitiva porque son todas magníficas.                                                                                          Antoni.

Pues después de muchos años haciendo recopilatorios, creo que este realizado con Antoni, es el mas emocionante de todos. Y sí, se puede calificar de emocionante, pues cuando oyes las canciones o ves las escenas, no puedes evitar por muy machote que seas, sentir un hormigueo en el estómago e incluso que alguna lágrima se escape de tus ojos. Y es que estas canciones y estas películas trascienden a la historia de la música o del cine, para convertirse en un precioso legado para las futuras generaciones y ya forman parte de la historia de la humanidad.

Debo reconocer que desde que empezamos esta serie, estoy totalmente abducido y solo veo estas películas y oigo su música, y cuando me voy a dormir siguen en mi cabeza toda la noche. Esto ya empieza a ser grave, y mi médica me ha recomendado una buena dosis de ataque de techno-industrial a ver si se me pasa.

Nada más, disfrutad de este aluvión de emociones, que al final es lo único que de vez en cuando nos recuerda que todavía somos humanos.

Jose

 

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Cheek To Cheek - Fred Astair

Composed by Irving Berlin (1935)

Top Hat (Mark Sandrich) 1935

Un enamorado Fred Astaire y su inseparable pareja, Ginger Rogers, cantan y bailan  "Cheek to Cheek", en una de las escenas más conocidas de la comedia musical romántica de todos los tiempos.

Top Hat (Sombrero de Copa),  no ganó ningún Óscar, pese a estar nominada a cuatro, pero tuvo tanta popularidad que prácticamente salvó de la bancarota a la Compañía RKO Pictures.

Somewhere Over the Rainbow - Judy Garland  

Composed by Harold Arlen & E.Y. Harburg (1938)

The Wizard of Oz (Victor Fleming) 1939

Ganadora de un óscar a la mejor canción original, "Somewhere Over The Rainbow", fue escrita especialmente para Judy Garland, la jovencísima protagonista del film. Esta preciosa canción que rápidamente se convirtió en un éxito mundial, habla del anhelo de encontrar un lugar felíz donde vivir, "un lugar sobre el Arco Iris donde los sueños se hagan realidad".

As Time Goes By - Dooley Wilson

Composed by Herman Hupfeld (1931)

Casablanca (Michael Curtiz) 1942

Una de las peliculas más famosas y valoradas de la historia del cine es sin duda Casablanca, ganadora de tres Ócars, que fue rodada en el momento más beligerante de la Segunda Guerra Mundial. Pero si hay una escena en especial por la que es recordada por todo el mundo, esta es sin duda el momento en el que Ingrid Bergman (Lisa Lund) le pide al pianista Dooley Wilson (Sam Wilson) que toque para ella "As Time Goes By" el famoso tema, compuesto diez años antes por Herman Hupzeld. "Tócala otra vez, Sam".

Amado Mio - Anita Ellis

Composed by Kari Tuomisaari, Doris Fisher& Allan Roberts (1946)

Gilda (Charles Vidor) 1946

La cantante canadiense Anita Ellis puso voz a Rita Hayworth en la famosa escena de Gilda en la que esta despliega todo su glamuroso encanto y sensualidad, contorneandose en el escenario, mientras interpreta en playback, "Amado Mio". Gilda fue todo un escándalo en España. Nuestro país, vivía una larga posguerra y estaba condicionado por unas extrictas normas de moralidad, y Rita además de convertirse en un mito erótico, había adquirido la fama de mujer fatal en todo el mundo.

Singin' in the Rain - Gene Kelly

Composed by Nacio Herb Brown & Arthur Freed (1929)

Singin' in the Rain (Stanley Donen & Gene Kelly) 1952

Singin´in The Rain, estrenada en 1952, heredó todos los esquemas clásicos de las cintas de la Metro Goldwym Mayer, inspirandose en todas las melodías de Broadway realizadas durante los años 30 y 40. Su enorme éxito se debió a las sorprendentes escenas de baile que tanto entusiasmaron al público de la época, y en especial a la de Gene Kelly cantando bajo la lluvia, y que da título al film

Whatever Will Be, Will Be (Que Sera, Sera) - Doris Day

Composed by Jay Livingston &Ray Evans (1956)

The Man Who Knew Too Much (Alfred Hitchcock) 1956

"Que Sera, Sera" (Wathever Will Be, Will Be), se hizo famosa al ser interpretada por la encantadora Doris Day en la película The Man Who Knews Too Much de 1956, y consiguiendo un Óscar a la mejor canción original ese mismo año. Doris que falleció en 2019 a la edad de 97 años, será recordada siempre por sus extraordinarias dotes de actriz y esta canción siempre estará asociada a su vida.

Moon River - Audrey Hepburn

Composed by Henry Mancini & Johnny Mercer (1960)

Breakfast at Tiffany's (Blake Edwards) 1961.

Audrey Hepburn, actriz, bailarina y activista humanitaria, está considerada como una de las mayores leyendas del cine. La escena de la película Breakfast In Tiffany´s, en la que Audrey  canta "Moon River", sentada en una ventana, acompañandose de su guitarra, es otro de los momentas más emotivos y recordados de la historia del cine clásico, e hizo que la canción se alzara con el Óscar a la mejor canción original en 1961. 

Hello Dolly! - Barbra Streisand & Louis Armstrong

Composed by Jerry Herman (1964)

Hello, Dolly! (Gene Kelly) 1969

La curiosa pareja que formaban Barbra Streisand y Louis Armstrong, interpretando "Hello Dolly!" en la película del mismo título, es algo irrepetible en la historia del cine. Por un lado tenemos a una jóven rubia exhuberante y por el otro a un señor maduro de color, ambos contrastando sus excepcionales aunque muy diferentes dotes vocales. Todo esto dio como resultado que la escena se convirtiera en uno de momentos más recordados. 

Wand'rin' Star - Lee Marvin

Composed by Alan Jay Lerner & Frederick Loewe (1951)

Paint Your Wagon (Joshua Logan) 1969

"Yo nací bajo una estrella errante. Las ruedas están hechas para rodar, las mulas estan hechas para cargar". Si hay una canción que defina el espíritu pionero de Norteamérica, esta es "Wand ´rin Star", el tema que Lee Marvin interpretó en la película Paint Your Wagon y al que en España se le puso el bonito y sugestivo nombre de La Leyenda de la ciudad sin nombre. La música es sublime, aunque no deja de ser la típica de los Westerns, pero lo que aquí de verdad destaca es la voz profunda, rota y melancólica del actor.

If I Were A Rich Man - Topol

Composed by Jerry Bock & Sheldon Harnick (1964)

Fiddler on the Roof (Norman Jewison) 1971)

Tengo un recuerdo imborrable y especialmente bello de esta canción, ya que la he escuchado desde niño y todavía hoy me sigue emocionando. Fiddler on The Roof (El Violinista en el Tejado), se estrenó en 1971 y mis padres me llevaron a verla a un cine del centro de mi ciudad.

El momento más emocinante, y el que mayor recuerdo dejó en el público, y que ha pedurado a lo largo de los años, es la escena en la que el actor protagonista del film, Chaim Topol, habla con Dios en un granero, mientras canta "If I Where A Rich Man", 

Lista de canciones:

1  CHEEK TO CHEEK  Fred Astaire (1935)

2  SOMEWHERE OVER THE RAINBOW  Judy Garland (1939)

3  AS TIME GOES BY  Dooley Wilson (1942)

4  AMADO MIO  Anita Ellis (1946)

5  SINGIN' IN THE RAIN  Gene Kelly (1952)

6  WHATEVER WILL BE WILL BE (QUE SERA SERA)  Doris Day (1956)

7  MOON RIVER  Audrey Hepburn (1960)

8  HELLO, DOLLY!  Barbra Streisand & Louis Armstrong (1969)

9  WAND'RIN' STAR  Lee Marvin (1969)

10  IF I WERE A RICH MAN  Topol (1971)

Buenos amigos, ahora es el momento de que os sentéis cómodamente en vuestra butaca con unas palomitas si puede ser, y os dispongáis a visualizar y escuchar  estas diez maravillas del cine. 

La entrada y el disco de la banda sonora son gratuitos, y el bar está abierto.