martes, 27 de septiembre de 2022

THE OUTFIT - La Luna, 2022



De vez en cuando, me gusta visitar el blog donde escribe mi amigo Juanjo Mestre, https://exileshmagazine.com/  para darle un vistazo a sus últimas entradas y ponerme al corriente sobre los nuevos discos que van saliendo al mercado. Esta buena costumbre me ha proporcionado muchas y muy gratas sorpresas últimamente, y una de ellas ha sido descubrir este excelente álbum recién salido del horno que aquí os traigo, "La Luna" de Oufit, la banda del canadiense Daniel Romano´s, un disco que no voy a parar de oir hasta que me lo aprenda de memoria, y que me tiene ocupadas las noches desde hace ya varios días. Su belleza me tiene fascinado y en cada nueva escucha, descubro algún matiz nuevo y sorprendente.  

Me puse en contacto con Juanjo para pedirle prestados algunos fragmentos de su reseña, ya que pensé que no había una forma mejor de presentar esta joya de álbum. Él, como era de esperar, accedió encantado a colaborar.


Que el camaleónico canadiense Daniel Romano es uno de los más grandes geniecillos internacionales del rock ‘n’ roll en la última década no debería suscitar muchas dudas a estas alturas de la vida. Que su desenfrenada fertilidad discográfica genera algo de rechazo puede llegar a ser comprensible, pero no justifica el ninguneo ni el menosprecio si se le presta la debida atención. Como tercer argumento introductorio bastante obvio es la aportación de los miembros de su fenomenal banda The Outfit (Julianna Riolino, Roddy Rosetti, David Nardi, Carson McHone, Ian Romano), un plus que engrandece y que dota de mayor aptitud, potencial y posibilidades al resultado definitivo.


A través de teclas de piano y guitarra acústica se enciende después una luz que crece junto a una lírica onírica, donde el silencio, el coraje y la ira dan paso a la realidad del amor más limpio de impurezas. “Are we love?”

Posteriormente, entre coros celestiales y la voz de la Riolino se abre la puerta a Romano para introducirnos en un paraíso cósmico, el de recuperar aquella risa, aquella fruta tierna, aquellos deseos del corazón y aquellos estribillos soleados que, en definitiva, serían los jardines de antaño. Nunca hay un final y ese verso de “Nothing’s ever gone” suena solemne y monumental, para volver y volver a empezar, a través de la semilla y la provocación del deseo, con la memoria y el destino del soñador, siempre a la incesante búsqueda de la verdadera sabiduría.

Pero no acaba ahí la cosa, porque todavía quedan más de quince minutos en la otra cara de La Luna, donde siguen alternándose los protagonistas vocales y los coros. Entre ecos y preguntas existenciales, sin respuesta, la poesía proyecta y refleja la imagen de una cautivadora ilusión cósmica. También anda por ahí el miedo, como figura abstracta de la rabia. Nos engañan, nos hacen creer, el maestro mata la sabiduría del niño… pero cada lunático desea una estrella y, entre sombras, misterios, verdades y sueños, brilla el satélite.

En la recta final se produce la definitiva comunión y el milagro, con la culminación del in crescendo en ese “tememos desaparecer, existir infinitamente en el vacío y así, damos forma al mañana como hoy”. Es de una intensidad bárbara que incita al bucle, y es ahí donde Daniel Romano & The Outfit consiguen el más difícil todavía, que el espectáculo haya terminado observándose la vida a través del luminoso satélite y que todo haya sido un precioso sueño, un bálsamo auditivo.


Mañana seguramente seguiremos en órbita, volverá a salir La Luna y todavía quedará mucha gente sin escucharla, sin contemplarla y sin darle el valor que merece. Sí, simplemente es una canción partida en dos, con doce secciones, una bendita locura llena de belleza, ingenio y talento, una ópera rock épica y profunda del Siglo XXI para quien guste. Se dice pronto.

Juanjo Mestre.                                                                                                                                




domingo, 25 de septiembre de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (21/25): LÍA UYÁ

En 1937 nace en la localidad toledana de Sonseca Eulalia Uyá Vargas-Machuca, más conocida por su nombre artístico Lia Uyá, una designación que le dio un aire tropical e incluso extranjero a esta mujer española de pura cepa. Lia Uyá ha sido reconocida como una de las voces más carismáticas y potentes del pop español y por su versatilidad en los escenarios, donde con su registro hizo bailar a todos al ritmo del music hall, con un estilo muy seguro, atractivo y elegante. Aunque se abrió paso en el mundo del espectáculo con poco más de 17 años cuando se inició como corista y bailarina, fue en los años 60 que Lia empezó a tener notoriedad al poder actuar como actriz de reparto, siempre en papeles secundarios. Casi a los 30 años de edad tuvo la oportunidad de estrenar su primer disco, en 1964, y al año siguiente sacó el segundo, pero ninguno de ellos tuvo la repercusión deseada, así que Lia se alejó durante dos años de los estudios de grabación.“Oh Happy Day / Que lo Sepan Todos” (Belter, 1969) fue el cover que le devolvió a Lia las ganas de regresar a sus tiempos de cantante pues con este, su tercer disco, vendió más que sus dos anteriores. A partir de entonces empieza a presentarse en España, así como en galas en Francia y durante bastante tiempo en el casino de Estoril, en Portugal.Su carrera pareciera despegar en ese momento, pues con dos nuevos discos que se vendieron bien en 1970 y 1971, la cantante se mantenía en el juego. Pero no ocurrió lo mismo con “Nubes de Paz” (Belter, 1971), que pasó totalmente inadvertido. Su carrera como cantante ahora sí parecía haber acabado, pues ni siquiera tenía contrato con ninguna disquera, hasta que presentó una canción propia ante TVE: “Lapicero de madera”. A los responsables musicales de Prado del Rey les gustó tanto que le propusieron a Lia Uyá que representara a España en la tercera edición del Festival de la OTI, lo que no era cualquier cosa, pues Lia hizo una admirable interpretación llena de pasión y garra, pero eso solo le alcanzó para conseguir el cuarto puesto. No obstante, la canción hizo que las ventas se dispararan y ella apareció durante semanas en el top 10 nacional de singles. Sorprendentemente, Lia no firmó contrato con ningún sello y en cambio se hizo pionera en el teatro musical, teniendo mucho éxito en este género. Asimismo, se dedicó a la televisión y a los musicales. el año anterior el representante había sido Camilo Sesto. Os dejo con un single suyo de 1971. Buen Domingo.

miércoles, 21 de septiembre de 2022

ANNA DOMINO.- / CASSELL WEBB.- EXPATRIADAS.

 

Desconozco si a ustedes les habrá sucedido algo parecido. Mi Yo Oficial llevaba días preparando la entrada para glosar la figura y obra inicial de Anna Domino ("East And West", Les Disques du Crepuscule / GASA, 1984) cuando Mi Doble ("People Have The Power", Santa Patti Smith) se empeñó de improviso en decir que no. Suena una y otra vez la voz de Anna Domino pero Él quiere que suene la de Cassell Webb. Consulto a mi agente literario. ¿Habría algún problema con mi...? quiero decir..., ya sabes cómo se las gasta... y no querría tener ningún mal rollo con los derechos de autor. Contesta, céntrate en una de las dos artistas y evita cualquier controversia. 

Qué inteligentes son los agentes literarios.

El Yo DNI argumenta, aunque sea por índice alfabético y fechas de edición, la Domino tendría preferencia, la A frente a la C, 1984 frente al 1986 del "LLano" de Cassell Webb (Statik Rcds), además esa foto de la portada del ELLE con la Bergman, "Sa dernière interview"; en el reverso, el retrato en blanco y negro de Anna, tan francesa, tan Godard, serían puntos a su favor. Mi Yo Sin Papeles, por el contrario, llama la atención sobre el apenas perceptible giro de cadera de Cassell en la portada de "Llano" (por cierto, precioso nombre que rememora su lugar de nacimiento en Texas), el foulard extendiéndose de hombro a hombro para terminar simulando (en el reverso del disco) un ahogamiento, una suerte de elevación hacia ese árbol reseco, buscando en sus extendidas ramas una nueva savia.

Mi agente literario apunta el hecho de ser ambas artistas expatriadas, ahí podrías encontrar un espacio de posible acuerdo con Tu Doble. Si, es cierto, la Domino se establece en Bruselas y la Webb en Londres, ambas capitales europeas suponen un imán para dos creadoras que buscan nuevas experiencias, vale. Pero mi Anna es más cool, es antes rehén de una Nueva York de los 70 caótica, al borde de la ruina, muy Scorsese. Allí se gana la vida como reparadora de mobiliario de segunda mano, costurera, fontanera, electricista. Su Nueva York es también el de la "Esclavas de Nueva York" (Tama Janowitz, Edit. Anagrama, 1986), una obra de cierto éxito que habla de personajes y ambientes semejantes a los que vivió. 

Ya, pero Cassell Webb suena mucho a The Sound, uno de los grupos favoritos del Doble Yo. De hecho, su líder, el malogrado Adrian Borland, es coautor con Cassell y Craig Leon (co-productor del disco con Cassell) de muchos de los temas de "LLano". Su forma de cantar, de emplear la voz en ese tono tan épico, los arreglos de clara influencia clásica de Craig Leon (que no por ello le priva de momentos del mejor ambiente avant-pop) le parecen un extra del que carece el disco de Anna Domino, más ecléctico, sintético, menos orgánico.

Anna Domino

"¡Eh, tú, birria de autor!, ¿acaso se te agotó la tinta para seguir defendiendo la opción de Anna Domino?". Lo que nos faltaba... ahora sale a la palestra una figura como la de Blaine L. Reininger, otro expatriado americano en Bruselas, miembro de Tuxedomoon y uno de los artistas de referencia del sello belga Les Disques du Crepuscule. Blaine participa actívamente (programación de percusión y violines, además de co-productor del disco con Anna) y se creé autorizado a dar su opinión. Una obra de 5 temas la de Anna contra otra de 8, la de Cassell. No es cuestión de números, allí siempre Anna tendrá desventaja, se trata de hacer más con menos y aquí Anna ganaría. 5 temas mayúsculos. "With The Day Comes The Dawn", "Land Of My Dreams", "Review", en la cara A; "Everyday, I Don´t" y "Trust, In Love", en la cara B, un conseguidísimo compendio del mejor avant-pop de la época, canciones que transportan al oyente hacia el interior del alma femenina, plena de tantos matices, de tantas señales escondidas. 

"Llano" funciona como la acción de un serrucho a cámara lenta, ese primer tema homónimo es capaz de inmovilizar los chispazos del metal, abocar al oyente hacia un desmayo congelado. En "Voices For Rivers", esa voz atemperada de Cassell y los arreglos de Craig Leon recogen ecos góticos. "In Arcadia" se vislumbra ya la influencia de Adrian Borland, la base rítmica produce una suerte de contracción muscular, su constante latido mantiene la tensión durante toda la pieza. "Everytime I Get Around You" cierra la cara A. Es esta la canción más pop, más France Gall a lo serio, sin tonterías ni varietés. Básica como una tortilla, la melodía de su puente nos devuelve a aquellos gloriosos Eurovision de los últinos 60.

"With The Day Comes The Dawn", el inicio del disco "East And West", probablemente refleja la esencia de la obra, un guión en el que Anna Domino muestra su propuesta como artista. Temas extensos en esta cara A, de más de 4 minutos, además de ese inicial, "Land Of My Dreams" y "Review" se conforman como relatos, piezas líricas que nos retrotraen a ese apunte anterior de la novela de Tama Janowitz. Aquí se encuentra la moderna figura femenina con mucha más fuerza. No es la tradicional mano que mece la cuna, es la protagonista independiente, emancipada, urbanita, atormentada por unos sueños que se ven truncados conforme se va desarrollando su experiencia vital.


Cassell Webb

Pocas cosas se asemejan a las sensaciones de aquella música de mitad de los ochenta, aquellas melodías exuberantes sin ser pretenciosas, trabajadas en la orfebrería del buen gusto, el de los salones de las antecámaras palaciegas. En la cara B del disco de Cassell, en "Total Recall", "Gipsy Solitaire"y "Wandering Ones" (permanece aquí el minutaje extenso) se palpa esa sensación aristocrática, ese brillo casi austro-húngaro, de damas y caballeros, de citas a escondidas, entre guardarropas. En "When The Rain Stops Falling", la última pieza, Cassell se despide como sin querer, el maestro organista ensaya en un simple escorzo un final inesperado.

Anna también. Anna permanece tranquila. Anna no se encoge ante el apabullante fulgor de "Llano". Sus dos últimas piezas, "Everyday , I Don´t" y "Trust In Love" cierran esos relatos urbanos antes comentados. La temática sigue siendo parecida; en el primero, el rechazo a caer, a dejarse ver "in the bad part of the town", una muñeca rota antes de tiempo. En la segunda, la veleta gira de Este a Oeste, de Norte a Sur, en su torbellino no parece haber escapatoria para la protagonista..., "feeling like running away, my love / you´ve left me no place to go". La imagen que Anna anticipa en su música es la de la mujer libre, también frustrada.

Doble o nada, así es la apuesta de Mi Yo Sin Papeles. De acuerdo con esa imagen de Anna como mujer liberada, pero Cassell también la tiene, de hecho, nos enfrentamos a dos mujeres hechas a sí mismas, dos mujeres luchadoras que pasaron no pocos avatares hasta llegar donde quisieron - aunque está por ver si realmente lo consiguieron en su totalidad (nota del autor) -.

Este último debería culminar esta entrada desarrollando una idea que ronda por su cabeza; la confrontación entre la música que suena. La de Anna, más minimalista, existe una especie de sincretismo en su sonido, mezcla de electrónica y pop sintético, sus melodías (acuciadas por unas líneas de bajo en modo morse), otorgan a esta grabación un plus de profundidad subacuática, flujo de alcantarilla plateada. La de Cassell, más rica en orquestaciones y arreglos (se nota y mucho la mano de Craig Leon), es exuberante sin pecar de pomposidad. El sonido es envolvente, rico en matices instrumentales, en riffs y en ecos surgidos de espejos cóncavos. Probablemente tenga más agarraderas que la de Anna, aunque es posible que el de ésta última planee más a ras del horizonte.

La bola de la ruleta sigue girando.

domingo, 18 de septiembre de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (20/25): DOVA

Hablar aquí de Francisca Dolz González (Dova, Tavernes de Valldigna, 1943) es una auténtico sacrilegio por mi parte. Primero porque hay valencianos que sabrán de ella mucho más que yo. Segundo, porque es materialmente imposible ofrecer un perfil mínimamete adecuado a su categoría profesional. Inició su carrera en 1967 con dos discos en valenciano. Pero fue en los primeros años 70 (razón por la que está aquí) cuando su explosión artística fue espectacular, aquí y por toda Europa (incluida la del Este). Sus discos han sido editados en varios idiomas, en los mismos que cantaba (inglés, francés, alemán, rumano...). La versatilidad y calidad de su voz es todo su secreto, pero menuda voz. Estoy seguro que os va a gustar. Os dejo este single de 1972 como ejemplo. 

jueves, 15 de septiembre de 2022

Hank Williams - Lost Highway (Country)

Hace un montón de tiempo que quería presentar esta canción, bueno concretamente desde que publiqué el "Imaginario EP" de "Jason & The Scorchers", donde la banda hacía una apabullante versión de esta "Lost Highway", y como tengo la manía de buscar las originales de las canciones que me gustan me topé con la de "Hank Williams", que me tuvo pillado durante bastantes días.
La verdad es que a mí eso del country nunca me ha llamado la atención, aunque ante perlas como esta no hay mas remedio que rendirse. "Lost Highway " fue escrita y grabada por el cantautor de country ciego Leon Payne en 1948 y cuentan que la escribió sentado al borde de la carretera esperando a que alguien parase para llevarle, aunque la versión mas famosa es la que hizo al año siguiente Hank Willliams.
"Lost Highway" ha sido el título de varios libros, un espectáculo teatral, un sello discográfico y una serie de televisión, incluso el director David Lynch lo utilizó como título de una película en 1997.

La letra me impactó, y creo que tiene un buen mensaje, que aunque parezca algo religiosa, creo que va mas allá. Aquí está traducida:
 
CARRETERA PERDIDA (Lost Highway)

Soy una piedra rodante sola y perdida
Y he pagado el precio de una vida de pecado.
Cuando paso, toda la gente dice:
Sólo otro chico en la carretera perdida

Solo una baraja de cartas y una jarra de vino
Y las mentiras de una mujer es toda mi vida
El día que nos conocimos, oh, me desvié
Y empecé a rodar por esa carretera perdida

Yo era solo un muchacho, casi veintidós
Ni bueno ni malo, solo un niño como tú
Y ahora estoy perdido, demasiado tarde para orar
Señor, pagué un precio en la carretera perdida.

Ahora chicos no empiezan a divagar
En este camino del pecado, estás atado al dolor
Sigue mi consejo o maldecirás el día
Que empezaste a rodar por esa carretera perdida

También deciros que este video tiene mas de cuatro mil comentarios, y un día me entretuve en leer bastantes, todos, imposible y está lleno de historias emotivas como esta que me gustaría compartir:

"Tengo 18 años y he estado rodando por esa carretera perdida durante dos años. Me tomó un tiempo darme cuenta de que estuve tan cerca de perder a mi familia por las decisiones que estaba tomando. Mi abuelo me sentó y tocó esta canción. Mi abuelo es el hombre más fuerte que conozco y verlo llorar por mí me hizo cambiar mi forma de ser. Gracias tommy D un gran hombre."

Pues nada mas, hoy acabáis pronto los deberes. Ya me diréis que os parece.
Hasta pronto

martes, 13 de septiembre de 2022

WOODY WOODPECKER SONG 1947

“Woody Woodpecker” fue conocido en España como el Pájaro Loco, ó Loquillo, y como todos recoradaréis, él era el divertido, chiflado, e histérico protagonista de una famosa serie de animación, producida por la Walter Lantz Animation Studios. Woody era una especie de simpático animal antropomorfo, inspirado en un pájaro carpintero. Su primera aparición en las pantallas fue en 1940, en el corto animado, "Andy Panda", allí figuraba con el nombre de Toc-Toc. Más tarde, en 1957 comenzó a emitirse por primera vez por la televisión norteamericana  “El Show del Pájaro Loco”, la exitosa serie que todos conocemos, y que luego continuó produciendo cortos durante la década de los sesenta, finalizando en 1972, año en el que los estudios cerraron sus puertas. 

Centrándonos en la música, que es el tema principal de este blog, aquí os dejo cuatro versiones del tema musical “Woodywoodpecker Song”. La primera escrita en 1947 por George Tibbles y Ramey Idriss, y que fue cantada por Kay Kyser y Gloria Wood, en 1948. Luego, partiendo de esta versión original, se creó la adaptación para exitoso show, la que todos conocemos. Hubo muchas versiones más, como la de la conocida banda psicodélica de Denver, Lothar & The Hand People, que fue incluída en su primer álbum. Incluso, al mismo Frank Sinatra le gustó la canción y se animó a hacer la suya.









domingo, 11 de septiembre de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (19/25): SALYMA

Raro (y caro) single el de hoy. Es del año 1971 y el segundo y último de esta desconocida cantante. Sólo sacó otro single un año antes. Su "Eras polvo" fue compuesta por Manuel Pliego Ferrán (aunque usó unos cuantos pseudónimos), que también adaptó algún éxito italiano por ahí. Nada, que buen domingo.

sábado, 10 de septiembre de 2022

"Super duper blues", sampler Blue Horizon 1969

De los grandes sellos estadounidenses, CBS es sin duda el que más se preocupó siempre por el mercado británico como puerta de entrada al europeo, y ya vimos que fueron ellos quienes rescataron el concepto sampler para dar a conocer sus grupos más vanguardistas a este lado del Atlántico. Una nueva muestra de su interés la tenemos a finales de 1967, cuando consiguen la licencia y derechos de distribución mundial de Blue Horizon, el pequeño sello independiente británico de Mike Vernon, que hasta ese momento se distribuía en tiradas muy pequeñas y de modo casi familiar entre los fanáticos del blues. Ese género, minoritario por entonces en Estados Unidos, estaba convirtiéndose en una moda potentísima en la Isla; y con la publicación del disco de John Mayall con Eric Clapton en 1966 esa moda se consagra bajo el nombre de British Blues Boom, que pocos meses después protagonizará la segunda "invasión británica" en suelo estadounidense. Un disco que precisamente fue una producción de Mike Vernon para Decca. 

Vernon es un personaje imprescindible en la historia del blues británico. Se trata de un productor que había comenzado en ese sello en 1963, sin haber cumplido aún los veinte años, pero pronto su afición por el género lo llevó a crear Blue Horizon en 1965 y compaginar su trabajo en ambos sellos (llegando incluso al mundo del pop: el primer disco de Bowie, un Deram del 67, también es obra suya). En Blue Horizon comenzó a alternar las publicaciones de bluesmen americanos poco conocidos en la Isla junto con algunos británicos recién surgidos, y el contrato con CBS le permitió aumentar la raquítica estructura del sello. A partir de ahí, con tiradas ya casi a la altura de los grandes, dio a conocer a unos cuantos bluesmen más que pasaban por Europa o se quedaban a vivir definitivamente, potenciando además aquellos músicos británicos nuevos que se ceñían al blues de Chicago, su estilo preferido. En ese estilo, fue él quien descubrió al grupo más importante de la Isla: Fleetwood Mac, con su divino guitarrista Peter Green, y también otros de menor impacto pero parecida devoción, como Chicken Shack. Ambos fueron publicados por CBS en Estados Unidos, claro está. 

En 1969, cuando el fulgor del blues británico comienza a decaer, Blue Horizon publica el sampler "Super-Duper Blues", un buen resumen de su pequeño catálogo: tan pequeño es que los dos ganchos, Fleetwood Mac y Chicken Shack, aportan cinco canciones en total (por entonces ambos grupos tienen ya dos discos muy brillantes en el mercado). Aunque también hay que tener en cuenta que una de las especialidades del sello, las colaboraciones entre músicos de distintas procedencias, no tiene cabida aquí: por ejemplo, más o menos por entonces Blue Horizon publica "The best thing since Colossus", uno de sus discos más memorables, grabado en Estados Unidos por el legendario Otis Spann con el apoyo de gran parte de Fleetwood Mac, pero este sampler no incluye ninguna pieza. Los demás británicos incluidos aquí ya son de menos lustre, aunque su categoría está fuera de duda: el cantante y multinstrumentista "Duster" Bennett grabó cuatro discos para el sello entre 1968 y 1970 con el apoyo frecuente de miembros de Fleetwood Mac; también colaboraron con el espléndido guitarrista cantante Gordon Smith, aunque la carrera de este fue más notoria como integrante de otros grupos que por su obra en solitario ("Long overdue", su único disco en Blue Horizon, fue también el más valioso: los otros tres, publicados mucho más tarde, son casi anecdóticos). 

En cuanto a la otra especialidad de Blue Horizon, el lanzamiento de bluesmen americanos poco conocidos en la Isla, queda perfectamente demostrada en este sampler con la presencia de los pianistas y cantantes "Champion" Jack Dupree, Curtis Jones, Eddie Boyd y Sunnyland Slim (los tres primeros se convirtieron en residentes oficiales en Europa hasta su muerte), además del cantante guitarrista Johnny Shines. Todos ellos, especialmente Dupree, eran ya clásicos en su país de origen, pero gracias a Vernon alcanzaron un reconocimiento más amplio entre los aficionados británicos. 

En resumen, aquí tenemos un magnífico recopilatorio que nos muestra tanto la categoría del blues británico de pata negra como el excelente nivel de los músicos americanos del género, aunque no sean necesariamente los más populares. Popularidad y calidad no siempre coinciden.

miércoles, 7 de septiembre de 2022

Beggars Opera - Pathfinder (1972) (Hard Rock, Progresivo)

 


Pues hace aproximadamente un mes, el amigo Antoni publicó el celebérrimo "Argus" de los "Wishbone Ash" y eso fue como una sacudida para repasar algunos de mis discos favoritos de esos años, y en mi colección de vinilos tiene un lugar de privilegio este disco.
Hace ya cincuenta años que compré este disco de "Beggars Opera", no recuerdo muy bien por que, pero supongo que la portada tuvo bastante que ver. En aquellos tiempos algunos discos los comprábamos por la portada. y me imagino que por el precio también. 
El álbum es soberbio, y es el tercer de estos escoceses, en el que dan un cambio de sus primeros discos, mas progresivos que este. En los dos primeros abundan los temas largos muy elaborados, con muchos cambios e incluso había temas con bastantes reminiscencia a la música clásica, supongo que de ahí el nombre de "Beggars Opera".


Pero en este tercer disco "Pathfinder", es un agradable cambio, al menos para mi, pues se decantan por sonidos mas hard-roceros, y los sonidos progresivos, son bastante mas asequibles que en sus anteriores trabajos.
Otro de esos pocos discos en los que todas las canciones son buenas, como podréis comprobar. Banda de culto, que a pesar de girar por toda Europa, siempre estuvieron en la segunda división de la música, a pesar de su peculiar sonido. Desde aquí, me gustaría reivindicarlos, pues valen mucho la pena.
Bueno, un poco de Info:

01. Hobo
02. MacArthur Park
03. The Witch
04. Pathfinder
05. From Shark to Haggis
06. Stretcher
07. Madame Doubtfire

Personal:
Martin Griffiths, lead vocals
Alan Park, keyboards
Ricky Gardiner, lead guitar and vocals
Gordon Sellar, acoustic guitar & bass guitar and vocal
Ray Wilson, drums

Pues un par de temas de degustación, si os gustan, de cabeza al resto del album:

Hobo
Pathfinder

Nada mas, solo pediros que le deis una oportunidad a este disco, que creo vale mucho la pena.
Hasta pronto.

domingo, 4 de septiembre de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (18/25): FRANCISKA

María Francisca del Toro. Cantante pop española de Barcelona e hija de una pareja puertorriqueña radicada en España en la década de 1940). Hermana de Eliseo Del Toro. Casada con el pintor José María Pous y madre de Rebeca. Tía de Benicio Del Toro. Cantó en el Festival del Mediterráneo de 1966 con Jose Maria Planes con “Piénsalo bien”. Desde su primer disco de 1962 hasta el último que os pongo hoy, de 1973, pasaron once años de carrera con algunas interrupciones (1966-1970 y 1970-1973). Buen Domingo.

jueves, 1 de septiembre de 2022

Solo Mujeres (Colaboración radiofónica de Sebi)


Pues hoy aparcamos las músicas veraniegas para hacer un poco de cultura, que falta nos hace, y tenemos de nuevo a Sebi con otro de sus escritos para el programa "La máquina de escribir", pero bueno, os dejo que ella os cuente y yo mientras me trinco en la hamaca:

Pues...¡holaaa!.Aquí la Marisebi, luciendo palmito, mientras el Jose se columpia en la hamaca.
Hoy con vuestro permiso me cuelo en vuestro blog para compartir otro programa. La razón es que me gustó mucho el tema por que habla de dos grandes mujeres: Joan Baez y Pati Smith en las que me inspiré, y estas a su vez me inspiraron con una foto, la misma que veis en el encabezamiento,que me pareció preciosa, así que, sofá, cerveza y a escuchar mis ocurrencias.
Espero que paseis un buen rato, que os guste y si no... ¡rodillidazo que te crió!
Buenas noches, le voy a quitar la hamaca al Pepe y yo me enfrasco en mi librito, me estoy leyendo EL PADRINO, ¡¡ale, a disfrutar!!
SEBI 



Para completar el relato de Sebi, está aquí el video donde salen estas dos señores interpretando el inmortal tema de Dylan "A Hard Rain´s A-Gonna Fall" , ya me diréis que os parece.


Hasta pronto que volveremos con mas aficiones y perversiones.

lunes, 29 de agosto de 2022

THE SHINS - Wincing The Night Away 2007

 


Hay quien dice, que el rock and roll, murió en 1959, con el accidente aéreo que de golpe acabó con la vida de Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper. También los hay, que afirman convencidos, o influenciados por una fuerte dosis de nostálgia, que en la historia de la música, existe un antes y un después de los sesenta.

Vamos a romper los tópicos, y siguiendo con la línea de presentar nuestros discos "modernos" favoritos, hoy he querido traer este excelente álbum,"Wincing The Night Away", de The Shins, grupo formado en Alburquerque, Nuevo Méjico, y una de mis bandas preferidas de Rock alternativo ó Indie, como lo querais llamar. Su título está inspirado en el tema "Twistin´ The Night Away", de Sam Cooke, y hace referencia al "imsonnio parlítico" del vocalista, líder, James Mercer. Lanzado en 2007, este es su tercer trabajo, y el más diverso y experimental de su discografía, y contiene curiosas influencias de hip hop, e incluso encontramos folk psicodélico hawaiano, en alguno de sus temas. En general todos ellos mantienen la misma atmósfera pop psicodélica, y es la exquisita y singular voz de Mercer, la que los dota de alma y de una fuerte personalidad a la hora de distinguirlos de otras bandas similares.

 Habría que ser muy crítico para encontrar un tema de relleno en este álbum. Si que es verdad, que hay algúnos cortes que brillan más que otros, y en este sentido yo tengo mis preferencias. Comenzando con "Sleeping Lessons", el melancólico tema que abre el álbum, con su interesante melodía psicodélica. Grandes canciones como "Australia", o la pegadiza,"Phamtom Limb", inspirada melódicamente en las canciones de Brian Wilson. La cautivadora "Sea Legs", perfecta combinación de elctrónica y pop pshych. El preciosismo melódico, lo encontramos en la magnífica y tranquila, "Red Rabbits" y también en "Girl Sailor". Pero la auténtica sorpresa la hayaremos al final, en el último corte. "A Comet Appears", mi favorita y todo un ejemplo del ingenio creativo de The Shins. El suave canto de unos pájaros, acompaña el principio y final del tema, fundiéndose con el suave rasgueo de las guitarras. Si se presta atención, hay momentos en los que parece escucharse el relajante sonido producido por el arrastre de unas piedrecillas, mecidas por las olas que rompen en la orilla de una playa. Todo brilla a gran altura, como un cometa que aparece en el firmamento, dejándonos fascinados por su inmensa belleza.

 



Sleeping Lessons

Red Rabbits

A Comet Appears

domingo, 28 de agosto de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (17/25): MARGALUZ

Margarita Llobera Llompart, de nombre artístico Margaluz (Palma de Mallorca, 1939-2006), fue una actriz, cantante y bailarina española. Por su belleza y simpatía en 1961 obtuvo los títulos de Miss Baleares y Dama de Honor de Miss España. Con el grupo Los Valldemossa fue número uno de la música española de los años 1970. Con la canción Fiesta obtuvo la medalla de bronce en el Festival Pre-Eurovisión. También desarrolló su carrera como solista. Sacó cinco SGs entre 1971 y 1974, siendo el de hoy el primero de ellos. Espero que os guste. 

lunes, 22 de agosto de 2022

The Cars - Candy-O (1979) New Wave

 


Pues seguimos con nuestra particular lucha contra el calor, a ver si acabamos de una vez con el, con esta serie de discos refrescantes. Esta vez tengo el gustazo de presentaros uno de mis discos favoritos de mi discoteca, el "Candy-O" de The Cars, Un disco que cuando salió me tuvo enganchado una buena temporada y que actualmente escucho con la misma pasión que el primer día.
Para mi es una mezcla de dos de mis grupos también favoritos, como son "Roxy Music" y "Talkin Heads", aunque estos "Cars", al menos en este disco, creo que pillan lo mejor de ambos e incluso lo llegan a superar en muchos momentos. Este álbum salió en 1979, que curioso que mis últimas publicaciones sean de este año 1979.
El disco es realmente brillante y ninguno de sus once temas desentona, con un estilo a veces indefinido, aunque encasquillado en la New Wave, tiene algunos toques de post-punk o de música electrónica. Tuvo muy buena acogida en los Estados Unidos, donde logró encaramarse al nº 3 de las listas de éxitos.

Mención aparte dela portada, que en América, tuvo bastante controversia, como no, y se la tachó de sexista. La realizó Alberto Vargas, un famoso dibujante de chicas ya retirado con 83 años, que aceptó realizar la portada a petición de su nieta, una gran admiradora de The Cars.
Así que la novia del batera, posó sobre un Ferrari para ser fotografiada y luego servir de base al dibujo de Vargas.
Desde luego una portada icónica, de esas que pasan a la historia, sin importar el contenido musical.
Nada mas, un disco magnífico, refrescante, que entra solo y de esos que no te cansas de escuchar.

A1 - Let's Go
A2 - Since I Held You
A3 - It's All I Can Do
A4 - Double Life
A5 - Shoo Be Doo
A6 - Candy-O
B1 - Night Spots
B2 - You Can't Hold On Too Long
B3 - Lust For Kicks
B4 - Got A Lot On My Head
B5 - Dangerous Type


Unas canciones para abrir boca:

Shoo Be Doo
Candy-O
Dangerous Type


Bueno, aquí tenéis un buen disco para pasar unos buenos momentos. ¡Disfrutadlo!
Hasta pronto.



martes, 16 de agosto de 2022

V.A. Rock 'n' Roll High School (BSO) (Ramones, Nick Lowe, Eddie & The Hot Rods, Chuck Berry and more)

 


Pues seguimos presentando música para combatir el calor, a ver si acabams con el de una puta vez. La semana pasada empezamos esta ofensiva con la muy buena recopilación "That Summer!" y hoy vamos a seguir con un álbum bastante parecido y que se titula "Rock 'n' Roll High School", que además curiosamente apareció en ese mismo año, 1979.
Esto es la banda sonora de la película de mismo nombre, en la que actuan los Ramones como actores. Está en la muy buena página de cine "Descarga Cine Clásico", en VSOE. La acabo de ver y es una comedieta, en lo que el argumento es lo que menos importa, y la excusa perfecta para escuchar música de los Ramones sobre todo y que no aparece en el disco. Hay una larga actuación de ellos que no tiene desperdicio. Tremendamente divertida y seguro que no te duermes como en las películas del Ingman Bergman, que dejaremos para bostezar en invierno.


Como no podía ser de otra forma, las canciones suelen tener una temática juvenil-estudiantil y destacan como no las bombas de los Ramones, acompañados por otros artistas, entre los que destacaría a "Nick Love", "Devo" o a "Eddie And The Hot Rods" y al mítico "Chuck Berry". Y como no, el disco acaba con ese himno de "Alice Cooper" que es "Schools Out"
En la parte negativa, la brasa que nos mete el Brian Eno, sencillamente insoportable.


Por lo demás, otro de esos discos que entran solos, quizás inferior al "That Summer!", pero con la suerte de tener varios temas de Los Ramones, que al final ya sabemos que es sinónimo de diversión.
Aquí os dejo la lista de canciones:

A1 - Ramones - Rock 'n' Roll High School  
A2 - Ramones - I Want You Around  
A3 - The Paley Brothers-Ramones - Come On Let's Go  
A4 - Ramones - Ramones Medley  
A5 - Nick Lowe - So It Goes  
A6 - Brian Eno - Energy Fools The Magician  
B1 - P.J. Soles - Rock 'n' Roll High School  
B2 - Devo - Come Back Jonee  
B3 - Eddie And The Hot Rods - Teenage Depression  
B4 - Brownsville Station - Smocking In The Boys Room  
B5 - Chuck Berry - School Days  
B6 - Todd Rundgren - A Dream Goes On Forever  
B7 - Alice Cooper - School's Out  

Las canciones de muestra, mis tres favoritas:

Ramones - Rock 'n' Roll High School
Nick Lowe - So It Goes
Eddie And The Hot Rods - Teenage Depression


Bueno, ya tenéis una nueva dosis de la vacuna anti-aburrimiento, aunque hay que estar al tanto de los efectos secundarios.
Hasta pronto.



domingo, 14 de agosto de 2022

LOLAS!! 25 EARLY 70s SPANISH FEMALE SINGERS (16/25): ESPERANZA

Muy curioso y raro single el de hoy. Sólo fue promocional, por si acaso. El nombre de la artista es ficticio, por eso sale entrecomillado en el interior. Sólo salió uno a su nombre. Si añadimos lo de "Esperanza" al título de la cara A ("Querido General"), y que fue escrito en 1974, aunque publicado en 1975, la historia que esconde debió de ser fascinante. Para más especulación, ambas canciones (la cara B se titula "una canción") fueron compuestas por el potente dúo Pablo Herrero Ibarz (n. 1942), el famoso teclista de Los Relámpagos, y por José Luís Armenteros (1943-2016), también del mismo grupo, que compusieron para famosos artistas como Nino Bravo, Massiel, Rocío Jurado o Fórmula V. Buen domingo.

viernes, 12 de agosto de 2022

EMERSON LAKE & PALMER (Trilogy 1972)


Debía tener unos 15 años, cuando descubrí por primera vez este disco. Entonces yo era un chaval inquieto, amante de la música y deseoso de encontrar sonidos nuevos que abrieran mi mente y me llevaran hacia otra dimensión sonora, Alguien, seguramente mayor que yo, no recuerdo quien, me recomendó este álbum. ¿Quieres escuchar algo realmente bueno y distinto a lo que estás acostumbrado?. ¡¡Por supesto!!, le dije. Pues te recomiendo el "Trilogy" de Emerson Lake & Palmer. Y corrí sin dudarlo a la tienda de Discos Sellés de mi ciudad para comprarlo. Sabía que estaría allí esperandome, puesto que ya le había hechado el ojo hacía tiempo a su portada, y tenía el dinero justo en el bolsillo, pero me invadía el temor de que estubiese agotado. Crucé la puerta de la tienda y me dirigí nervioso hacia la sección de rock sinfónico, buscando el cajón con la letra E, donde sabía que estaría correctamente colocado, con su funda de plástico y todo. Cuanto es?. pregunté en la caja. Tanto, me dijo la simpática vendedora. Pagué con más monedas que billetes, me sellaron la cartulina de los descuentos, y salí zumbando hacia mi casa, impaciente por escucharlo. Por suerte cuando llegué, no habia nadie. Encendí mi flamante tocadiscos Philips, holandés, puse el vinilo en el plato, me ajusté los auriculares, y dejé caer la aguja, (un ritual que por desgracia, hoy en día se ha perdido en la mayoría de los hogares).
Recuerdo hoy, como si no hubieran pasado los años, la sensación que sentí al comenzar a escuchar la primera pista, la suite titulada, "The Endless Enigma, Pt. 1". Mi corazón late al compás del bombo de la batería de Carl Palmer. Esto parece surrealista, nunca había visto nada parecido ni tan bueno, pensaba yo, mientras sigo escuchando el enigmático y cósmico sonido inicial que brota del sintetizador Moog de Keith Emerson, dando paso a la explosión de megavatios, que viene después por parte de los tres músicos. Los teclados, la batería, el bajo, o la voz de Greg Lake... no sabría decir que es lo que me produce más fascinación. Nunca antes nadie, había mezclado el rock progesivo, el Jazz futurista, el Folk acústico, etc., de una manera tan personal, y con un resultado tan alucinantemente exquisito, limpio y espectacular. Así que, continuo mi viaje intrasensorial, aplastado cómodamente en mi sillón, a la espera de nuevas sorpresas. Lo que viene acontinuación, termina de convencerme de que estoy ante algo realmente grande. El segundo corte, "Fugue", suena como un lucimiento personal de Keith Emerson, demostrando su virtuosismo como pianista, tocando su magnífico Steinway. Casi enlazada con esta, escucho la introducción de la última parte de la trilogía, "The Endless Enigma Pt. 2". De nuevo, me sumerjo en toda la grandiosidad de la música de EL&P, alucinando con ese comienzo de campanas repicantes y esos sintetizadores, que parecen evocar el sonido de las trompetas de Jericó, llamando a la rendición de la ciudad sagrada . Apoteosis puro, emergiendo a borbotoes de los teclados moog, mientras la descomunal batería Ludwig de Palmer, redobla sin perder una milésima de segundo, al ritmo contundente marcado por el bajo de Lake. Llega ahora el turno de una de las joyas más relucientes del álbum, "From The Begining", la balada perfecta, que no podía faltar en ninguno de los álbumes de la banda. Greg Lake, canta por mi oido derecho, acompañado por su guitarra acústica Gibson J 200, aunque tambien escucho sonar en otras pistas, el bajo Fender y la fantástica Zemaitis Doubleneck eléctrica. La guinda del pastel la ponen los excelentes arreglos de Keith, que rematan la canción hacia el final con un sorprendente sólo de sintetizador, con cierto sabor a samba brasileira. Y que decir de Carl Pamer, pues que aquí su papel se limita "simplemente" a acompañar la balada con unos bongos. No hacía falta nada más, pienso yo.
Para continuar con la reseña de este álbum voy a dejar atrás los recuerdos personales de mi primera audición y centrarme más objetivamente en comentar los temas que vienen a continuación. "The Sheriff", es una divertida parodia country al estilo del viejo oeste. Para ser sincero, y desde mi punto de vista, quizás esté fuera de lugar, yo le hubiera dado un destino más adecuado y tal vez encajara mejor en, "Brain Salad Surgery". De todas formas es un tema que mantiene el distintivo sonido la banda, y los tres músicos hacen un trabajo impecable, empleandose a fondo en una compenetración perfecta. Si tengo que destacar a alguien, aparte de Keith, que aquí sobresalga del resto, me decantaría por Carl Palmer, que se muestra especialmente brillante en su ejecución. "Hoedown", es una adaptación de la sección, Hoe Down, del ballet "Rodeo" de Aaron Copland. Aunque en realidad, se trata sólo de una visión muy particular del clásico tradicional norteamericano, puesto que aquí todo transcurre a un endiablado ritmo, con los frenéticos teclados de Keith, queriendo imitar el sonido de una marcha de gaitas escocesas en progresión. Este es uno de los temas que mejor se adaptaron en los conciertos en directo, y su corta duración, lo hace bastante audible y nos ayuda a mantenernos despiertos hasta el final.
"Trilogy", es el tema que abre la segunda cara, el más largo del álbum y también mi favorito. Da la impresión, de que quiere darnos una tregua, invitándonos a apaciguar nuestras emociones durante sus primeros tres minutos. Todo comienza con una suave melodía de sintetizador, seguida por unos ingeniosos arreglos de piano que suenan acompañando a la voz de Greg. El mismo piano es el que rompe la calma, redireccionando el tema hacia un explosión de sonido brutal, en la que los tres músicos fusionan sus fuerzas. Moog, bajo y batería, consiguen crear un ritmo frenético, apoteósico y absolutamente genial. La cálida voz de Greg, cambia radicalmente, para dar un inesperado giro y convertirse en un arrollador huracán que narra su historia de desamor a los cuatro vientos. "He tratado de reparar el amor que terminó hace mucho tiempo, aunque todavía fingimos, nuestro amor seguramente está llegando a su fin. No pierdas el tiempo tienes que amar de nuevo"."Living Sin", Tiene un ritmo progresivo perfecto de principio a fin. Aunque como bien afirmó Lake, años después en una entrevista, el término "progresivo", no se usaba mucho en aquella época. Es un tema pesado, que se caracteriza por el potente y agresivo sonido que Keith aplica a su órgano Hammond C3, durante todo su desarrollo. Aquí Greg Lake nos sorprende, y demuestra que es capaz de modular su voz y llevarla hasta niveles de altura verdaderamente increibles, experimentando con efectos vocales, nunca antes vistos, y que en algunos momentos suenan demoníacos. Su ejecución con el bajo es brutal, sin más. Palmer reivindica su papel de imprescindible en la banda, manejando salvajemente su batería, en busca de los poliritmos secretos del rock. Terminamos este viaje alucinante con el instrumental, "Abbadon´s Bolero", un homejaje muy personal que EL&P, hicieron al clásico Bolero de Ravel. De nuevo aquí Keith, llena el tema, empleando múltiples pistas superpuestas para lograr un efecto similar al de una orquesta completa de músicos clásicos. Flautas, trombones, cuerdas... todo emana de sus teclados sintetizados, desarrollandose en crescendo durante los más de ocho minutos que tiene de duración, mientras Carl, mantiene incansable, el característico ritmo de bolero, y Greg, se limita a aportar los arreglos de bajo de forma impecable.    

La producción del disco es impecable, siendo el álbum con mejor sonido grabado por EL&P. Esto no es de extrañar, ya que el ingeniero es, Eddie Offord, el mismo que un par de meses después, estaría detrás de otro legendario álbum, el "Close To The Edge" de Yes. Para el diseño de su portada pensaron el un cuadro del artista catalán Salvador Dalí, titulado, "Enigma Sense Fí", pero desistieron al conocer el precio de 50.000 libras esterlinas que tenían que pagar por los derechos de autor. Al final, creo que acertaron, y este, fue encargando a Storm Thorgenson, de Hipgnosis, quienes crearon la excelente portada con el perfil de los tres músicos, con la mirada perdida hacia el ocaso, y luciendo sus melenas al viento. Para el interior de la carpeta, se diseñó un hermoso fotomontaje, compuesto por múltiples imágenes del trío, posando en un fondo boscoso, y que fue tomado entre el Gran Área de Londres y Essex.