Lo que traigo hoy es una increíble historia. Por un lado, Manuel Alejandro (Manuel Álvarez Beigbeder Pérez, n. 1933) es, a sus 90 años, el compositor de más éxito de nuestros lares. No hay artista que se precie, ni que se pueda preciar, si no tiene en su haber una canción compuesta por Manuel Alejandro. Padrino de Alejandro Sanz, sus canciones y sus composiciones llevaron al éxito a Raphael, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Jeannette, Marisol, Lolita, Bisbal… También es arreglista, productor, cantante y tuvo su propia orquesta. Por otro lado, The Presidents. Un sexteto de soul abanderado por Alphonso Young en Louisville (Kentucky) desde los años 60. Sus shows eran tan llamativos que incluían algo de strep-tease. A Young le rogó (sí, le rogó) el mismísimo Jimi Hendrix en 1962 que tocara con él, lo que hizo, a pesar de decirle que nunca estaría detrás de nadie. Pero volvió a su banda rápidamente. En 1963.
Y he aquí el milagro: tras recorrer buena parte de los USA, en 1969 hicieron un tour por España. De alguna manera que no conocemos, grabaron aquí tres singles. Dos en colaboración con Manuel Alejandro y un tercero bajo la producción del no menos afamado Alfonso Agulló (1941-1987), cuyos algunos de los doscientos jingles de publicidad seguro que hemos oído todos más de una vez en Telediarios, anuncios de cerveza, o de colonias.
Para no andar con miserias, os dejo de regalo navideño sus tres singles grabados en su gira española, todos bajo el sello Penélope. Dos como “El Soul de M. Alejandro” y el tercero, producido por Agulló. Como dijo alguien: “What a Soul walking for you, baby!”
A mediados de 1969, justo cuando en EMI se estaba planificando la creación del subsello Harvest, Decca sorprende al mundillo musical isleño con la presentación de un nuevo subsello de su propiedad: Nova. Hasta ese momento la distribución de sus fichajes más modernos había sido a través de Deram, creada ya unos años antes, pero probablemente porque se enteraron de los planes de EMI decidieron hacer lo mismo. Nova surge por tanto como competidor directo a Harvest, y como ellos publicará los músicos más vanguardistas que caigan en su red. Por desgracia, pronto se irá viendo que no hay mercado para tanta vanguardia: si la mayor parte de los fichajes de Harvest tuvieron una cifra de ventas poco más que discreta, los de Nova serán directamente ignorados en su gran mayoría (aunque también tiene su parte de culpa el propio sello, que debería haber arriesgado –o sea, gastado- más en promocionar aquellos discos, algunos grabados aún en el vetusto formato mono a pesar de la época). De hecho, Nova no duró mucho más de un año: a finales de 1970, en cuanto Decca comprendió que no tenía futuro, lo cerró. En consecuencia estamos ante uno de los sellos más cotizados en el mundo del coleccionismo, ya que a su rareza se une la cortedad de su catálogo. Triste consuelo para los músicos que figuran en él.
De esos músicos y grupos, Nova elige diez (solo quedan fuera cuatro referencias un tanto alejadas del espíritu general del sello) y presenta un sampler en el que prácticamente todos los nombres son desconocidos para la mayoría de los aficionados. Se supone que Egg son el gancho -es el único del que hay dos piezas- por ser una evolución de los alabados Uriel, una especie de Caravan con un poco más de nervio (aunque por entonces Steve Hillage ya no estaba con ellos). Y sobre los demás hay que rebuscar mucho para encontrar antedecentes: tal vez los fanáticos de eso que ahora se llama freakbeat recuerden a los Craig, y en consecuencia sepan que sus dos miembros más destacados son los que dirigen Galliard: la apertura de este sampler corre a su cargo, y sus dos discos son muy interesantes (sobre todo el primero). Como suele suceder en esta época convulsa, una buena parte del progresivo que mejor se mantiene en el tiempo es el que se acerca al folk, y Sunforest es un buen ejemplo aunque solo publicaron un disco (del que hay dos piezas en la banda sonora de “La naranja mecánica”). O los cruces entre folk y psicodelia, como es el caso de los Jan Dukes de Grey, con dos discos tan raros como encantadores.
Los cantautores con vocación crossover podían haber sido una buena alternativa al rock enfurruñado de los años 70, y es una pena que Bill Fay o Denny Gerrard no hubiesen caído en un sello de más enjundia: el primer disco de Fay y el único de Gerrard se consideran hoy “de culto”, pero eso no sirve de mucho. Y algo parecido le ocurre a Aardvark, un grupo de rock progresivo de mucho nivel pero que tampoco consiguió que su disco tuviese repercusión (por esa banda pasaron Paul Kossoff y Simon Kirke antes de formar parte de los gloriosos Free). Luego hay músicos solventes pero más tradicionales, como los bluseros Black Cat Bones (también ahí estuvo Kossoff), cuyo disco es realmente bueno aunque ya se le note el paso del tiempo. Dentro del rock más convencional, Pacific Drift eran un grupo bastante solvente; y por último la Elastic Band es un cruce curioso entre rock progresivo con retazos de psicodelia, momentos cercanos a la balada y ese tono general un tanto melancólico pero muy agradable que también mereció mejor suerte.
En resumen, esta es otra demostración de lo extenso que era el mercado underground británico; tanto, que muchos de los músicos que en otras condiciones pudieran haberse mantenido pasaron sin pena ni gloria precisamente por eso, por un exceso de oferta. Es la cara triste de una época que en lo creativo fue la más brillante de la historia, pero no se puede tener todo.
¡Bueno, bueno! Miedo me da presentar este artefacto, pero lo que es bien seguro es que solo podréis pensar dos cosas, sin que haya término medio, o que es una genialidad o una PUTA MIERDA CON MAYÚSCULAS, pero seguro que no te deja indiferente.
La verdad es que este disco, como tantos otros es fruto de la casualidad, pues conocía a unos "Zorros" daneses de los que había descubierto unas pocas buenas canciones, así que cuando descubrí estos "Die Zorros" en el foro de "Rock Hall" creía que eran los mismos.
Nada mas escucharlo, ya me quedé totalmente descolocado, parecía por el sonido era muy anterior a los "Zorros" daneses, y como buen "enterao" lo daté en principio de los sesenta, por lo primario de su sonido. Pero de repente suena el tema "Ahhh" que rápidamente identifique con el "Lady in Black" de los "Uriah Heep". ¡Que cabritos! pensé, mis amados Heep fusilando una antigua canción, así que me dispuse a investigar sobre este disco, y es cuando me di cuenta con sorpresa de que la banda era suiza, el disco de 2002 y la canción, evidentemente estaba firmada por "Hensley"
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Luego el disco sigue con bastantes estrambóticas versiones de super hits como por ejemplo "San Francisco", "Brazil", "Stairway To Heaven",.. incluso la versión del himno del jevi-moñas, vamos el "Final Countdown" de los "Europe".
Bueno, el disco es un desfase total y creo que lo hacen a propósito todas estas versiones, increible el órgano, robado de los juguetes de alguno de sus hijos, y la batería, guitarras y demás mas o menos igual, parecen instrumentos de juguete comprados en las tiendas de los chinos.
He leído sobre ellos que hacen realmente una parodia de la música, pues realmente "Die Zorros" eran un grupo teatral que se lo pasaban tan bien haciendo esas parodias que se decidieron a grabar este disco.
No hay que escuchar este disco con sentido crítico musical, sino como lo que realmente es, un cachondeo puro y duro sin ninguna mas pretensión. Es ideal para los que montéis fiestas, seguro que con esas versiones conseguís el desfase total y pasaréis un buen rato. Después de la resaca, no se lo contéis a nadie y ya podéis volver a escuchar a los "Van Der Graf Generator".
Pues ya no sé que mas decir, pues la verdad es que hay que escucharlo para comprenderlo, o al menos intentarlo.
La lista de canciones:
1 - Der Lachende Sarg
2 - Summertime
3 - Blue Moon
4 - Black
5 - Der Euro Kommt
6 - Ahhh
7 - Brazil
8 - Be Bop A Lula
9 - Zorro Rettet Russland
10 - Ti Amo
11 - Massachusets
12 - Stairway To Heaven
13 - San Francisco
14 - Blue Berry Blue
15 - Zorro Thema
16 - Final Countdown
Unas canciones de muestra, la primera en plan "scream", la citada versión del "Lady In Black" y el "Final Countdown" como si fuese un spaguetti western del Morricone.
Der Lachende Sarg
Ahhh
Final Countdown
Nada mas, no os lo toméis demasiado en serio y disfrutadlos, es solo una broma.
Hoy toca subir uno de mis grupos favoritos: Los Gritos. El carisma personal y atronador de Manolo Galván, la versatilidad del resto, y muy buena música pusieron a esta banda entre las mejores de las mejores. Psicodelia, funk, rock, pop y, por supuesto, soul. Todo ello en estado puro o mezclado. Un buen ejemplo de cómo se pueden hacer incursiones en un estilo musical no preponderante en su discografía y, aunque sea ocasionalmente, hacerlo bien. Buen domingo.
Reconozco mi parcial (y vergonzoso) desconocimiento de la figura de Gal Costa, tan solo alguna que otra referencia cruzada entre lecturas y escuchas esporádicas. Empezamos bien, se dirán con razón ustedes. Por si les interesa... esta grabación que les presento llegó a mi poder a través de un familiar casado con una brasileña de origen alemán. En su viaje de bodas pasaron por Brasil y de allí se trajeron varios Lps, entre ellos este "Fantasía" (Philips, 1981). Cuando ese familiar decidió, no hace mucho de esto, deshacerse de su colección de vinilos me ofreció este inesperado regalo.
Repasando la biografía de la artista de Salvador de Bahía he reconocido algunos datos e imágenes que se almacenaban muy al fondo del baúl de los recuerdos. Esa fotografía del tercer disco de su carrera en solitario, un primer plano de perfil, apenas una adolescente, el pelo ensortijado, la mirada fija en un punto lejano, su cuello cubierto por un chal blanco de hilos esponjosos; o aquella otra con los miembros del movimiento Tropicalia (Caetano Veloso, Gilberto Gil, Maria Bethania...), toda ella envuelta en un velo de hippismo y contracultura, imagen ajena y contradictoria con la de la dictadura militar que por entonces regía el destino de la nación carioca.
Los antecedentes de este "Fantasia" provienen de un show musical del mismo nombre que aquel año de 1981 Gal pone en marcha. Curiosamente el fracaso de crítica del show no ocurre con la posterior grabación del disco, todo lo contrario, este "Fantasia" se convierte en un gran éxito de ventas, tanto que Gal decidirá reconducir de nuevo el show musical como "Festa Do interior" y researcirse así del revés inicial.
Dicen los que entienden que este "Fantasia" es la continuación lógica de álbumes anteriores como "Gal Tropical" (1979) y "Aquarela do Brasil" (1980). Gal ha abandonado ya los años de Tropicalia y se ha lanzado por la senda pop coloreada por un tono samba y disco. Nada que objetar, menos aun si dentro del elenco de compositores participantes en la grabación se encuentran artistas de la talla de Caetano Veloso (4 títulos) , Djavan (2) u otros menos conocidos, David Nasser, Ivan Lins, Moraes Moreira, Vitor Ramil.
En la cara A de "Fantasia" aparece esa dicotomía entre la exaltación patriótica de "Canta Brasil" y " Roda Baiana" y las baladas amorosas de "Meu Bem, Meu Zem, Meu Mal", "Faltando Un Pedaco" y "O Amor". Las primeras abundan en la orquestación propia de la sala de fiesta, las baladas, sin dejar apartados esos arreglos de lentejuelas, apuestan por un tono más melancólico. Especialmente "Meu Ben, Meu Zem, Meu Mal" (composición de Caetano Veloso) se compagina la sensualidad y la saudade (... / "Voce é minha droga / Paixao e carnaval "/ ...). También en "Faltando Un Pedaco", con sus arreglos corales y en "O Amor", ¡ah, esa maravillosa voz de soprano ligera! (... / "Agora vamos alcancar tudo o que nao podemos amar na vida" /...) Gal evoca una carnalidad femenina digna de tantos sueños húmedos.
La misma dualidad ambiental sucede en la cara B. Sambas en "Festa Do Interior" y "Messa Real", baladas en "Acai", "Tapete Magico" y "Estrela, Estrela". Los arreglos más exultantes en las sambas, en las baladas la voz de Gal cobra más protagonismo, más profundidad. Por destacar, la composición de Djavan "Acai" (aquí con la colaboración especial de Roupa Nova, famosa banda de Rio de Janeiro, creada en 1980 y actualmente activa). "Tapete Magico" de Caetano Veloso es un tanto relamida (hay quien habla de un Caetano no demasiado inspirado en esta obra de Gal Costa. Estoy de acuerdo). En "Estrela, Estrela" (compuesta por Vitor Ramil) Gal entona una suerte de oración, sin apenas orquestación, su voz dibuja la plegaria acompañada de Zéluiz, cantante paulista de Rio Claro.
Culmino con esta entrada mi humilde aportación al género femenino y a sus artistas. Por aquí han pasado desde el mes de mayo cantantes como Judee Sill, Vashti Bunyan, Anna Domino, Cassell Webb, Ellen Foley y Gal Costa (muy recientemente fallecida). Confío en que haya sido de su interés. Regreso ahora a la tachunda infame del Mundial de Fútbol. Aposté por Brasil como ganador y perdí 10 eurinhos. ¡Qué pena canarinha!
Los Dixies, cántabros en origen, fueron, sin duda alguna, una de las mejores promesas de nuestro soul. Pero múltiples cambios en su formación, por muchos y variados motivos (el último que les llevó a disolverse fue un accidente de tráfico de uno de sus componentes, que le tuvo dos años en cama) hicieron imposible que disfrutáramos de ellos más allá de éste su único single. Y eso que tenían firmado un contrato para cinco más y un LP. Pero, aún así, su fuerza, como lo demuestran en la cara A (Black Cat, de Brian Auger), y su amor por el soul (B-Georgia in my mind, de Ray Charles), es algo de lo que afortunadamente podemos disfrutar. Buen domingo.
Pues nada, aquí estamos con otra de nuestras rocambolescas aventuras, y el caso es que la idea se me ocurrió recordando esas series tituladas por ejemplo como "1000 peliculas para ver antes de morir", "1000 discos...", "1000 libros..." (Que tortura, parece un castigo escolar) etc.
Desde luego no iban a ser 1000 conciertos, sino unos pocos y además centrándonos en artistas en activo de los años 60 y 70, y además que lo llevaran con dignidad, no arrastrando el nombre con el que un día lograron el éxito.
Y para ello le propuse la idea a Rick, a lo cual accedió, la cosa parecía sencilla, solo se trataba de buscar actuaciones de entre 2019 y hoy en día, pero como casi siempre la cosa se complicó, así que esto se convirtió en una especie de "Black Friday eterno", pues cada día ibamos rebajando el número de conciertos, eliminando algún artista por algún motivo.
Pero bueno, os dejo ya con Rick que comentará mas cosas sobre esta colección:
Jose
La idea de José era buena: un recopilatorio de los grandes veteranos que aún quedan en pie, antes de que ya no quede ninguno. Además dice que la cosa parecía sencilla. Pero dejó de serlo de inmediato, en cuanto nos pusimos manos a la obra y recordamos un pequeño detalle: en estos tres últimos años, con el asunto del Covid, todo se ha puesto patas arriba. Y la cosa se agrava si lo que queremos hacer es una colección de actuaciones de músicos que han alcanzado la categoría de estrellas. O sea, gente mayor.
La pandemia comenzó a generalizarse en la primavera de 2020, y al menos durante ese año se suspendieron casi todas las actuaciones, musicales o no, en el mundo entero. En 2021 comenzó a haber “brotes verdes”, como diría Zapatero; pero muy escasos, y desde luego sin la cobertura de grabaciones mínimamente profesionales. Y este año parece que ya ha comenzado a animarse el ambiente un poco más, pero por lo general se trata de los músicos jóvenes y con actuaciones que no llegan aún al nivel de masificación de antes. La gente va perdiendo el miedo, poco a poco.
Es de suponer que en 2023 la situación ya se haya normalizado por completo y vuelvan la mayoría de los grandes veteranos. Porque ese es el problema: la gente mayor, como decía antes. Salvo algunos “echaos p’alante” como Van Morrison o Eric Clapton, que han querido pasar de todo y se enfrentan incluso al sentido común llamando cobardes a los demás, casi todos los músicos que pasan ya de los setenta años han preferido retirarse durante un tiempo, como Neil Young (que lo anunció en la prensa musical diciendo que volverá el año que viene), o definitivamente, como John Mayall. Así que la sequía de actuaciones ha sido tremenda: si nos fijamos en las fechas que se detallan en esta recopilación veremos que la mayoría son ya de este año, o que la de Young es del 19, antes de que empezara el desastre vírico. Y por otra parte, para evitar aglomeraciones, algunos de ellos están haciendo tours acústicos, en locales pequeños y muchas veces en solitario. Como consecuencia no hay interés por parte de los sellos o de los youtubers por hacer filmaciones profesionales, y la mayoría de lo que tenemos aquí son grabaciones de teléfono.
Por lo tanto, lo primero es pedir perdón por la baja calidad de este sonido: se hace lo que se puede, y en este caso se ha podido poco. Pero en fin, menos da una piedra. Por otra parte, el hecho de no haber intervención profesional da como resultado el que los músicos van más relajados, sin obligación de “quedar bien para la posteridad”, como suele decirse, y así la cosa es más natural. Vamos, que el que no se consuela es porque no quiere. Así que a disfrutarlo….
Rick
Aquí tenéis un poco de Info:
01 - Alan Stivell - Bro Gozh
Salle Pleyel, Paris (Francia) 8-4-2022
02 - Booker T. Jones - Green Onions
Sweetwater Music Hall, Mill Valley (California) 15-5-2022
03 - Bruce Springsteen - Darkness On The Edge Of Town
Town Hall, New York City (Nueva York) 13-12-2021
04 - Colosseum - Theme For An Imaginary Western
Musiktheater Rex, Bensheim (Alemania) 4-5-2022
05 - Elvis Costello & The Imposters - Pump It Up
Musikhuset, Aarhus (Dinamarca) 1-7-2022
06 - Fairport Convention - Meet On The Ledge
Festival Copredy, Oxfordshire (Inglaterra) 13-8-2022
Cruise To The Edge, Port Florida (Florida) 4-5-2022
Y aquí unas cuantas canciones para ver un poco de que va esto:
Iggy Pop - The passenger (6-8-2022)
Kraftwerk - Radioactivity (26-10-2022)
Neil Young - Rockin' In The Free World (9-2019)
Para terminar, agradecer al amigo Racati su ayuda, pues se movió en ese mundo de zombies, del que no sabemos quienes están vivos o muertos o los activos y los jubilados, enviándonos una extensa lista de ellos.
Espero disfrutéis de esta colección y os anime a ver alguno de esta gente en sus conciertos antes de morir, o ellos o nosotros, o quizas... ¿Ya estamos todos muertos?
No podía faltar Conexión en esta selección. Si bien estos enormes músicos (Luis Cobos al saxo, flauta y piano; Danny McKanilly, percusión; Rafael Rios, guitarra; Luis Fomes, órgano y piano; Alfredo Lozoya, bajo; Ernesto Herrero, batería; Serafin Alberca, trompeta y Rafael López, trompeta) se iniciaron con un Soul que les identificaba, fueron variando tanto en el estilo como en sus componentes. César Fornés Berlanga sustituyó en 1972 a Rafael Ríos, acabando luego como técnico de sonido, lo mismo que el bajista Alfredo Lozoya... En fin, para resumir: un baile de miembros continuo. El habitual punto exótico de entonces lo puso el nicaragüense Danny McKanilly. Pero sus orígenes en el Soul, con apenas dos singles de ese estilo en 1969, les colocan como imprescindibles en cualquier lista o recopilación que se precie sobre esta música. Os dejo con su primer lanzamiento.
Frank Miller no es más que otro de los apodos que usara Manuel Cano García (1922-1977), además de Don Simón, especialmente cuando montaba ocasionalmente su excelente conjunto instrumental de soul. Esta banda, que él lideraba y de la que componía sus temas, también recibió varios nombres, debido, casi con toda seguridad a que cada vez sus componentes variaban: Frank Miller con sus Barbudos, Frank Miller y sus Hispania Soul, Frank Miller y sus Barbudos, La Orquesta de Frank Miller o El Grupo de Frank Miller. En esta ocasión, sus Hispania Soul lo formaban, además de él mismo, nada menos que el saxofonista catalán Ricardo Roda (que ya tocaba jazz en 1947, miembro de la Orquesta Mirasol en 1974 y acompañante en las orquestas de Xavier Cugat y Frank Pourcel), el trompetista Rudy Ventura (1926-2009), de un currículo inabarcable, y el espectacular músico de estudio Jaume Cristau Brunet (“Jae”), líder de su propia banda “Conjunto Jae’s Soul”, de la que también formó parte Manuel Cano.
Estamos ante un grupo de amigos, amantes del soul y excelentes instrumentistas, consagrados o no, pero cuyo interés no era más que disfrutar, y hacernos disfrutar. Os dejo subidos tanto el single de Frank Miller y sus Hispania Soul como el del Conjunto Jae’s Soul, ambos son promocionales, muy raros y difíciles conseguir. Buen domingo.
A finales de los años 60, con las nuevas modas un tanto “intelectualizadas” del rock progresivo y los grupos underground, la industria discográfica más veterana necesitaba ponerse al día, ya que el grueso de sus catálogos era bastante tradicional. En Estados Unidos ya había sellos como CBS que estaban espabilando (algunos samplers suyos han pasado por aquí), pero en el Reino Unido la cosa iba más lenta; así que, en vista del éxito de Island Records, la primera gran independiente británica, los sellos “de toda la vida” como Decca o EMI decidieron buscar músicos de ese tipo. Sin embargo tuvieron dos temores: el primero fue que los aficionados jóvenes no se fijasen en su oferta, al tratarse de sellos tan clásicos; y por el contrario, tal vez su clientela más tradicional se disgustase al ver a esos modernos bajo el logo de un sello “respetable”. En consecuencia la estrategia más segura era crear subsellos nuevos, y también por aquí ha pasado Decca con el supuesto sampler “progresivo” que presentó a través de Deram.
EMI llevaba ya muchos años “disfrazando” así sus ofertas más actuales: los peligrosísimos Beatles, por ejemplo, pertenecieron oficialmente a Parlophone hasta que ellos mismos crearon Apple (de ese modo EMI solo figuraba como distribuidora). Y lo mismo comenzó a hacer en 1967 con Pink Floyd, su más reciente fichaje ultramoderno, al que asignó a Columbia. Pero incluso esas dos ramificaciones del gran sello eran ya un tanto obsoletas: Malcolm Jones, un nuevo manager fichado poco antes, convenció a los jefazos de que era conveniente crear una nueva marca para competir en igualdad con Island y Deram, y así surge Harvest en Junio del 69. Su primer disco fue precisamente un sampler que contenía canciones de cada uno de los cuatro primeros fichajes del sello, que iban a ser publicados ese mes, cumpliendo a rajatabla con la filosofía más “académica” de este formato. De hecho, incluso el título resulta un tanto administrativo, por decirlo así: “Harvest sampler of the initial four June releases”. Pero era muy poca cosa para lo que Harvest llegó a significar en un corto plazo de tiempo, y por fin a principios de 1970 deciden lanzar uno a lo grande: el doble “Picnic”, subitulado “A breath of fresh air”, que es el que tenemos hoy aquí.
“Picnic” incluye una canción de cada uno de los diecinueve fichajes que ha hecho Harvest hasta ese momento, y trae un gancho excepcional: “Embryo”, una pieza de Pink Floyd que solo habían presentado en directo y que no volverá a verse hasta una recopilación de los años 80 (como es lógico, los Floyd son el grupo bandera del nuevo sello a partir de “Ummagumma”, su primer disco en Harvest). Pero hay más gente conocida, y lo admirable es que no se sigue la pauta progresiva o underground al pie de la letra, sino que en su catálogo podemos ver músicos muy distintos: desde una leyenda del folk británico como Shirley Collins (que aquí presenta uno de los discos que grabó junto a su hermana Dolly) hasta un grupo como Deep Purple, que de sus orígenes en el progresivo pop llegarán a ser precursores del rock metalero. La psicodelia es un género ya desdibujado por entonces pero muy querido por Harvest, y no son los Floyd el único gancho de categoría en este sampler: precisamente Syd Barrett, recién despedido del grupo, comienza aquí su breve carrera en solitario. También lo hace el glorioso Kevin Ayers, que poco antes había abandonado Soft Machine y se presenta renacido, con un estilo muy distinto al que desarrollaba en aquella banda.
Pero hay más nombres conocidos: los Pretty Things, que ya habían publicado “S.F. Sorrow” emboscados en el subsello Columbia, se pasan ahora a Harvest con “Parachute”, aunque será su único disco ahí. En cambio el cantautor Roy Harper, que ya tiene tres discos a su nombre cuando llega, estará durante diez años en este nuevo sello. Y tanto Pete Brown como Chris Spedding son dos nombres respetados cuando se presentan con el grupo The Battered Ornaments, o Brown en solitario con Piblokto!. En cuanto a los nuevos, tenemos un arco muy amplio que va desde la Edgar Broughton Band (rock medio psicodélico progresivo) a un cantautor guitarrista como Michael Chapman, cuya carrera se mantuvo hasta su muerte, el año pasado. Por medio quedan especímenes extraños como la Third Ear Band (una especie de grupo entre tribal y arty con todo tipo de cuerdas que hacía música experimental y finalmente algunas bandas musicales para películas) o la Panama Limited Jug Band, fuera de época y de ámbito, que no duró mucho. Pero también hay delicias breves como los folkies Forest, los psicodélicos folkies Tea & Symphony o un intento isleño por parecerse a las bandas americanas de metales: eso eran Quatermass. En fin, que aquí hay de casi todo.
Así que ya saben: tranquilidad y relajo. Unas canciones gustarán más que otras, pero este disco en 1970 era la mejor manera de comenzar la década completamente actualizado. Es la década dorada de Harvest.
Los Kifers (que significa los fumadores de kif-hachís), de Barcelona, son recordados por dejarnos uno de los himnos de nuestro soul ("El sol es una droga"). De corta trayectoria, sólo dos singles, se formaron en 1967. Al principio su cantante será Miguel Gallardo, aunque su verdadero impulsor fue el guitarrista Mario Rodes, que compuso también algunas de las canciones que luego grabaron. Los restantes músicos fueron Miguel Rossell (batería), Paco (bajo), Joan Eloi Vila (guitarra), Toni Prats (teclados) más el trío de viento compuesto por Pere Lluch (trombón), Josep Carrera (trompeta) y Paco (saxo).
A mediados de 1968 Miguel Gallardo deja el grupo para emprender una fructífera carrera en solitario, siendo sustituido por José Luis Pina, quien grabaría los discos del grupo.
Su calidad les valió gran prestigio en Barcelona y en 1968 ganan en final disputada en Mataró el I Campeonato de Conjuntos de Cataluña en el que participaron cerca de cien grupos, algunos de ellos muy conocidos. Esta victoria les vale un contrato en el poderoso sello Vergara.
El disco que subo hoy es el primero: “Oye Mis Ansias de Vivir / Una Aventura” (Vergara, 1969). La cara A es una pieza que entra de lleno en el estilo soul más vibrante compuesta por Mario Rodes. La cara B es una canción en dos tiempos que versiona un tema del italiano Lucio Battisti.
El disco pasa del todo inadvertido, pero en noviembre aparecerá un segundo sencillo, el famoso “El Sol Es Una Droga” (Vergara, 1969). Durante 1969 y 1970 actúan con asiduidad en Barcelona y alrededores siempre con aura de grupo de alta calidad y baja suerte comercial. El cambio de década no siente nada bien a Los Kifers. Su trompetista Josep fallece en 1971 y otros tres de sus componentes son trasladados a la forzosa mili. Esas circunstancias desmiembran el grupo que a finales de ese año se rehará formando el grupo Palabras, que grabará un único disco del mismo estilo para el sello Spiral, muy raro y apreciado, y que también os subo hoy. Buen domingo.
Pues aquí os presento una sorpresa, que me ha impacatado desde que lo he escuchado por primera vez, es una versión en directo de la gran clásica de "Alan Stivell", la "Suite Sudarmoricaine" que muchos ya conoceréis.
Pero como se dice, no es oro todo lo que reluce, y si esperais encontrar el dulce sonido del arpa, los cacharros de soplar y cosas por el estilo, estais muy equivocados.
Y la cosa es que llevo unos días dándole un agradable repaso a mis bandas metaleras favoritas, y para desintoxicar me dije de escuchar al "Alan Stivell", uno de mis músicos favoritos de toda la vida.
Pero la sorpresa ha sido mayúscula, pues es realmente un tema del mas puro "Heavy Metal", y me recuerda a ese sinfín de bandas nórdicas que hacen metal mezclándolo con sus tradiciones, todas bastante duras por cierto.
La banda es brutal y prestad atención al guitarrista, con un sonido bien sucio y metalero.
Bueno, esto corresponde a una actuación en "Motocultor Festival" que se hace en Saint-Nolff, en Francia y se celbró el 15 de Agosto de 2019.
Nada mas, solo decir que "Alan Stivell" sigue en plena forma.
Justo cuando la década mágica agonizaba, Alicante contaba con un buen número de conjuntos que se hacían y deshacían con facilidad, intercambiando sus componentes. También los estudios y la mili contribuían a estos perpetuos cambios. Grupos de breve recorrido que no plasmaron su ilusión y valía en vinilo: Los Santos Negros, El Klan, Los Kinder’s, Nelly Group, Black Stones, etc. Con músicos procedentes de algunos de ellos nace en 1969 El Fin. Una banda centrada en el soul y el rock soul, que en esos momentos pegaba en el país, especialmente con Conexión, Canarios y Pop-Tops.
El Fin era un nutrido grupo que enseguida sobresalió en su ciudad y que contaba con trío de viento y con un cantante negro, Jimmy Cocker, como principales bazas. Durante los cuatro años que duró en activo esta formación pasaron por ella un buen número de músicos alicantinos: José Luis Barceló, José Esteve, Antonio Orts, Luis Giner, Mariano Vergara, Jaime Cortés, Isabelo, Antonio Armada, José Cifuentes, Juan González Vilaplana y los, por desgracia, ya fallecidos Rafael García Soto y José Rico.
El grupo conoce a un holandés que les consigue una audición para Hispavox y los traslada a Madrid. La prueba sale bastante bien y todo son buenas palabras, que luego no llegarán a materializarse, pues entonces el sello tiene sus prioridades en los conjuntos comerciales, en plena eclosión de la pachanga veraniega. La estancia en la capital no es desaprovechada por El Fin y actúan con asiduidad en las salas de la cadena Consulado. Allí comparten escenario con algunos de los grupos más fuertes de la época: Pop-Tops, Los Mitos, Los Bravos, etc. La banda basa su repertorio en temas de Chicago, Bload Sweat & Tears, Canarios y algunos temas propios.
En el verano de 1970 actúan por toda España en su primer verano auténticamente profesional. Finalmente, Marfer acabará contratándolos para grabar un disco. “Vagando en las Tinieblas / Estampida” (Marfer, 1970) es un sencillo con dos temas instrumentales plenos de fuerza y ritmo que nos recuerdan a grandes del rock soul instrumental como Bar-Kays. La discográfica, en principio, no quería temas en inglés y Jimmy no cantaba en español nada. Finalmente se adoptó la solución de grabar estos dos instrumentales del propio grupo.
El sencillo se vende poco y El Fin regresa a Alicante, actuando con asiduidad en su provincia y otras limítrofes, pero sin nuevas grabaciones. Con cambios en su formación llegan hasta 1973, cuando echan el cierre a una carrera esforzada y nada fácil. En aquellos últimos tiempos de actividad actúan bajo el nombre de Nifle cuando ofician como grupo-orquesta de baile. Ya se habrán fijado que Nifle no es otra cosa que El Fin al revés.
Una cosa muy positiva de este grupo es que han mantenido la amistad durante décadas y la mayoría de sus componentes han seguido ligados a la música en bandas de música, orquestas de baile, tríos o simplemente juntándose para tocar por puro gusto (Texto: La Fonoteca).
PD: Os he dejado el LP "En vivo" de Los Canarios en los comentarios de su entrada.
En algún momento de principios de 1980 Ellen Foley y Mick Jones trazan sobre un mapa una línea recta uniendo imaginariamente las ciudades de Sant Louis en Missouri y Londres, Inglaterra. La pareja de músicos se encuentra en Nueva York (quizás han pasado la noche en un hotel del Bowery) y rememoran el vuelo que Charles Lindbergh realizó en 1927 uniendo por primera vez los dos continentes. Como una chispa, su idea prende al instante, hacer coincidir las grabaciones del "Sandinista" de The Clash con las del segundo trabajo de Ellen Foley, "Spirit of St. Louis" (Epic Rcds, editado en realidad un año más tarde). Los dos protagonistas acuerdan utilizar el nombre de la aeronave de Lindbergh como sinónimo del acercamiento de dos culturas, también como probable expresión de un amor sin fronteras.
Ellen Foley (curiosamente coincide la ciudad de Sant Louis como su lugar de nacimiento) es una artista multifacética que se vale del escenario como habitat de expresión natural. Hace ya algunos años su nombre comienza a brillar en el negocio musical; suyo es el ya famoso dueto con Meat Loaf en el "Paradise By The Dashboard Light" de su exitoso "Bat Out Of Hell" de 1977. Ellen destaca además en colaboraciones con Ian Hunter & Mick Ronson ("You´re Never Alone With A Schizophrenic" de 1979), en su banda paralela Iron City Houserockers ("Have A Good Time But Get Out Alive!" de 1980), con Blue Öyster Cult ("Mirrors", 1980) y en las mismas grabaciones de "Sandinista" de The Clash del mismo año 1980. Ellen Foley también descolla en las pasarelas de Broadway, suyo es el papel protagonista de Sheila en la revisión teatral de 1977 del célebre "Hair", asímismo participa en lo coros de la versión cinemetográfica de Milos Forman de 1979.
Ese Londres de 1979 aun mantiene el pulso musical con la megalópolis de Nueva York y en esa primera ciudad coinciden por primera vez Foley y Jones. Ellen anda ocupada con las últimas grabaciones del dúo Hunter & Ronson, ambos han coproducido su primer Lp ("Nightout", Epic Rcds, 1979) y, como tantos otros músicos de la época, suelen dejarse ver por el The Venue de Victoria Street. A primeros de ese 1979 está anunciado un concierto de Devo y nadie en su sano juicio quiere perderse ese acontecimiento. Mick y Ellen coinciden cerca del guardarropa; él, por su aspecto moreno, parece más un artista latino, arrogante, un simio seductor; ella, alta y rubia, con esa mirada independiente y azul de los nativos del Mid-West americano, puro WASP. Ellen manifestó años más tarde haberse sentido irremediablemente atraída por un hombre que reflejaba lo que ella como artista siempre había buscado, la libertad, la independencia, la fascinación ante nuevas ideas expresivas.
Aunque no haya sucedido exactamente así, yo quiero imaginar que estoy escuchando el "Spirit Of St.Louis" mientras paseo por la calle de los Tintes en Cuenca. Ya ha caído la tarde y Ellen eleva su voz en "The Shuttered Palace". Entre sus estrofas se cuelan textos en francés mientras la melodía me anticipa la tonalidad general del álbum, The Clash sumergidos en su versión más europea, en las imágenes de edificios seniles coinciden ambientes de cafés, primaveras y terrazas repletas de clientes al aire libre. Algo que también concurre en "Torchlight", aunque aquí con un toque aun más contundente, los arreglos de cuerda apuntalan esa querencia nunca abandonada por el pop melódico de Strummer & Jones. En "Beautiful Waste Of Time" aparece como compositor Tymon Dogg (colega de Strummer en su época pre-Clash), una delicia que suena a Motown por los cuatro costados. En "The Death Of The Psychoanalyst Of Salvador Dali", el ritmo se ralentiza, casi roza la atmósfera cabaretera de Xavier Cugat, los textos intentan reflejar el trazo surrealista del pintor catalán. "M.P.H.", de nuevo The Clash en la primera época de su obra homónima, ferocidad en el ritmo, firmeza convincente en la voz de Ellen. Cierra la cara A "My Legionnaire" (una de las pocas canciones ajenas a la composición de S&J). Mientras contemplo los patos picoteando en la orilla del río Huécar pienso en Albert Camus y en Paul Bowles.
Ellen aparece en la foto de la portada sosteniendo un globo terráqueo, gira con sus manos la esfera y suena "Theatre Of Cruelty", el primer corte de la cara B. La Foley esta aquí perfecta, un aire bueno corre entre el musgo de la orilla, los gatos callejeros parecen hipnotizar a los paseantes con una hermosa canción de cuna. "How Glad I Am" continúa con ese aire ensoñador, Ellen modula su voz y la culmina en cada estrofa con un climax sumamente acogedor. Sigue "Phases Of Travel", la única composición propia de Ellen. Se nota mucho la benéfica influencia de The Clash en este tema, en el riff de guitarra del puente saltan chispas cercanas al Covent Garden de los primeros 80. Continúan dos nuevos temas compuestos por Tymon Dogg, "Game Of A Man" e "Indestructible" , ambos pausados. Sus melodías apuestan más por la onda épica y aquí el disco se inclina por la parodia teatral y pierde un tanto el norte centelleante que le venía caracterizando. "In The Killing Hour" cierra la cara y, lamentablemente, mantiene esa atmósfera de sambenito, de marcha hacia un tablado que, inmerecidamente, el paraje romántico de Cuenca no esperaba.
Suena la pieza "Oro, Incienso Y MIrra" de Dizzy Gillespie con Machito y su Orquesta (dirigidos por Chico O´Farrill). Entramos en un bar y pedimos un par de cervezas. En la pared del local aparece escrito con rotulador: "Cuenca es mentira"
Sobre el Soul en nuestras tierras se ha hablado hasta la infinidad. Musicólogos, periodistas, bloggers aficionados… todos. Que si el Soul entró así de esta manera, que si lo hizo de la otra, que si cuándo empezó, o que si esta banda o aquella, o si esto y lo otro. No seré yo quien venga a descubrirles nada nuevo. No tengo toda la información necesaria, ni tampoco creo que vaya a conocer todos los detalles para una descripción correcta sobre el Soul patrio. Y eso que podría hacerse una lista completa de todos los que hicieron Soul, de los de aquí, de los que vinieron aquí y de los grupos que tuvieron a alguien de fuera como miembro destacado. Pero sí les diré una cosa. Cuando los oyes hay algo en común y que, esta vez sí, no se ha resaltado con la claridad suficiente por aquellos que los describieron: la calidad de la música y de los músicos. Creo que fue aquí donde se desplegó tal grado de excelencia y brillantez que aún hoy sigo sorprendiéndome y, por supuesto, disfrutando con ella. En la serie que hoy inicio quisiera dejar constancia, sobre todo, de esto último, dando un repaso por todos aquellos que, de forma mayoritaria u ocasional, hicieron de nuestro Soul una joya exquisita. Empezaremos con Los Canarios y su éxito más conocido (“Get on your knees”), en un raro single promocional editado en el Reino Unido en noviembre de 1967, unos meses antes de su edición española. Como siempre, mientras voy subiendo discos con la intención de dejar constancia de la historia de nuestra música, recordaros que el objetivo principal es que disfrutéis.
Badfinger, podría haberse convertido en uno de los mejores grupos de los setenta, pero de forma incomprensible, lo que parecía que iba a ser un camino de rosas, terminó siendo una auténtica pesadilla y su historia acabó de la manera triste y trágica que uno se pueda imaginar. Poseían un gran talento instrumental y una inmesa capacidad para componer buenas canciones. y si a esto le añadimos el hecho de estar apadrinados directamente por la banda más famosa del mundo, The Beatles, la fórmula del éxito parecía infalible. Tras la ruptura con Apple Records, después del lanzamiento de sus cuatro primeros álbumes, cayeron en las garras de su nuevo mánager Stan Polley, un estadounidense estafador y gángster con un pasado muy turbio relacionado con el crimen organizado. Un mal tipo que un buen día se marchó con todo el dinero dejándoles en la estacada y sin cobrar un céntimo. La fatalidad fue mucho más allá, puesto que todos estos infortunios terminaron por hundir al pobre Peter Ham, compositor y guitarrista principal del grupo, que con 27 años y totalmente arruinado, se quitó la vida colgándose en su garage el 23 de Abril de 1975 y entrando en el fatídico club de los 27. Pero la tragedia no terminaría aquí, y de forma irónica el bajista Tom Evans, coautor junto a Peter Ham de su gran éxito "Without You", canción que llenaría bien los bolsillos a Harry Nilsson y a Mariah Carey, entre otros, ocho años después, depresivo y hundido por el consumo de alcohol y drogas, siguió el mismo camino que su íntimo amigo, y tomó la decisión de ahorcarse en un árbol del jardín de su casa. En fin, no vale la pena seguir ahondando en la tragedia porque terminaríamos todos llorando. Como dijo Paul McCartney en una ocasión, "Su historia es digna de una tragedia de Shakespeare". Para el que tenga el morboso interés de conocer más detalles, existe mucha información disponible en la red.
Así que dejemos atrás la que tal vez sea la más triste y trágica historia que sobre un grupo de rock haya habido, para asistir al feliz nacimiento del power pop moderno y centrarnos en la presentación de este excelente disco. En 1970, el año que sus mecenas se separaron para siempre y dejaron de tocar juntos, apareció en el mercado "No Dice", el segundo álbum de Badfinger, publicado por Apple y considerado por la crítica como el mejor de sus seis álbumes oficiales. Aquí encontramos una buena colección de perlas que harían creer a los incondicionales de los Fab Four de la época, que estos habían resucitado. Comenzamos alegremente con "I Can´r Take It", tema que abre el disco y que suena a puro rock´roll sesentero con excelentes riffs de guitarra y ciertas reminiscencias de la C.C.R., para seguir con la delicada instrumentación de "I Don´t Mind" de perfectas armonías vocales y un destacable trabajo al piano por parte de Pete Ham. Luego llega más rock de reminiscencias McCartnianas con "Love Me Do", ¿coincidencias con el nombre?, no importa, ya que los Beatles no les iban a reclamar derechos. Se suceden temas muy inspirados, esplendidos e ingeniosos, de melodía pegadiza como es el caso de "Midnight Caller", ó el exitoso sencillo "No Matter What", muy beatlescas ambas. Llega el turno de la estremecedora e infinitamente versioneada "Without You", que tal vez sea una de las mejores baladas de la década, muy alabada por el propio Lennon, pero que también se vio eclipsada por otras versiones de mayor éxito comercial, como ya comenté anteriormente. Le sigue "Blodwyn" que es una muy correcta incursión en el country americano de lo más alegre y optimista. Hay acercamientos al más puro sonido folk rock americano en temas como "Better Days", y emotivas baladas como "I Had To Be Me" donde vuelve a surgir el talento melódico de Tom Evans y la sorprendente y virtuosa guitarra de Joey Molland, cuyo estilo se asemeja al de George Harrison. Más rock´roll sesentero revivido y perfectamente ejecutado lo encontramos en la discreta "Watford John", que da paso al que es mi corte favorito, la melódica "Belive Me", un tema que estoy seguro que Paul McCartney le hubiera gustado tener en su repertorio con Wings. Sólo advertiros que esta es la típica canción lapa. Avisado queda. Terminamos el álbum con "We´re For The Dark", otra hermosa balada, esta vez con elegantes arpegios de guitarra acústica y bellos arreglos de cuerda.
Acabamos esta serie con Ángela Escribano, quien sacó sólo este single en 1970, y de quien poco se sabe. Al menos aquí, como otras tantas que he subido, habrá salido del olvido por unos momentos.
Empiezo a pensar ya en la próxima serie, cuyo contenido aún no está decidido. Me debato entre: "Spanish 70s Chill-Out", o "Grupos pre-democracia", o "Spanish pop & soul", o "Pequeños Grupos de los años 70". Se admiten sugerencias. Buen domingo.
Hace tiempo que una canción no me impactaba y me emocionaba tanto como esta, y es que el otro día escuchando una colección de temas inspirados en "The Byrds" de todas las épocas, sonó este tema que no lo había oido jamás y al ver quienes eran me sorprendió que fuesen los legendarios "Electric Prunes" y que no la tuviese controlada. La verdad es que les había perdido la pista después de los sesenta, y esta canción salió en un Cd titulado "California" que lanzarían en 2004, y que no es el típico disco que saca un músico aprovechando que un día estuvo en una gran banda, sino que creo tocan tres de los cuatro originales.
El tema "The Rickenbacker 12 String" es toda una maravilla, y una miradas nostálgica a esa época dorada californiana, de la que ellos formaron parte, llena de ilusiones y vivencias, y todo un recuerdo a la música de los "Byrds", de los que supongo, que como a gran número de bandas americanas tuvieron grandes influencias.
Mi amigo Mark, ha tenido la gentileza de transcribir la letra y el señor Google de traducirla, así que os pongo ambas:
I remember standing on the corner of your street.
Staring up at your window in the hopes our eyes would meet
I stand there watching in the rain and sleet and snow
Never thought I'd stand and watch you go
I remember dancing through the night at Harvard yard
Spending all night drinking and the fading Kierkegaard
I see you smiling as you watch me steal the show
Never thought I'd smile and see you go
While band was playing Mr. Tambourine Man
Everything was so fine
When The Byrds would sing to the Rickenbacker 12 string
Everything was alright... Heyyy Yeahhh!
I remember loving you a thousand different ways
Every night electric, every day a purple haze
We can high laugh about how life was just a joke
Never thought I'd laugh until I choke
While the band was playing Mr Tambourine Man
Everything was so fine
When McGuinn would sing to the Rickenbacker 12 string
Everything was alright
I can remember every touch, I remember way too much
Can't remember who I was without you, without you
I remember love-ins, People's Park in summer rain
Holding hands and marching chanting "No more war again"
So many promises so many years of dope
We just can't seem to let it go
I remember everything, in the days of Martin Luther King
Can't imagine who'd we be without them
But keep the radio playing Dylan's Tambourine Man
Everything will be alrightttt ...Yeahhh!
While The Byrds still sing, to the Rickenbacker 12 string
Everything will be so fine tonight... tonight
But without you.
* * * * * *
Recuerdo estar parado en la esquina de tu calle.
Mirando hacia tu ventana con la esperanza de que nuestros ojos se encontraran
Me quedo ahí mirando bajo la lluvia, el aguanieve y la nieve
Nunca pensé que me pararía y te vería ir
Recuerdo bailar toda la noche en Harvard Yard
Pasar toda la noche bebiendo y el desvanecimiento de Kierkegaard
Te veo sonriendo mientras me ves robar el show
Nunca pensé que sonreiría y te vería ir
Mientras la banda tocaba Mr. Tambourine Man
todo estaba tan bien
Cuando los Byrds le cantaban a la Rickenbacker de 12 cuerdas
Todo estaba bien... ¡Oye, sí!
Recuerdo amarte de mil maneras diferentes
Cada noche eléctrica, cada día una neblina púrpura
Podemos reírnos mucho de cómo la vida era solo una broma
Nunca pensé que me reiría hasta que me ahogue
Mientras la banda tocaba Mr Tambourine Man
todo estaba tan bien
Cuando McGuinn le cantaba a la Rickenbacker de 12 cuerdas
todo estaba bien
Puedo recordar cada toque, recuerdo demasiado
No puedo recordar quién era sin ti, sin ti
Recuerdo amores, People's Park bajo la lluvia de verano
Tomados de la mano y marchando cantando "No más guerra otra vez"
Tantas promesas tantos años de droga
Parece que no podemos dejarlo ir
Recuerdo todo, en los días de Martin Luther King
No puedo imaginar quiénes seríamos sin ellos
Pero mantén la radio tocando Dylan's Tambourine Man
Todo estará bien.. ¡Sí!
Mientras The Byrds todavía cantan, a la Rickenbacker de 12 cuerdas
Todo estará tan bien esta noche... esta noche
Pero sin ti.
* * * * * *
Bueno, ¿que os parece la canción?, bien buena, aunque el video es entretenido pero no mata, pero me alegra saber que la gente recuerda sus principios, que a fin de cuentas es lo que nos hace ser como somos.
Disfrutad de ella, pero cuidado, que crea adicción.
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