La única vez que Los Sonor contaron con un cantante, antes de ser un grupo eminentemente instrumental, fue mientras Manuel Escobar López, luego “Emmanuel” (n. 24-09-1941) estuvo con ellos como miembro fundador. En 1963, tras siete discos, la “puta mili” de nuevo y presiones paternas, hacen que abandone su banda. A partir de ahí todo son fracasos uno tras otro. Primero, que como es evidente, en su relanzamiento con RCA no puede llamarse “Manolo Escobar”. Se cambia el nombre a “Manuel Torres”, pero coincide con otro gran artista flamenco. Luego, sus dos primeros EPs no funcionan nada de nada. Su carrera de crooner, solitario como todos ellos, estaba acercándose a su final. Aún faltaría un respiro antes de morir definitivamente. Son los dos discos que subo bajo el nombre de “Emmanuel”. Pero varias coincidencias lograron alargar la agonía. Luis Eduardo Aute y Manolo Díaz formaron parte en algún momento de Los Sonor. Aute se presentó en la RCA con varios temas que finalmente cantó Massiel. En esos tiempos donde se mezclaba lo yeyé con la canción protesta, pacifismo, etc., Emmanuel interpreta el tema de Gianni Morandi “Era un Muchacho que Como a Mí le Gustaban los Beatles y los Rolling Stones” (RCA, 1966), con una recepción que daba cierto escozor en las emisoras. Y también otro single, con dos canciones prestadas, una de Aute y otra de Manolo Díaz, “L.E. Aute y Manolo Díaz interpretados por Emmanuel” (RCA, 1967). Y aquí acabó Emmanuel como tal, tan sólo algún coletazo en “La Compañía” años más tarde. El estilo balada y de melodía romántica impreso a estas temáticas no funcionó. Os ruego encarecidamente que leáis la nota mecanografiada del disco de 1967 y la contraportada del disco de 1966 para ver que ni él mismo tenía fe en ellos.
Nos separan unos 30 ó 40 metros. Desde esa distancia observo a mi vecina planchar la ropa, poco antes la ha sacado de un armario para colocarla a continuación en una mesa que solo acierto a imaginar, seguramente blanca. Ella es del tipo rubensiano, entre treinta y treinta y cinco años de edad, viste una ancha camiseta negra y transmite la paz propia de la que está demasiado enamorada de su marido. Escucho mientras tanto los dos primeros movimientos del "Floating Points" de Pharoah Sanders con la London Symphony Orchestra (Luaka Bop Rcds, 2021). Lo que realmente siento ahora es un silencio que flota. Esta mañana he recorrido 16 estaciones de metro. Hasta que no estoy de vuelta en casa no soy consciente de la inútil trascendencia de ese viaje. Tanta gente, tanta gente, fijas sus miradas en los móviles, ¿qué esperan? Por las ventanillas del vagón se anuncian tratamientos contra las arrugas. Solo alguna mujer lee. Llego tarde a casa de mi madre. Reconozco no haber avanzado mucho en la difícil tarea de hablar de un artista como Frank Zappa.
Difícil tarea para mí porque he de admitir que apenas he escuchado a Frank Zappa, tan solo sus "Joe´s Garage, Act I" y "Hot Rats" descansan su polvo de estrellas en las estanterías, algunas cintas grabadas por aquí y por allá ya olvidadas y, curiosamente, este "Pop History, Vol 14" que amablemente me ha prestado mi hermano para esta ocasión. Ni siquiera verle en uno de los mejores directos que recuerdo ha conseguido que Frank sea para mi un artista de referencia. Y todo lo que antecede resulta de lo más llamativo porque personalmente el amigo Zappa me gusta, me cae bien, encuentro su música de lo más interesante, vanguardista, iconoclasta, estrafalaria a veces (conceptos estos últimos que nunca me han tirado para atrás en lo que concierne a la aventura musical). No respondo.
Antes de seguir ajústense los cinturones y fíjense en la portada del disco. Mientras que en el resto de artistas y bandas de esta colección "Pop History" unas líneas de adorno encuadran simétricamente las fotografías y las referencias que los anuncian, en este ejemplar de Frank Zappa And The Mothers Of Invention esas líneas aparecen quebradas en todos los ángulos de la portada principal. Para el observador atento el significado está claro. Suena a algo como prepárense porque esta gente rompe esquemas. ¿Y qué me dicen de la presencia física del propio Frank y del resto de la banda? ¡Menudos caretos se gastan! ... como para dejarles a solas con tu juguete preferido.
Para más inri, el texto anónimo que completa el disco pretende decirlo casi todo en apenas unas líneas ... sinónimo de la música "underground" ... una imagen típica del nuevo "American Way Of Life" ... revelar los males y enfermedades de la sociedad ... su música, una mezcla indefinible de jazz y folklore, rock y música clásica, junto a algunos efectos especiales, es algo tan viejo como las colinas ... los textos de sus canciones (...) tienen lo mismo en común con el lenguaje normal empleado en una sala de fiestas que una vaca con Venus ... The Mothers of Invention son uno de los pilares fundamentales en el desarrollo del mensaje complicado y socialmente crítico de la música de la escena progresiva de nuestros días ... ¡Uff! ... en 1972 (fecha de la publicación del disco en España) yo andaría probablemente más enrollado con el "Killing Me Softly" de Roberta Flack.
Pero vayamos a su música (es un decir). Recogo a voleo los minutos finales de "The Return Of The Sun Of Monster Magnet", una absoluta cacofonía de sonidos dispersos y desbarres bellamente inconexos, previa a la entrada del "Plastic People" ... "ladies and gentlemen, the President Of The United States of America, ... hello americans ... peace and sex" ... antes, en el "Concentration Moon" ... "concentration moon (...) cop killed a creep! pow pow pow" (prisioner of war ... Vietnam) ... "forget about the brotherly and fatherly love" ... ("Motherly Love", ¡hey chicas!). "The Chrome Plated Megaphone Of Destiny", junto a "Invacation & Ritual Dance Of The Young Pumpkin" ... "America is wonderful, wanderful, wonderful" ... son las extensas piezas que mejor resumen el "underground" de Zappa y sus Mothers ... (echo mano a mis notas) ... "todo el mundo comparte una nota musical que define la esencia de su vida" ... ¿debería decir que estas son las mías ... ahora, cuando contemplo a mi nieta feliz imitando el aullido de un monito de peluche?
Desde el mismo comienzo de este doble Lp, "Hungry´s Freak Daddy" se explica el tipo de música a la que nos enfrentamos: "FREAKY" (¿recuerdan la presentación de Arlo Guthrie en Woodstock justo antes de su "Coming Into Los Angeles"? ... "ha, ha, lot of freaks, men"...) un concepto este que puede aplicarse (unas más y otras menos) a las 19 canciones que componen este catorceavo volúmen de la colección. Desde la ruptura melódica en muchos de los temas, incursiones en coros y spoken-words en los que, tanto la inconfundible lírica de Frank como las voces femeninas, juegan un papel predominantemente crítico y humorístico, gritos descosidos, salvajes, arreglos muchas veces del mejor sunshine-pop, doo-wop feliz (genial ese "Go Cry On Somebody Else´s Shoulder"), vientos huracanados (maravillosa esa entrada en "Invacation & Ritual Dance Of The Young Pumpkin", uno de los temas estrellas de la compilación, puro acid-funk), teclados (impresionante esa introducción en "Absolutely Free"), incursiones en tempos más cercanos al jazz melódico, redobles de percusión que de tan buenos saben a poco (me veo ahora emulando los golpes de la baqueta contra los toms de la batería).
Los títulos se suceden, "Flower Punk" ... "Hey Punk, where are you going with that flower in your hand / I´m goin´up to Frisco to join a psychedelic band" ... "America Drinks & Goes Home" con ese aroma de musical de Broadway embarullado, emisoras de radio entrecortadas, "The Idiot Bastard Son", grabaciones superpuestas entre crooners y susurros inexplicables, convencional (?) estructura orquestal de pregunta-respuesta en "I´m Not Satisfied", otra preciosa balada doo-wop en "Anything" ... "my love, my everything" ... ¡qué saxo, qué infancia de Lester Young! ... , otro doo-wop con tintes mitad Brian Wilson mitad Carpenters en "You Didn´t Try To Call Me". El resto de los temas (no mencionados anteriormente) "Uncle Bernie´s Farm", "Who Are The Brain Police", "Who Need The Peace Corps", "Status Back Baby" (que no quede sin reseñar lo insólito y brillante de los títulos de muchas de sus canciones) caminan por el mismo sendero de lucidez crítica, porque, a pesar de lo inicialmente incomprensible de su propuesta, nunca se hace de noche en este disco. Nunca.
Disco 1: Cara 1
1.- Hungry Freaks Daddy / 2.- Uncle Bernie´s Farm / 3.- Who Are The Brain Police / 4.- Who Need The Peace Corps / 5.- Absolutely Free.
Disco 1: Cara 2
1.- Status Back Baby / 2.- Invacation & Ritual Dance Of The Young Pumpkin / 3.- Go Cry On Somebody Else´s Shoulder / 4.- Flower Punk / 5.- America Drinks & Goes Home.
Disco 2: Cara 1
1.- Concentration Moon / 2.- The Return Of The Sun Of Monster Magnet / 3.- Plastic People / 4.- The Idiot Bastard Son
Disco 2: Cara 2
1.- Motherly Love / 2.- I´m Not Satisfied / 3.- The Chrome Plated Megaphone Of Destiny / 4.- Anything / 5.- You Didn´t Try To Call Me.
Rafael Turia (n. 1940) aún no alcanzaría la plenitud de su carrera hasta los años 70 cuando estuvo detrás de muchos arreglos musicales de la exitosa banda sonora de la película “Cría cuervos”. También junto a J Dimech (Janette Anne Dimech, alias “Jeanette”), estuvo en la retaguardia de su banda “Pic-Nic”. Son personas de primer nivel, a la par que desconocidas en su faceta de cantantes. Parecían formar una especie de sociedad, o club, donde todos eran colaboradores acá y acullá. Por ejemplo, en este EP que subo, está detrás el valenciano Juan Antonio Bou, un compositor, letrista, arreglista, director y violinista, autor de 12 obras, Director de la orquesta Apollo y en activo desde, al menos, 1940. Hay mucha calidad musical detrás de toda la actividad que desplegaron a la sombra de famosos cantantes. Empezaron por el fox-trot y fueron capaces de llegar al rock. Y, como es el caso, algunas veces, atraídos por el olor del éxito, componían sus propias canciones, o versionaban otras y nos las regalaban.
Luís Heras venía sustituyendo a Joan Ramos i Nonó (“Jeannot”) en la Orquesta Maravella desde al año 1958, otra vez por el servicio militar, hasta que un par de años después ya tomó su papel como cantante principal. Aún así, la Maravella podía tocar puntualmente con cualquier otro, como pasaba con el cantante argentino Carlitos Romano (n. Buenos Aires, 6-9-1931). De hecho, Luís y Carlitos sacaron un disco conjunto de su participación en el Tercer Festival de la Canción Mediterránea en 1961. Zafiro nos presentaba a Luís como “el cantante favorito del momento” o “triunfador en radio y televisión” antes de incorporarse a la Orquesta Maravella. No podríamos decir que eso de “después de ventajosos contratos en distintas capitales europeas” fuera en solitario, sino con la orquesta, ya que ésta sí solía salir fuera, como a Hamburgo. Pero también tuvo su carrera en solitario, aunque “su” orquesta le apoyaba por detrás en los temas. Y ésta es la que vengo a testimoniar. Las aspiraciones en solitario de Luís como crooner no fueron tan exitosas como en la Maravella. Pero al menos le permitían interpretar temas que no entraban habitualmente en el catálogo de la orquesta.
El número 13 de esta colección corresponde a Booker T & The MG's y viene presentado por monsieur Racati, un señor a quien los que frecuentan este blog ya conocen porque, entre otras cosas, nos regaló hace tiempo una espléndida recopilación sobre Johnny Haliday (el ídolo de masas en la Francia de los años 60, 70 y más allá). Pero también colabora de vez en cuando en el blog de José Kortocircuito, y con frecuencia nos deja sus opiniones tanto allí como aquí: como es lógico hay veces en las que no está de acuerdo con las músicas que ponemos, pero sus comentarios siempre son interesantes. Este tipo de lectores que intervienen y colaboran o discuten es de agradecer, porque revitalizan a este formato, el de los blogs, al que hace ya tiempo que se le daba por muerto pero sigue coleando. Asi que muchas gracias.
Se conoce, sobre todo, a Booker T. & The MG’s (MG por Memphis Group) por su eterno clásico "Green onions", de 1962. Este cuarteto instrumental, compuesto de dos afro-americanos y dos blancos era, con The Mar-Keys (Last Night 1961), el grupo de sesiones del gran sello de soul Stax/Volt Records, donde fue creado el «Memphis Sound» que quedará como la marca de la casa.
Desde 1962 hasta 1971, los MG’s comparten su tiempo entre una multitud de sesiones (¡más de 600 discos!) y giras detrás de los grandes de Stax y Atlantic y la grabación de una docena de discos bajo su propio nombre. En el mismo tiempo, el guitarista Steve Cropper compone algunas de las mejores canciones soul de la época: "Sittin’ on the dock of the bay" para Otis Redding, "Soul man" para Sam & Dave, "Knock on wood" para Eddie Floyd o también "In the midnight hour" para Wilson Pickett. ¡Pues casi nada!
En 1967, cuando actuan en el famoso festival de Monterey detrás de Otis Redding para un concierto inolvidable, están en la cima de su arte: Donald «Duck» Dunn (bajo) y Al Jackson (bateria) mantienen un «beat» metronómico de una sencillez extremamente eficaz; Cropper, un genio de la Fender Telecaster, interviene a golpes de «licks» y breves frases melódicas, mientras Booker T. Jones, con el órgano o el piano, impulsa un estilo jazzy y melódico a todos los temas, y también canta.
El repertorio está compuesto por composiciones personales y versiones de exitos de la epoca. Sus temas más famosos son "Hip-hug-her, "Slim Jenkins place", "Groovin’", "Hang ‘em high, Soul limbo" y "Time is tight".
Este volumen de Pop History recopila temas del periodo 1968-1970, que para mí es lo menos interesante porque el grupo habia perdido ya la espontaneidad y la sencillez de los años anteriores. Y tengo que decir que no entiendo la elección de los temas por el sello Polydor porque, en su gran mayoría, no tienen nada que ver con la musica soul; tanto, que es muy poco representativo del estilo habitual del grupo. De hecho, cuatro temas han sido escogidos del álbum "McLemore Avenue" (1970), que es la versión instrumental de Abbey Road de The Beatles. Un disco mal recibido por la crítica en su tiempo. ¿Y qué decir de "Mrs. Robinson" (Simon & Garfunkel), "Michelle", "Lady Madonna", "Eleanor Rigby" (The Beatles) y "Light my fire" (The Doors)? Memphis Sound a lo grande, ¿no?
Para mí, destacan los originales del grupo en el puro estilo Memphis : "Time is tight","Heads or tails", "Melting pot" (con sus más de 8 minutos y su soberbio solo de guitarra), el calypso "Soul limbo", la balada "La la means I love you" y la jazzy "Over easy". Es Booker T. Jones quien canta en el tema "Johnny, I love you", el único no-instrumental de la selección. El resto, en mi humilde punto de vista, para olvidar.
Para los que quieran una visión completa de la discografía del grupo, es muy aconsejable la recopilación de 3 CD titulada "Time is tight" de 1998.
Tras la publicación de su "Trilogía del Dólar", aquí estoy de vuelta con el Sr. Morricone. La Red está llena de sorpresas, como es el caso de este curioso video que encontré en youtube y que vale la pena compartir.
Ataviados con uniformes de soldados americanos de la Segunda Guerra Mundial, Lucky Will con su guitarra solista Fender, y su amigo Flo Rockers con una acústica Gretsch, acompañados por el sonido del motor de una fabulosa Harley Davidson WLA de 1942, ejecutan esta curiosa versión de "A Fistful of Dollars"(1965), la popular pieza que Ennio Morricone creó para la banda sonora del famoso western del mismo nombre.
Pues hemos llegado ya a la mitad de esta serie. El pollo en cuestión es nada más y nada menos que el famosísisisisimo Fernando Granada, acompañado por el no menos famoso Sanantonio y su nuevo conjunto. La verdad es que no he podido saber nada de él ni de su conjunto. Versiona a Paul Anka dos veces. Pero tiene mucho mérito, porque en la segunda de las ocasiones, en "Bikini Amarillo", al parecer, se la prohibieron, lo cual hace de este disco una rareza exquisita. O sea: que no os pase ná. Os dejo el listado y la categoría que dan a las canciones:
A1.- Mi pueblecito (My home town : cha cha cha / P. Anka - J. Valdés.
A2.- Genevieve (slow rock / Mogol - Toang - J. Valdés)
B1.- Bikini amarillo (Itsy bitsy teenie weenie yellow polka-dot bikini: cha cha cha / Vance - Pockriss - J. Valdés)
B2.- Es primavera (slowly rock / R. Granata - J. Valdés)
Este volumen corresponde presentarlo a nuestro amigo Juan Manuel Muñoz, del magnífico programa de música “Anecdoradio”, en Aguascalientes (México). A mí solo me toca montarlo para publicarlo en el blog. Solo añadiré algunas cosillas, por ejemplo que mis discos preferidos de Mayall son: John Mayall with Erc Clapton- Blues Breakers/The Turning Point/Empty rooms/y USA Union, un álbum de 1970 , con Harvey Mandel en la guitarra, Larry Taylor en el bajo y Don "Sugarcane" Harris en el violín. Sin batería.
Todo el mundo sabe que Mayall, junto con Alexis Korner, fue uno de los pioneros del blues inglés. Pasó por numerosas etapas, y por su banda desfilaron infinidad de músicos; muchos de ellos formaron otros grupos que triunfaron en distintas disciplinas. No es mi labor aquí contaros la vida y milagros de este músico; el que tenga interés puede buscar información en internet.
Os dejo con la presentación de nuestro amigo Juan Manuel Muñoz,
Aquí tienen un enlace de uno de sus últimos programas;
“Corría el año 1978. Tenía
una novia que estaba al cuidado de sus hermanos más pequeños debido
a que sus padres radicaban en Chicago, Illinois. Yo asumí, con
muchísimo gusto, el ayudarle en lo que fuera necesario con sus
hermanos. Una de esas noches de mediados de ese año en que fui a la
casa de mi novia para “planchar”, como solíamos decirle aquí al
hecho de ir a echar novio, ella me salió con la noticia de que sus
padres decidieron pasar sus vacaciones en Aguascalientes y que su
mamá (quizás agradecida por la ayuda que prestaba en el cuidado de
sus hijos, en especial de su hija, jeje) preguntaba qué era lo que
yo quería que me trajera de los Estados Unidos. Ni tardo ni perezoso
le dije que me trajera unos discos. Aquí la memoria me falla y no
recuerdo si yo le proporcioné una lista de los que me gustaría
tener o fue cuestión de suerte, pero el caso es que llegó con dos
discos para mí. Uno de ellos era Animals de Pink Floyd y el otro
Back To The Roots de John Mayall. Wow! Antes que todo, eran mis
primeros discos “importados” que tenía (que vaya que había
diferencia con los nacionales), los primeros de portada doble (el de
Mayall era un disco doble), me sentía como niño con zapatos nuevos.
Escuchar completo el primer álbum que tenía de John Mayall fue como
pasar a otra dimensión. Aún sin ser una persona que le guste
repetir muchas veces un mismo disco, con ese lo hice, y vaya si lo
hice. De sobra es decir que a partir de entonces me volví un
acérrimo seguidor de John Mayall. Llegué a perdonarle algunos
discos mediocres que grabó, como New
Year, New Band, New Company y Bottom Line. No me importó, era
John Mayall. Con eso estaba dicho todo.”
Tony Bernan, valenciano, no llega a ser estrictamente un crooner raro, raro, raro. Pero bien merece un sitio aquí, especialmente por la historia que contiene. Antes, decir que aún mantiene su Facebook, de donde he sacado su foto. Tras unos años de tentativas, marcha a Madrid, donde empieza su carrera en el programa “Cabalgata fin de semana” de la SER, precedente de los shows radiofónicos y televisivos desde 1951, cuando lo presentaba Bobby Deglané y su hija, y donde apareció por primera ver el famoso “hombre del tiempo” (Mariano Medina), o los humoristas Tip y Coll. Allí conoce a Antonio Guijarro (Cartagena, 1925-Madrid, 1982), letrista, que le aconseja irse a Paris a perfeccionarse. Cosa que hace, y que aprovecha, pues se presentó al programa de la RTF “Petit Conservatoire de la Chanson”. Luego aparece durante ocho semanas seguidas en televisión gala, acabando siendo fichado en la actuación de la por entonces mega estrella inglesa Petula Clark en el Teatro Olympia el 17 de noviembre de 1962. De ahí le llueven los contratos por Francia, Bélgica y Viena hasta que, (¡otra vez!) tiene que volver a España a hacer “la mili”. Acabada ésta, reinicia su carrera, pero ahora por el Levante, grabando su primer disco, el que subo aquí, para Sayton en 1967. Lo curioso de este disco es que lo hace acompañado por el conjunto “Los Superson”, famoso grupo que fue con quien Nino Bravo alcanzó sus éxitos y formado entonces por Vicente Juesas al órgano, su hermano Pepe a la guitarra, Vicente López al bajo y el magnífico Salvador Pelejero en la batería (hoy día profesor titular de percusión del Conservatorio Municipal de Música “José Iturbi”).
Saturnino Naredo, Vicente López y Josep Bosch crearon a principios de los años 60 una rondalla de barrio (también conocido como tuna) que acabó convirtiéndose en el conjunto musical Los Superson con la incorporación de un bateria, Salvador Pelejero y la voz de Carlos Lardíes (https://sites.google.com/site/lossuperson/). Pero Lardies sufrió un aparatoso accidente de tráfico que le alejó de los escenarios, siendo sustituido por un jovencísimo Luis Manuel Ferri Llopis (Manolito). La incorporación de Manolo (Nino Bravo), se produjo tiempo después de su paso por el conjunto Los Hispánicos. Los Superson tenían un repertorio variado, donde destacaban las canciones que más sonaban en la época pero además incorporaban un gran número de temas de Tom Jones, John Rowless o Engelbert Humperdinck, cantantes con los que el joven Manolo se encontraba más a gusto y temas que a nivel interpretativo eran más acorde a su tesitura. Al poco tiempo y tras la salida de los fundadores Josep y Saturnino, se incorporaron al grupo los hermanos Juesas, Vicente y Pepe, también compañeros de fatigas del joven Manolo desde su llegada a Valencia.
La muerte de Nino Bravo supuso un shock general, también para Los Superson. Después la banda grabó un disco teniendo, por segunda vez, como cantante a Tony Bernan. Pero ya nada volvió a ser lo que fue, ni para unos, ni para otros.
Pues ya vamos avanzando esta serie, que en su día nos marcó a muchos de los jóvenes de la época, ávidos de música nueva, pero que ahora visto con el paso de los años, vemos que realmente no era tan buena como nosotros creíamos cuando salió, y creo que Polydor aprovechándose de nuestra avidez y falta de conocimientos, nos coló esta serie, pues viéndola objetivamente, la selección deja bastante que desear, pues si realmente fuese una serie para promocionar a sus artistas, cosa totalmente legítima, hizo una selección de temas muy irregular, faltando grandes temas e incluyendo otros que ni mucho menos estaban a la altura, y además con excesivos directos.
Aparte de la manera de exprimir a "Cream" por ejemplo, que no tuvo bastante con la banda, sino que sacó un disco de cada uno de sus tres integrantes.
Pero bueno, no deja de ser para todos los que vivimos esa época una colección entrañable y que nos sirvió mucho, con todos sus peros, que en su día no supimos ver.
Pues hoy me toca el volumen dedicado a "Richie Havens", ganado a pulso por escoger la opción de "a mi me da igual" a la hora de repartir los volúmenes, y claro, me comí el que nadie quiso, y encima del artista que menos conozco.
Realmente lo único que tenía bien aprendido de él era su espectacular interpretación de "Freedom" en el Festival de Woodstock y que siempre me ha parecido de los momentos álgidos del festival, a pesar de actuar de día, cosa que desluce mucho. Su derroche de energía me cautivo y tengo esa actuación grabada a fuego en mi cerebro.
Por lo demás he de reconocer que poca cosa de él he escuchado, solo canciones sueltas y ahora este volumen de Pop History, que me he repasado unas cuantas veces.
El resultado, un poco cambiante, pues aunque reconozco que su forma de cantar me encanta, mucho rato me parece monótono, tiene grandes momentos y otros realmente aburridos.
Luego está la cuestión de la elección de las canciones, demasiadas versiones para mi gusto y además creo que bastante inferiores a las originales, sobre todo de las de los Beatles, de los que hace cuatro en este disco.
Lo de las versiones, me parece curioso, pues a Ritchie Havens le encuentro cierto paralelismo y a la vez antagonismo con Joe Cocker, que realmente hizo lo mismo que él, basaron sus principios en las versiones, pero con la diferencia que las que hizo Cocker las hizo de una forma magistral, compitiendo dignamente con las originales, aunque fuesen de los Beatles, cosa que no puede decir Havens.
De todas formas, creo que es un personaje que tuvo su importancia, pues aglutinó un montón de estilos en su música y siempre con su toque personal que al final, creo que es importante, y que ha sabido ganarse el respeto de los aficionados.
Nada mas, os dejo ya con la lista de canciones:
Disco 1:
A1 - Indian Rope Man
A2 - Baby Blue
A3 - Wear Your Love Like Heaven
A4 - Run Shaker Life-Do You Feel Good
B1 - I Started A Joke
B2 - Shouldn't All The World Be Dancing
B3 - From The Prison
B4 - Open Our Eyes
B5 - Strawberry Fields Forever
Disco 2:
C1 - With A Little Help From My Friends
C2 - Priests
C3 - I Pity The Poor Emigrant
C4 - Prayer
C5 - She's Leaving Home
D1 - Lady Madonna
D2 - For Haven's Sake
D3 - Don't Listen To Me
D4 - The Parable Of Ramon
Para los reproductores os dejo solo dos canciones, pues son muy largas, sobre los ocho minutos cada una:
Run Shaker Life-Do You Feel Good
Shouldn't All The World Be Dancing
Y para acabar el video de su actuación en Woodstock, dicen que como faltaban muchos artistas por llegar, le hicieron tocar a destajo y ya no sabiendo que tocar se sacó de la manga esta improvisación basada en un tema religioso que tituló "Freedon".
Y esto ha sido este volumen 11 dedicado a Richie Havens, el próximo estará en pocos días aquí, dedicado a John Mayall. Mientras tanto, disfrutad de esto.
Como viene siendo costumbre, todos los meses de Agosto se celebran en mi urba de San Juan las esperadas fiestas estivales. Después de una divertida jornada de actividades, tales como: carreras de sacos, cucaña, partido de fútbol y merendola de chocolate con churros, llega la esperada noche.
Mi pandilla y yo, (Los Monkees), ataviados con nuestras mejores galas veraniegas (camiseta, bañador y chanclas), perseguidos por la chiquillería de todas las edades que se nos pegan como lapas, ocupamos impacientes nuestros sitios delante del escenario iluminado con bombillas de colores. En breve dará comienzo la actuación del grupo que animará la verbena.
Después de un tiempo razonable de espera, salen por fin de su escondite de sábanas colgantes, "Los 5 Ye-Yes", el conjunto que han contratado este año con los veinte duros aportados por cada vecino. Los músicos reciben los primeros aplausos, e inmediatamente empiezan a afinar sus instrumentos y a probar el equipo.
primer álbum de Spotnicks 1962
Sobre el escenario, ofrecen la típica imagen de los conjuntos verbeneros de la época. Me explico: hay un cantante guapito que lleva una pandereta para disimular que no sabe tocar nada. El menda luce una permanente moldeada al estilo Camilo Sesto. También lleva puesta una apretada camiseta de Bultaco que le llega por el ombligo, y unos vaqueros Rok de campana. El bajista es bajito, valga la redundancia, regordete y simpático él. Su camisa es de manga larga y de un color morado satén. Suda como un gorrino por el calor, pero sobre todo, por los dos pelotazos de whisky Dyc que por la jeta se acaba de arrear en la cantina para contrarrestar la bajada de tensión del canuto hierba que previamente se ha fumao en la furgo. Luego están los dos guitarristas del conjunto, que rompen el conjunto porque uno es bastante más alto que el otro. El alto, que es el solista, luce peluquita y flequillo recortado a la moda glam rock, y destaca en el grupo porque es el único rubio, lleva patillas largas, unas gafas de ala de mosca amarillentas, zuecos de cuero anaranjado claveteados, y es de de Campello, aunque parezca extranjero.
El bigote del más bajo es espectacular, a lo Dennis Hopper. Del cuello le cuelga una cadena con un medallón cuyo lema reza: "fate l'amore e non la guerra", y su cabezón está rematado por un bonito sombrero americano de ala ancha caída, adornado con plumas rojas y blancas. Muy elegante el tío.
Momentos de expectación e impaciencia. Nos tapamos los oídos, porque molestan los irritantes chirridos y latigazos que produce el acople de las guitarras a los amplis. El vocalista comienza a dar la vara repitiendo cien veces eso de: sí, sí..., se oye, probando, probando..., mientras resopla y golpea el micro. De repente, oímos un estruendo, algo así como si un elefante hubiera entrado en una cacharrería. Es el batería, el ídolo de los niños y niñas, que con un Ducados encendido en los labios, un botellín de Skol Lager en el suelo y la mirada perdida en el espacio infinito, irrumpe aporreando los tambores con furia para desquitarse la humillación sufrida durante los dos largos años de mili que se ha arreado en Cartagena. Años irrecuperables, robados a su juventud, en los que trató de evitar el aburrimiento castrense, ejerciendo como tamborilero en la banda del cuartel de infantería. Hace seis meses que se licenció y ya su pelo no obedece más órdenes, si no que crece en libertad y ahora luce en una melena rizada y estufada del tamaño de un balón de Nivea.
portada de la edición mejicana
Todo indica que la ansiada actuación va a dar comienzo de un momento a otro. -Estos cabritos ya se hacen de rogar, protesta un chulito machongo que fuma Lucky y hace aros de humo.
Estamos impacientes por escuchar el primer tema. Cual será?, nos preguntamos los Monkees.
Tal vez se arranquen con el "Help" de Tony Ronald, ó con "Un Rayo de Sol" de Los Diablos, ó con suerte, quizás nos sorprendan con alguna de Los Beatles como "Love me Do" ó "She Loves You", porque no creo que se atrevan con "Get Back", digo yo. Puestos a pedir, a mi me gustaría una de Los Bravos, como por ejemplo "La Moto", que me chifla. Cualquier cosa estaría bien menos el "Borriquito como Tú" de Peret, que lo tengo aborrecido. Ya es suficiente con aguantar la monserga de mis padres que no paran de recordarme los suspensos del colegio.
-¡Silencio chavales que esto ya empieza!, grita el machongo fumador. Y tras una breve presentación, se arrancan las guitarras y nos sorprenden con una versión rock instrumental de "Amapola". Parece que Camilo no se atreve con la canción de Los Panchos, está mudo, y hace como que toca una guitarra rasgando la pandereta.
Pues no, no hemos acertado nadie, mira tú por donde.
Chasco mayúsculo y caras de asco entre la mañaquería. -Mamá, ¿no es esa la canción que tanto le gusta al abuelo?, pregunta una nenota ya con tetas y la cara llena de granos. Otros chavales que saben silbar estilo pastor, ejercen su habilidad en señal de protesta.
Rocko con Atlantic Group
En ese momento yo participaba igual que todos de la mofa y el jolgorio provocados por la vieja canción, pero sin embargo, y aunque no me atrevía a manifestarlo delante de mis amigos, estaba disfrutando de lo lindo y en secreto del espectáculo, porque conocía muy bien el tema y a mi sí que me gustaba.
Entonces recordé la portada de aquel disco recién traído de Inglaterra, "The Spotnicks In London" se titulaba, con sus cuatro grotescos guitarristas vestidos de cosmonautas. Un álbum que con tanto cariño y orgullo me hizo escuchar años atrás mi primo Ángel, "Rocko", le llamarían después sus compañeros de Atlantic Group. El mejor guitarrista de la familia, el que por aquel entonces ya tenía su propia guitarra eléctrica y soñaba con formar un conjunto de rock. Él, amigos míos, fue uno de los culpables de que hoy, más de medio siglo después, me siga apasionando la música.
Recuerdo muy bien con que fascinación le escuchaba yo hablar de las excelencias de Los Spotnicks, esa banda de virtuosos guitarristas lunáticos con nombre de satélite ruso, que además cantaban muy bien, que se fabricaban sus propias guitarras, que no tenían nada que envidiar a Los Shadows, que salían al escenario con estrafalarios trajes espaciales y que para colmo eran suecos. ¿Suecos?, me preguntaba atónito yo, un mocoso que por aquel entonces no sabía distinguir Suecia de Suiza.
Resulta asombroso como la música se asocia nuestros recuerdos de infancia y juventud. En ocasiones algunos temas que teníamos olvidados en el subconsciente, afloran casual y repentinamente y nos refrescan la memoria, devolviéndonos a un tiempo ya lejano en el que todo estaba por descubrir y todo por vivir.
DISCO 1
A1 - Amapola, A2 - One Has My Name, A3 - Green Eyes, A4 - Ku´Damm Promenade, A5 - Mudy Missisippi Line, B1 - Walk Right In, B2 - Last Date, B3 - Diamonds, B4 - I´m Coming Home, B5 - Steel Guitar Rag, B6 - Bye Bye Birdie.
DISCO 2
C1 - Habanera, C2 - Everybody´s Talkin´, C3 - In The Mood, C4 - Busted, C5 - Say Mama, C6 - Walking Back To Happiness, D1 - Hava Naguila, D-2 - Wilwood Flower, D3 - Recado, D4 - I´ll Remember You, D5 - Hot Toddy, D6 - Space Walk.
THE SPOTNICKS
Lugar de origen: Gothenburg - Suecia
Años en activo: 1961-2022
Formación original: Bo winnberg (guitarra solista) Bo Lander (guitarra) Bjorn Thelin (bajo) Ove Johansson (bateria)
Tony Preysler se emocionó, se lo creyó y se puso a cantar en solitario anhelando el mismo éxito que tuvo con el grupo musical de estudiantes catalanes a principios de los 60, Golden Quarter (1960-1966), donde ponía la voz y del que se salió sólo para hacer este disco. Pero no triunfó. De origen filipino, la deriva del grupo hacia ritmos de moda, como “la yenka” en 1965, o la entrada de nuevos componentes, alguno de ellos de “Los Gatos Negros” hizo que desaparecieran (también por el servicio militar) y se marchara a Los Extraños. La rareza de este disco consiste, pues, en el testimonio de lanzamientos fallidos de cantantes que pretenden hacer carrera en solitario.
